Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Dois anos atrás, o escritor Ed Solomon e o diretor Steven Soderbergh colaboraram em um dos melhores noirs dos últimos anos com Nem um Passo em Falso. A dupla está de volta com outra história sinuosa de segredos enterrados e traições com Círculo Fechado, uma série limitada de seis partes com um elenco fenomenal e direção esperada. Existem muitas reviravoltas coincidentes neste conto para que seja tão tenso quanto o melhor do gênero, e não pude deixar de sentir que um tempo de execução do recurso teria forçado um paring do script que teria resolvido esse problema. . Mas há tanto para gostar aqui que seus pecados podem ser perdoados.

Círculo Fechado abre como o que parece ser um drama de sequestro relativamente direto, quase como se fosse a opinião de Soderbergh sobre algo como O Preço de um Resgate de Ron Howard. O filho de uma família rica é sequestrado. Exceto, bem, não realmente. As coisas dão muito errado desde o início deste esquema complexo, orquestrado pelo poderosa jogadora guianense Mahabir (CCH Pounder), que fala em fechar um círculo para remover uma maldição. Veja bem, a poderosa família de Nova York tem laços com um incidente na Guiana há muitos anos e, portanto, o sequestro é mais do que apenas um roubo de dinheiro típico – é um ato de vingança. Grande parte do material mais interessante do roteiro de Solomon funciona a partir da ideia de que as pessoas muitas vezes agem por mais de um interesse próprio.

A princípio, Derek (Timothy Olyphant) e Sam (Claire Danes) presumem que o sequestro de seu filho Jared (Ethan Stoddard) é puramente para ganho financeiro. Afinal, o avô de Jared é uma celebridade chamada Chef Jeff (Dennis Quaid).

Os sequestradores, que incluem Aked (Jharrel Jerome), sua namorada Natalia (Adia) e os adolescentes chamados Louis (Gerald Jones) e Xavier (Sheyi Cole), exigem uma quantia ímpar: R$ 314.159 de dólares, que Jeff observa ser o começo do valor numérico de pi. É uma quantia fácil de dinheiro para esta família incrivelmente abastada conseguir, e Derek logo está correndo pela cidade com um saco de dinheiro. No entanto, algo deu errado desde o início que não vou estragar. Direi apenas que as decisões devem ser tomadas rapidamente, e nem todos aqui parecem capazes de tomar as decisões certas.

Arrastada para este drama está um oficial do Serviço de Inspeção Postal dos Estados Unidos chamada Harmony (Zazie Beetz), que está investigando uma série de golpes de seguros perpetrados por Mahabir e sua equipe. Quando ela não está batendo de frente com um Manny viscoso e superior, interpretado perfeitamente por Jim Gaffigan, ou terminando com sua namorada, a espetacularmente linda May Hong interpretando Carol, que estava desenhando as linhas que conectam Mahabir, Aked, Sam e Derek e até mesmo seu chefe. É um conto de conexões notáveis ​​entre os personagens que às vezes aumenta a credulidade, mas a robustez do cinema de Soderbergh o mantém unido. Quer sejam close-ups suados ou o uso liberal de uma trilha sonora bem ao estilo de Bernard Herrmann de Zack Ryan, Círculo Fechado é um ótimo exemplo de quanta habilidade um dos melhores cineastas americanos traz para tudo o que faz

Soderbergh também é um diretor de desempenho consistentemente subestimado, e há vários destaques aqui. Quase poderia haver uma leitura feminista dessa história, considerando que não apenas os esqueletos de Manny, Jeff e Derek estão prestes a cair de seus armários, mas também parecem radicalmente incapazes de manter suas próprias vidas unidas à medida que as tensões aumentam. Olyphant, Gaffigan e Quaid são excelentes em capturar essa ingenuidade privilegiada sem transformar seus personagens em caricaturas. Os dinamarqueses como Danes podem fazer “profissionais atormentados” durante o sono, em parte porque ela é muito boa nisso. Conforme ela percebe as conexões que dão forma a Círculo Fechado, Danes habilmente vende alguns enigmas morais da última série necessários para o final do show. Beetz acerta o tom lúdico de uma mulher que sabe que é mais esperta do que a situação profissional em que se encontra – trabalhando para um idiota – e é sua capacidade de vender as decisões rápidas de Harmony que dá à peça muito impulso. Finalmente, Jerome é talvez o melhor da série, dando a Aked um desespero que parece verdadeiramente perigoso.

E a imagem final é uma das melhores tomadas finais de Soderbergh, um lembrete de que tudo isso tem a ver com consequências de longo prazo e que as coisas têm o hábito de encontrar o caminho de volta para onde começaram.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBOMax.

 

Quando o exército dos EUA se retirou do Afeganistão em 2021, abandonou centenas de intérpretes afegãos que arriscaram suas vidas trabalhando contra o Talibã. Em vez de obter vistos para se mudar para os EUA, como havia sido prometido, pelo menos 300 intérpretes foram mortos pelas forças do Talibã. Essa estrutura sombria pode não parecer a inspiração mais óbvia para um filme de Guy Ritchie, mas Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes não é. A história específica que Ritchie conta é fictícia, mas bastante plausível: o sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal) está trabalhando com o intérprete Ahmed (Dar Salim), nas profundezas da terra controlada pelo Talibã, quando Kinley é ferido. De alguma forma, Ahmed consegue transportá-lo, por bem ou por mal, 100 km de volta à segurança. Ele será generosamente recompensado por seus esforços?

A sua mulher Basira (Fariba Sheikhan) espera que sim, já que ela só sonha em se mudar pros EUA, tirar seu véu e burca e finalmente sair do terreno de guerra inóspito do Afeganistão. O bebê que eles tem a caminho adoraria um “país livre” pra viver.

Ritchie faz bem em manter as coisas tensas. O cinema nem sempre é o melhor meio para apresentar desafios de resistência; resistência é talvez a virtude mais difícil de dramatizar na tela. Embora a distância, as temperaturas e os desafios físicos enfrentados por Ahmed sejam impressionantes, obviamente tudo parecerá muito mais tenso nos momentos em que ele encontra grupos de busca do Talibã e entra no modo de filme de espionagem / ação mais padrão. Da mesma forma, o desafio de Gyllenhaal é nos fazer investir no valor da persistência diante da indiferença – não exatamente o material de que os filmes de Missão: Impossível são feitos.

Dá espaço para Dar Salim brilhar, em uma liderança mais substancial do que a maioria de seus papéis em Hollywood lhe proporcionaram até agora.

Mas Jake Gyllenhaal não é um protagonista arrogante, e graças a Deus – porque você precisa de um Gyllenhaal para esse tipo de papel. Nem todo ator se sentiria confortável em um trabalho que exige que ele passe um período significativo de seu tempo de tela semiconsciente em uma maca improvisado. E quando chega a hora de Kinley entrar em ação, grande parte dessa ação envolve ficar incrivelmente zangado ao telefone depois de ser colocado em espera por horas em camadas barrocas e impenetráveis ​​da burocracia americana. Só que o cara tem contatos né? Então, ao cobrar uma dívida do Coronel Volkes (Jonny Lee Miller), Kinley conseguiu a ajuda de mercenários americanos agindo na região.

Esse não é o tipo de heroísmo que vai funcionar para todos os A-listers: eles vão ligar para o agente perguntando se poderiam fazer mais cenas em que correm em direção a uma explosão em câmera lenta para salvar uma criança. Felizmente, Gyllenhaal quase se especializou em interpretar esses tipos de protagonistas mais realistas: Anthony Swofford, o atirador que nunca disparou seu rifle em Soldado Anônimo. Tommy, o cara que quase tem um caso com a esposa de seu irmão, mas depois não tem, em Entre Irmãos. Essa energia é perfeita para o relativamente sóbrio O Pacto – e permite espaço para Dar Salim brilhar, em uma liderança mais substancial do que a maioria de seus papéis em Hollywood lhe proporcionaram até agora. Juntos, os dois constroem um retrato convincente de dois indivíduos unidos pelo senso de tentar fazer a coisa certa em um mundo onde esse curso de ação às vezes parece impossível. Como Kinley coloca: “Há um gancho em mim. Um que você não pode ver, mas está lá.”
Eles dizem que você não pode ensinar novos truques a um cachorro velho, mas talvez eles estejam errados: com base nessas evidências, Guy Ritchie pode absolutamente aprender a fazer um filme de Paul Greengrass (Trilogia Bourne, Zona Verde), apresentando uma bela fatia de um drama de guerra/espionagem sério.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Prime Video.

No mundo pós-apocalíptico de Silo, o ar é fresco e limpo, as águas são claras e azuis, o céu não poluído se estende até o céu imaculado, o governo é benevolente e atende aos interesses do povo, e os cidadãos do mundo vestem roupas de cores vivas enquanto abraçam a educação e o esclarecimento e desfrutam dos frutos de uma sociedade que valoriza o trabalho, mas dá o maior valor à família.

Ah vamos. Você sabe que não é assim que funciona com essas séries e filmes distópicos como The Last of Us e Estação 11, Duna e Blade Runner. O mundo de Silo é sombrio, ditatorial e violento, com as pessoas lutando para sobreviver todos os dias, enquanto um governo praticamente invisível fica de olho em todos os seus movimentos. O que torna Silo tão fascinante são os pontos de vista mutáveis, os personagens intrigantes de todos os lados da bússola moral e a construção lenta e intensa do enredo.

Baseado na popular série de livros de ficção científica de Hugh Howey, trazida à impressionante vida visual da televisão pelo showrunner Graham Yost (Da Terra à Lua, Justified) e apresentando 10 episódios emocionantes no Apple TV+, este é um história Sci-Fi Noir bem encenada e claustrofobicamente eficaz, com uma miríade de personagens intrigantes, algumas reviravoltas assustadoramente eficazes e fortes atuações do elenco. Desde os poucos momentos de abertura carregados de mistério até o final da temporada que trás uma revelação chocante, deixando mais perguntas em aberto do que respondidas, cada episódio de Silo nos deixa ansiosos por mais. (A boa notícia é que uma segunda temporada já está em andamento.)

Silo se passa em uma era indefinida pelo menos 140 anos depois que a Terra se tornou inabitável: despojada de toda vegetação, desprovida de vida e o ar cheio de algum tipo de elemento tóxico que o matará em questão de minutos. Por gerações, uma sociedade de cerca de 10.000 pessoas existiu em um silo subterrâneo – pense em um arranha-céu gigante, bastante sujo, mas funcional abaixo da superfície, completo com níveis agrícolas, uma cafeteria comum, um centro médico, um departamento do xerife, uma prefeitura, apartamentos individuais para os residentes, celebrações e rituais anuais e adesão estrita às leis estabelecidas pelos Fundadores e executadas pelo todo-poderoso Departamento Judicial.

O episódio piloto se concentra no xerife Holston de David Oyelowo e sua esposa Alison (Rashida Jones), uma gênio da tecnologia com uma mente perigosamente curiosa. (Está claro desde o início que é melhor não fazer perguntas no Silo.) É o xerife que recita o mantra que ouviremos toda vez que alguém no Silo fizer o pedido para sair, o que equivale a uma autossabotagem. impôs sentença de morte: “Não sabemos por que estamos aqui. Não sabemos quem construiu o Silo. Não sabemos por que tudo fora do Silo é como é. Não sabemos quando será seguro sair. Só sabemos que esse dia não é hoje.” Quando alguém sai, é solicitado a limpar a janela que mostra a paisagem austera e mortal do lado de fora do Silo e, em seguida, dá alguns passos colina acima antes de desmaiar e morrer.

Além de Holston e Allison, os primeiros personagens principais incluem o imponente e respeitada prefeita Jahns (Geraldine James) e o dedicado policial Marnes (Will Patton) – mas a maior parte da série muda o foco para uma nova rodada de jogadores, com Rebecca Ferguson emergindo como protagonista, Juliette, uma engenheira de grande habilidade e uma séria veia rebelde (uh-oh) que mantém o gerador de energia do Silo funcionando. Essa é a tarefa mais importante de toda a comunidade, porque se o gerador de energia falhar, o Silo mergulhará na escuridão eterna e ficará sem esperança.

Silo muda de direção em vários gêneros, do thriller de conspiração ao comentário social geral, do procedimento policial ao romance do fim dos tempos, com flashbacks oportunos que fornecem informações sobre as histórias de origem de vários personagens essenciais. Tim Robbins é discreto e arrepiante como Bernard, o chefe do departamento de TI e um dos indivíduos mais influentes do Silo, enquanto Common é um executor vestido de couro encarregado da segurança do todo-poderoso Sistema Judicial e Iain Glen aparece em um papel fundamental como Dr. Nichols, o distante pai de Juliette.

É uma série com um bom elenco e, seguindo a tradição de séries como Lost, aprendemos as histórias de fundo de muitos dos personagens principais – em primeiro lugar, Juliette, que teve uma infância trágica e teve que crescer muito cedo, envelhecer e se tornar a clássica anti-heroína relutante enquanto a contagem de corpos aumenta. O povo do Silo ainda não sabe, mas a mulher que manteve o gerador funcionando por anos é agora sua última esperança. Isso lhes dá pelo menos uma chance de lutar.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Apple TV+.

 

Não se pode pensar em Anne Rice sem pensar em vampiros. Ao longo de quase 50 anos, a autora ajudou a redefinir radicalmente as criaturas sugadoras de sangue para gerações de leitores por meio de sua série best-seller Crônicas Vampirescas. Todo um novo público se juntou ao mundo da falecida autora graças à adaptação impecável de Entrevista Com Vampiro da AMC, e agora, a rede espera que as outras criações paranormais de Rice mantenham os telespectadores viciados. Desvie a atenção sobre Lestat; As Bruxas Mayfair estão na por aí.

Alexandra Daddario interpreta Rowan, uma brilhante neurocirurgiã que de repente percebe que tem a capacidade de matar pessoas com um mero pensamento. Seus medos sobre seus crescentes poderes a levam a descobrir sua família biológica: o infame clã Mayfair de Nova Orleans. Gerações de mulheres se viram assombradas por um espírito sedutor conhecido como Lasher (Jack Huston), incluindo a catatônica mãe biológica de Rowan, Deirdre (Annabeth Gish), que está sendo mantida drogada e cativa por suas tias. Para descobrir seu passado, Rowan deve abraçar o que significa ser uma Mayfair e os perigos que suas próprias habilidades representam para o mundo.

The Lives of the Mayfair Witches pode ser a coisa mais ambiciosa que Rice escreveu que não continha um único vampiro. A trilogia, composta por cerca de 2.000 páginas, detalha a história de séculos de uma família de bruxas matriarcais incestuosas que são assombradas por um espírito que quer invadir a humanidade atacando sua linhagem. É denso, hiperdramático, rico em detalhes históricos e não é especialmente a base da trama da AMC. Adaptá-lo em um drama de TV um tanto linear que pode competir com o estilo mais familiar e barroco de Entrevista Com Vampiro não é tarefa fácil. Vampiros obstinados podem ser instantaneamente atrativos, mas o potencial de Bruxas de Mayfair é imenso.

O tomo de duas mil páginas foi simplificado, com algumas dinastias truncadas em um e dois personagens principais moldados juntos em um novo jogador coadjuvante. Ciprian, o representante dos investigadores místicos conhecidos como Talamasca, é uma adição bem-vinda ao conjunto neste respeito.

Onde as Crônicas Vampirescas são exuberantes e sensuais, a série Mayfair Witches é gótica, a meio caminho entre a novela e a ópera. É um tom com o qual a adaptação se dá bem, pois os primeiros episódios saltam entre o tempo de Rowan, a infância conturbada de sua mãe e as origens da família nas Terras Altas da Escócia. A única maneira de fazer Rice corretamente é jogando direto, sem piscar nem acenar para nenhuma natureza boba. Como em Entrevista, isso também significa abraçar a beleza e o fascínio de Nova Orleans, que parece impressionante aqui em sua iteração moderna. Um episódio, apresentando Rowan em uma valsa bêbada com um cortejo fúnebre local, dá foco à rica cultura da cidade, que Rice freqüentemente entrelaçava em seus livros.

Todos aqui estão comprometidos com esse ethos, com a possível exceção sendo Harry Hamlin, que interpreta Cortland Mayfair, o único patriarca do clã e conspirador nefasto. Daddario tem um domínio firme sobre um personagem complicado, que, apesar de ser o protagonista, é uma espécie de cifra. Rowan é todo-poderosa, mas ignorante de sua história, um gênio em seu campo, mas uma novata no mundo das bruxas. Faz sentido que o avatar do nosso público pareça tão verde, embora isso signifique que Rowan não pode deixar de se sentir magra em comparação com seus parentes, especialmente suas tias, incluindo a sempre bem-vinda Beth Grant como a tia Carlotta. Ela é um peão de uma história mais ampla e fascinante de lealdade e poder. Os múltiplos pontos de vista dão espaço aos vários conflitos em jogo. Quanta dor contra seus entes queridos pode ser justificada se supostamente for em nome de mantê-los seguros?

E no centro dessa batalha está Lasher, um demônio que usa a sedução para prender toda uma dinastia. Nos livros, ele faz isso principalmente por meio de estupro em série, que o programa evita felizmente. Huston é subjugado, talvez até demais, enquanto equilibra o apaziguamento dessas mulheres com a manipulação. Aqui, ele é uma figura tradicionalmente mais charmosa do que nos livros, já que a série visa focar ainda mais no tema do poder das mulheres e nas formas como ele é anulado. Em contraste com as Crônicas Vampirescas, o mundo das Bruxas de Mayfair é quase exclusivamente feminino, e essa adaptação é mais forte quando investiga os laços geracionais e o trauma desse matriarcado único. As mulheres estão no comando, mas ainda é um homem (ou pelo menos um espírito masculino) que reina tirânico sobre todas elas. Sob esse estrangulamento, até mesmo a mais gentil das bruxas se torna implacável, e as Mayfairs podem ser impiedosamente cruéis. Quando centrado nessas complexidades morais, As Bruxas Mayfair brilha, particularmente no que se refere à força push-pull de Lasher. Se você fosse mantida prisioneira por sua própria família por décadas, você também não cairia nos braços da maior bandeira vermelha de Nova Orleans?

Por mais convidativa e intrigante que a série seja, pode ser difícil para a AMC atrair espectadores para As Bruxas Mayfair. Não é a propriedade estabelecida que os livros de vampiros de Rice são, nem é tão lascivo quanto a história de Lestat e Louis. Esta é uma queima mais lenta, um conto de família maior que leva seu tempo sem parar a narrativa. Há muito para estabelecer e recontar, embora tudo seja perfeitamente acessível para quem não leu os livros. No entanto, As Bruxas Mayfair também é uma adição bem-vinda às nossas telas, uma saga dramática e às vezes sexy que acredita plenamente na história que quer contar. Os livros vão para alguns lugares surreais e chocantes, e parece que a AMC está pronta para levar os espectadores até lá.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video pelo canal da Lionsgate+.

Tyler Rake estava clinicamente morto quando o vimos pela última vez no final de Resgate, caindo de uma ponte em Bangladesh com um ferimento de bala fatal no pescoço. Mas a morte não é páreo para a Netflix.

Chris Hemsworth retorna como o Rake em Resgate 2 e você agradecerá ao streaming por essa ressurreição tão bacana porque esta franquia é pura adrenalina cinematográfica.

O novo filme vem dois anos depois de uma primeira parcela surpreendentemente boa, que viu Rake intervir em uma briga entre dois traficantes de drogas rivais, sobreviver a inúmeras traições, perguntar coisas como “Quantos hostis no local?” e lançar um número inesgotável de granadas.

Como ele sobreviveu a tudo isso surpreende até mesmo seus amigos. Emergindo de um coma em Resgate 2, ele é escondido em um chalé remoto em Gmunden, na Áustria, cortesia de sua treinadora Nik Khan (Golshifteh Farahani) e o irmão de Nik, Yaz (Adam Bessa), e instruído a relaxar – aprender a tricotar, fazer caminhadas, tentar alcançar a paz plena. “Aproveite a aposentadoria”, dizem ele. Se o fizesse, não haveria Resgate 2.

Inevitavelmente, um novo trabalho de extração surge: e é aí que ele recebe a visita de um homem misterioso e não identificado (Idris Elba), que tem uma missão muito incomum para Tyler: ele deve extrair a esposa e os filhos do notório mafioso georgiano Davit Radiani (Tornike Bziava), que enfiou sua família com ele na prisão.

Detalhe: a missão foi a mando de sua ex-esposa Mia (Olga Kurylenko) que se separou dele por, ao invés de ficar junto dela e do filho em estado terminal, atendeu ao pedido de ir ao Afeganistão lutar.

Então, Tyler deixa o corpo em forma de Hemsworth fazendo flexões na neve, cortando lenha, empurrando um trenó cheio de pedras e fazendo alguns arremessos leves de machado. De alguma forma, os filmes Resgate se inclinam para todos os clichês, mas não parecem velhos. Tyler está pronto para ir. Vamos montar uma equipe e invadir uma prisão de segurança máxima, extinguir Davit e resgatar a esposa de Davit, Ketevan (Tinatin Dalakishvili), e seus filhos. O que poderia acontecer sem problemas?

De um jeito bom, enquanto Tyler e sua equipe resgatam Ketevan e as crianças, com Tyler atirando , esfaqueando, socando e e matando cerca de 100 homens ao longo do caminho. (Ketevan também acaba sendo bastante útil com uma pá como arma). Ah, mas claro, a família está segura, POR AGORA. Só que há uma tempestade chegando em nome de Zurab Radiani (Tornike Gogrichiani), que busca vingança por seu irmão morto. E agora, José?!

Hemsworth é reencontrado aqui pelo roteirista do Marvel Comic Universe, Joe Russo, e pelo especialista em dublês que virou diretor Sam Hargrave, mas seu ás na manga são seus diretores de fotografia, que criam tomadas únicas impossivelmente longas de cenas complicadas de luta ou direção que colocam o espectador diretamente na ação como poucos outros thrillers.

A última vez foi Newton Thomas Sigel. Desta vez, Greg Baldi encena um resgate de tirar o fôlego de dentro dos túneis sinuosos de uma brutal prisão georgiana, completo com um motim completo, um escudo policial em chamas usado como arma, uma perseguição de carro com motocicletas e foguetes, uma corrida por uma fábrica e então em um trem movendo-se a toda velocidade, onde helicópteros são abatidos e há mais combate corpo a corpo a bordo. É um tour de ação de 20 minutos – o tipo de sequência que faz você se levantar da cadeira para aplaudir, mesmo se estiver no sofá. E falta mais de uma hora.

Resgate 2 parece ter mais dinheiro desta vez – tenho certeza que eles gostariam de se desculpar por usar muito dinheiro para destruir o centro de Viena – mas, ao contrário de outras franquias de ação, não o desperdiça em belas excursões para Museus de Paris ou hotéis cinco estrelas em Tóquio.

A força desses 2 filmes sempre esteve na lama, nas ruas e na sujeira, com o som de cartuchos usados ​​​​pingando no concreto. Esses personagens suam e se machucam, mesmo que muitos pareçam fabulosos com óculos escuros.

Os bandidos aqui são semelhantes ao primeiro capítulo – um par de irmãos poderosos e marcados que vendem heroína e armas na Geórgia e são psicopatas de fala mansa, do tipo que sussurram uma metáfora e depois enfiam um ancinho em sua garganta.

Aprendemos um pouco mais sobre Rake e até conhecemos membros de sua família extensa, mas ele continua sendo um homem emocionalmente reprimido. Uma crítica à franquia é que ela não conseguiu tirar proveito do humor de Hemsworth, como a Marvel fez com seu Thor.

A família está no centro de Resgate 2, quando Rake se mete entre este clã georgiano e também procura manter vivo sua “amiga de confiança” (vulgo crush). A morte libertará apenas um lado e, ao longo do caminho, a morte não é a palavra final – pois nesta franquia, isso é relativo.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

No gênero crime verdadeiro, a série documental O Assassino do Baralho (2023) dirigida por Amanda Sans, conhecida por seu trabalho em documentários como “Gervasio Sánchez: Álbum de posguerra” e “Fràgils”, aprofunda os detalhes e bastidores de um dos casos de assassinato mais divulgados na história da Espanha. Através de três episódios, Sans nos apresenta a terrível história do serial killer conhecido como O Assassino do Baralho.

A história começa em 2003 com o brutal assassinato de um jovem em um ponto de ônibus em Madri, um crime que inicialmente pode parecer mais um em uma longa lista de tragédias urbanas. No entanto, o aparecimento da carta Ás de Copas do baralho espanhol na cena do crime muda completamente a natureza do caso. Logo, a polícia percebe que está lidando com um serial killer e o pânico toma conta da cidade.

A abordagem narrativa da série documental é cativante. Através de entrevistas com investigadores, jornalistas e pessoas próximas aos casos, é construído um retrato detalhado dos eventos que aterrorizaram a sociedade espanhola. A história investiga a mente do assassino, Alfredo Galán Sotillo, que em 2003 se tornou o primeiro serial killer espanhol.

O modus operandi de Galán Sotillo, baseado na seleção aleatória de vítimas e no uso de uma pistola adquirida ilegalmente na Bósnia durante o serviço militar, é apresentado com um realismo assustador. À medida que a narrativa avança, os detalhes perturbadores dos crimes são revelados e é explorado como o assassino conseguiu fugir da justiça por um tempo, espalhando o medo na comunidade.

Amanda Sans, em sua direção, consegue captar a tensão e a angústia do caso, gerando uma atmosfera envolvente que mantém o espectador no limite. Da mesma forma, O Assassino do Baralho torna-se uma crítica não intencional da mídia ao compilar imagens de arquivo nas quais supostos especialistas se envolvem em especulações absurdas.

No entanto, apesar das conquistas, a série “sofre” de certos aspectos. O foco excessivo na figura do assassino e sua psicologia deixa pouco espaço para explorar o impacto sobre as vítimas e suas famílias. Embora brevemente mencionadas, essas histórias parecem deixadas a segundo plano. Mesmo assim vale a pena!

O Assassino do Baralho consegue mergulhar o espectador em um dos casos de assassinato mais notórios da história da Espanha. Com narrativa envolvente e direção eficaz, o telespectador é imerso nos horrores e intrigas por trás dos crimes do Assassino do Baralho.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

“Esteja pronto. Tudo o que existe entre você e a morte é você”. Este é o aviso sombrio de pai ao filho que abre o primeiro filme em inglês do diretor canadense Denis Villeneuve, Os Suspeitos – um thriller de sequestro de crianças poderoso e habilmente distorcido.

Fascinado pela crescente tensão entre o individualismo americano e instituições como a polícia, é um filme que dá seu próprio toque sombrio às figuras do cinema de policial obcecado e pai vigilante desesperado. Onde a franquia Busca Implacável ou 24 Horas: A Redenção ordenharam a situação da figura da aplicação da lei dividida entre o dever parental e o profissional, aqui o carpinteiro Keller Dover (Hugh Jackman) é um homem comum de princípios. Sua crença na autoconfiança se combina com o ódio primitivo por sua filha ter sido sequestrada que o leva a sequestrar e torturar, enquanto o filme lenta mas descaradamente aperta os parafusos em seu desespero. “Ela está se perguntando por que não a encontro todos os dias. Você não. Eu!”, ele cospe no Detetive Loki (Jake Gyllenhaal), sua sombra institucional igualmente intransigente.

No entanto, este é um filme em que tudo fala mais alto que as palavras. Desde a abertura discreta do sequestro no Dia de Ação de Graças, em que um trailer estacionado em um subúrbio da Pensilvânia vaza uma ameaça, passando pelas frustrações tensas e sinuosas da investigação e a miséria sonâmbula de dois pares de pais, é um filme terrivelmente eloquente em tudo, exceto nos diálogos. Os exteriores impiedosamente sombrios de novembro do diretor de fotografia Roger Deakins oferecem tão pouca esperança quanto seus interiores claustrofóbicos; sua câmera espiando através de pára-brisas sujos e se esgueirando pelos corredores no estilo perseguidor. Ainda assim, na excelente sequência em que os pais Franklin Birch (Terrence Howard) e a dura Nancy Birch (Viola Davis) são convocados para ajudar Dover a torturar o suspeito que ele sequestrou, o raciocínio repetido de Dover é apenas um esboço contundente: “Nós o machucamos até ele falar. Ou elas morrem”.

Conciso ao ponto, o thriller de Villeneuve é, no entanto, violento para uma peça de gênero em sua exposição inquietante dos dilemas morais levantados pelas ações de Dover. Excepcionalmente, não endossa implicitamente seu comportamento no estilo A Hora Mais Escura, aparentemente mais interessado no efeito sobre o torturador do que na questão de saber se a tortura pode ser justificada.

Já que o suspeito opaco Alex Jones (Paul Dano), oferece apenas uma observação impenetrável após espancamentos encharcados de sangue e banhos escaldantes, o que Dover mais colhe é angústia moral. A ambiguidade permeia tudo na narrativa, desde o suprimento inesgotável de pistas de dois gumes e fintas narrativas do roteirista Aaron Guzikowski até a própria motivação de Dover.

Tendo se demorado em sua descrição de forma sombria, Os Suspeitos se recusa a opinar sobre se as ações de Dover transcendem o estado de direito. Em vez disso, concentra-se em contrastar solitário e homem da lei; seu outro herói, o obstinado Loki (Jake Gyllenhaal), está igualmente frustrado por sua incapacidade de resolver o caso.

Ao definir seus personagens principais como “protetores” paralelos e rivais, o filme é auxiliado por um par de atuações atraentes, particularmente a de Gyllenhaal, jogando totalmente como um workaholic taciturno, isolado e de colarinho azul. Suas frustrações sufocadas superam o Dover carrancudo e cheio de raiva de Jackman, um retrato cuja intensidade incessante lembra e redobra seu desesperado Valjean em Os Miseráveis.

Principalmente, o filme realiza com desenvoltura o difícil ato de dar aos protagonistas paridade narrativa, conduzindo um tenso jogo de ‘pega’ da história entre eles. No entanto, no último ato, ele mergulha em uma confusão ao estilo de David Fincher de descobertas de assassinatos rituais sombrios e pistas falsas, que parecem uma distração deliberada das transgressões de Dover. Responder à transgressão moral de Dover com um retorno cheio de suspense permite que o filme ofereça uma redenção que é mais vistosa do que satisfatória.

O thriller bem aprimorado de Guzikowski (foi muito admirado por sua mecânica especializada na ‘Lista Negra’ de roteiros não produzidos de 2009) nunca fica ocioso sob os estudos sombrios de personagens de Villeneuve, e o horror e pavor poderosamente imposto pelo diretor eleva o que de outra forma poderia ter sido apenas um superior processual policial. Ele o coloca no mesmo grupo de Sobre Meninos e Lobos (2003) e Medo da Verdade (2007), peças sem medo de explorar a miséria humana através de seus mistérios sombrios.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

 

A fórmula do filme de sobrevivência funciona. É uma emoção que faz você pensar, como posso me sair em tal situação? E você pode pensar junto são e salvo no conforto da sua própria casa. Mas por que repetir as mesmas linhas de gênero quando seu filme de sobrevivência tem uma carta na manga muito interessante que pode oferecer uma visão muito mais complexa da capacidade de seguir em frente e viver?

Sophie Turner lidera o thriller de sobrevivência, Tempestade como Jane. Ela é uma jovem prestes a ser liberada da Lifehouse, uma instituição para jovens de 14 a 22 anos que sofrem de uma variedade de desafios. No caso de Jane? É a luta de ser assombrada pelo suicídio da avó e do pai e ter ela mesma ideias suicidas. A instalação a considera pronta para voar de volta para sua mãe na costa leste, mas Jane ainda está determinada a acabar com tudo. O problema é que, antes que ela pudesse fazer isso, seu avião cai nas montanhas nevadas do noroeste do Pacífico.

Tempestade é um dos “filmes em capítulos” da Quibi, um longa-metragem dividido em segmentos de sete a dez minutos que a Netflix juntou tudo e lançou como um longa comum.

Turner prova ser uma forte âncora para o filme desde o início. A primeira parte e meia se concentra nos últimos dias de Jane em Lifehouse e oferece uma visão bastante abrangente do que ela está passando em apenas 13 minutos de tela, o que é uma grande conquista considerando quantas camadas existem em sua situação. O desempenho altamente envolvente de Turner prova ser um recurso vital, pois o filme segue Jane até o aeroporto e depois para o avião, então de uma cena para a outra, Tempestade é tonal e estilisticamente consistente.

No início, o diretor Mark Pellington e os escritores Richard Abate e Jeremy Ungar (adaptando o romance de Alex Morel) fazem a curiosa escolha de Jane quebrar a quarta parede. Talvez isso seja algo que pode ter feito Tempestade se destacar. O que começa como um drama pesado eventualmente se transforma em território de terror. E também há muita carnificina.

Embora esta segunda comparação possa parecer fora do campo sobrevivência, na verdade há outra conexão de franquia que vale a pena considerar. Os primeiros momentos de Tempestade me fizeram pensar bastante sobre Jogos Mortais, especificamente a maneira como John Kramer (Tobin Bell) testa a vontade de viver de sua vítima. Mais uma vez, parece que essa tragédia vai desafiar Jane a repensar o fim de sua vida, talvez mudando-a para melhor. É um tópico muito pesado para combinar com o que parece ser um thriller de sobrevivência estereotipado, mas estou confiante de que Turner pode lidar com o equilíbrio. A grande questão é: você precisa de uma tragédia para superar seu diagnóstico?

Corey Hawkins também impressiona como Paul, um cara gentil no aeroporto que acaba sentado ao lado de Jane no avião. No início, Paul é o seu cavalheiro por excelência, checando a visivelmente perturbada Jane, enquanto também claramente flerta com ela. Hawkins é bastante charmoso no papel, mas onde as coisas tomam um rumo muito interessante para Paul é quando sua resposta ao acidente é revelada, especialmente quando ele percebe que pode ter muito mais luta nele do que em Jane. Esse tipo de vaivém tem o potencial de diferenciar Tempestade de filmes semelhantes.

Na frente técnica, o estilo visual fica em segundo plano para obter a cobertura necessária. No entanto, há momentos em que o trabalho do diretor de fotografia David Devlin aparece. Por exemplo, seu enquadramento emparelhado com o desempenho de Turner geralmente dá grande acesso à ansiedade que Jane está sentindo, principalmente durante e depois de passar pela segurança do aeroporto.

Neste ponto, suspeito que Tempestade está seguindo um de dois caminhos. Poderia ser um conto de sobrevivência especialmente em camadas, apresentando o empurrão entre o desespero de Paul para superar isso e o desejo persistente de Jane de simplesmente desistir. No entanto, Tempestade também pode ser pego na fórmula do filme de sobrevivência, unindo-o a camadas pensativas que podem criar muita tensão dramática em favor de cenários de ação vistosos. De uma forma ou de outra, gostaria de apostar que a dupla de Turner e Hawkins conseguiu tornar Tempestade um relógio envolvente e divertido à medida que avançamos.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Amazon Prime Video.

 

“Isso parece alguém à beira de um surto psicótico?” pergunta um executivo de uma gravadora nas cenas de abertura de The Idol, o novo drama brilhante de 5 partes do criador de Euphoria, Sam Levinson. Estamos olhando de cima para uma mulher – pouco mais que uma menina – vestindo um biquíni tão pequeno que quase não é visível a olho nu, fumando um cigarro enquanto óculos escuros mascaram seus olhos grandes. Ela é um cadáver, apoiada em ensaios de dança, sessões de estúdio e entrevistas para a Vanity Fair, mas fora isso deixada com uma inescrutabilidade cadavérica. Ela parece alguém à beira de um surto psicótico? O tempo vai dizer.

Jocelyn (Lily-Rose Depp) é uma estrela pop se recuperando de um colapso nervoso e da perda traumática de sua mãe. Ela fuma um cigarro atrás do outro e perambula por sua casa em Hollywood com roupas minúsculas, enquanto um grupo de executivos adultos a pressiona para lançar um novo single e voltar à turnê.

Não é surpresa, então, que ela se refugie na misteriosa figura de Tedros (Abel Tesfaye, mais conhecido por seu pseudônimo de estrela pop, The Weeknd), dono de uma boate que parece simultaneamente intimidado e imune aos encantos de Jocelyn. “Você tem o melhor emprego do mundo”, ele diz a ela. “Você deveria estar se divertindo muito mais.”

O termo “horror corporal” foi cunhado na década de 1980 para rotular a tendência de filmes que retratam abominações grotescas e perturbadoras da forma humana. Filmes como A Bolha Assassina e A Mosca, e mais tarde A Centopéia Humana (dirigido por Eli Roth, que aparece em The Idol como promotor de shows) adotaram o conceito. Mas as unhas arrancadas, os olhos raspados e os torsos vivisseccionados desses filmes saíram de moda, substituídos por uma forma mais sutil de horror corporal. The Idol é um espetáculo sobre a embalagem e exploração de um corpo, e a violência latente – de e contra – essa forma corpórea.

O análogo mais claro para isso não é o trabalho de calouro de Levinson em Euphoria – embora isso também sustente seu olhar masculino com a constante ameaça de crueldade). O trabalho de Levinson é profundamente estético – ele está muito menos interessado em, digamos, diálogo – e fundamentalmente malicioso. Jocelyn é apresentada durante uma sessão de fotos em que ela se move entre os papéis esperados da estrela pop moderna – Me dê um pouco de inocência”, ordena o fotógrafo, “OK, sexo puro agora” – e raramente usa mais do que uma camisola. Ela fica, o tempo todo, terrivelmente exposta às demandas de seus empresários, amigos e interesses amorosos. A trilha sonora esfumaçada e sensual a segue, e Instinto Selvagem roda no cinema, mas a estrela de olhos mortos parece despojada de agência erótica.

É tudo bastante eficaz, apresentando aos espectadores algo exuberante e problemático. O que é mais confuso é o Tedros de Tesfaye. Ele deveria ser tão assustadoramente nada sexy? Ele espreita como um Zorro do horror e seu penteado “rabo de rato” projeta-se como uma antena deslocada de Teletubbie. Ele diz coisas embaraçosas como “Esta é uma igreja para todos vocês, pecadores!” e raspa seus dentes de um milhão de watts com um palito de dente. Mas talvez essa repulsividade visual seja, de fato, o ponto, e o pressuposto de que The Weeknd (um co-criador do show) deve ser o sexy errado. “Ele é tão estuprador”, vem o veredicto da melhor amiga de Jocelyn, Leia (Rachel Sennott). “Sim, eu meio que gosto disso nele”, responde o jovem cantora. Depp e Tesfaye compartilham uma forma antiquímica, administrando o difícil ato de serem repelentes, mesmo quando estão juntos.

Ah, e não se esqueçam, jovens (ou não) que curtem BLACKPINK: Jennie aparece aqui como Anys, uma das dançarinas, e amigas confidentes de Jocelyn.

Há uma falta de valor autêntica e arrepiante na maneira como o #MeToo e a saúde mental são abordados em The Idol, porém mostrar a realidade da indústria vale a discussão.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBO Max.

Para sua primeira incursão no drama a Disney+, o maior fornecedor mundial de entretenimento familiar, escolheu uma história sobre The Family, o culto real de Melbourne que operou, em grande parte em segredo, de meados da década de 1960 até o final 1980 sob a liderança da professora de ioga Anne Hamilton-Byrne. É uma escolha inspirada.

Baseado no romance de 2020 In The Clearing de J.P. Pomare, O Culto Secreto é uma versão ficcional do culto que explodiu aos olhos do público em 1987, quando a polícia invadiu sua grande propriedade no mato em Dandenongs, levando sob custódia protetora meia dúzia de crianças vestidas com roupas idênticas, todas com cabelos tingidos de loiro.

Eles foram adotados como bebês, criados como se fossem filhos naturais de Hamilton-Byrne, espancados, famintos e administrados com LSD em uma tentativa de incentivá-los a atingir a plena consciência.

O Culto Secreto pega esses elementos básicos e tece a partir deles um thriller melancólico e lento sobre as tentativas de uma mulher de se livrar do legado de uma infância de abuso ordenado pelo culto.

Freya (Teresa Palmer) parece à primeira vista uma mãe ansiosa de forma não natural e irracional, sempre parecendo detectar nos carros que passam o potencial de seu filho Billy ser sequestrado. Mas sua paranóia não é sem fundamento; quando criança, ela era um membro do culto conhecida como Amy (Julia Savage) e participou desse ato tão terrível.

Como no romance de Pomare, a história aqui é bifurcada: temos a história de Amy e a de Freya. Biologicamente, é a mesma pessoa. Psicologicamente… bem, isso é mais complexo.

Freya é a versão pós-libertação de Amy, mas uma pessoa pode realmente se livrar do dano causado por anos em um culto, criado sob o regime de amor duro de uma mulher como Adrienne Beaufort (Miranda Otto), uma mulher perfeitamente penteada e bem cuidada. Ou um monstro?

Com base nos 8 episódios, a resposta parece ser não.

O clima é tão frio e úmido quanto o cenário, às margens do Lago Eildon, e com a direção fria de Jeffrey Walker extraindo valor máximo dos roteiros tensos de Matt Cameron e Elise McCredie.

Palmer é fantástico, tornando a independência feroz de Freya, o medo intenso e o sentimento de vergonha paralisante completamente críveis. Ela se define como mãe e filha, mas sua experiência de cada um desses papéis foi totalmente corrompida.

Otto respira uma vida distante e desconhecida na guru-mãe conhecida como Matrea. Ela entra e sai do complexo de arbustos do culto, trazendo consigo um ar de amor radiante e ameaça implacável.

Seus acólitos – incluindo Guy Pearce como o Dr. Bryce Latham (baseado, supõe-se, no psicólogo e espiritualista da vida real Raynor Johnson, cuja propriedade no mato se tornou a base do culto) e Kate Mulvany como sua ex-esposa “ratinha de laboratório”, Tia Tamsin – parecem quase tão intimidados por ela como seus “filhos” e igualmente em sua escravidão.

O Culto Secreto nos dá em Adrienne uma madrasta perversa para rivalizar com qualquer um no extenso cânone da Disney+, só que este está ancorado no real. É um primeiro golpe impressionante no jogo de drama real do streaming. Esperamos que haja muito mais por vir.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.