Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Então, há um bando de crianças presas em uma cela, planejando sua fuga. Primeiro, eles precisam de um esquema para obter as chaves. Que ferramentas têm à sua disposição? O chão é de terra, então é óbvio: a criança que é meio esquilo deve cavar para fora. O garoto com juba de leão, a garota com nariz de porco e o carinha que tem rosto e tromba de elefante, todos concordam. O menino esquilo começa a mastigar o chão.

Bem-vindo de volta ao mundo singular de Sweet Tooth, o drama da distopia pandêmica que toda a família pode desfrutar. Se você perdeu a primeira temporada: o mundo foi devastado pelo Grande Colapso, um vírus que surgiu e se espalhou rapidamente no mesmo momento em que bebês começaram a nascer com características de animais. Na ausência de qualquer outra explicação, esses “híbridos” são vistos como vermes perigosos, rotineiramente encarcerados ou simplesmente mortos por humanos medrosos. Anteriormente, acompanhamos Gus (Christian Convery), um menino de 10 anos com orelhas, chifres e sentidos de veado, enquanto cruzava uma América devastada – a princípio ele estava procurando por sua mãe, mas recentemente descobriu que tal pessoa não existe. Ele é um experimento científico, feito em laboratório, e pode ser a chave para a história dos híbridos e/ou a busca pela cura dos Flagelos. Mas ele precisa escapar da prisão primeiro.

A segunda temporada parece, em seus primeiros episódios, é mais como um programa infantil do que nunca, embora com muitos acenos maliciosos para manter os pais interessados. A prisão significa que Gus se separou de Tommy “Big Man” Jepperd (Nonso Anozie), sua figura paterna adotiva e protetor físico. “Ele me diria para criar um par”, Gus diz à garota com nariz de porco enquanto pensa no que seu amigo diria se eles ainda estivessem juntos. Um par de quê, ela pergunta? “Não sei. Ele nunca disse.

Quando os adultos aparecem, somos lembrados de que esta é uma série apenas para crianças mais velhas: qualquer espectador mais jovem que Gus acharia a violência do mundo pós-Doente muito assustadora. Esses híbridos estão presos porque o excêntrico mercenário General Abbot (Neil Sandilands), uma criação visual cativante no estilo Gaiman com sua cabeça careca, enorme barba grisalha e especificações de John Lennon tingidas de vermelho, quer fazer experiências com eles para ajudá-lo a encontrar uma cura. É improvável que qualquer pequeno preso arrastado pelos guardas volte, a menos que seja na forma de um casco ou garra usado no pescoço de um dos bandidos. Não que o próprio Abbot faça a ciência do mal, já que outro de seus cativos é o especialista em doenças, Dr. Aditya Singh (Adeel Akhtar), cuja esposa Rani Singh (Aliza Vellani) pegou o flagelo, realiza experimentos na esperança de encontrar uma cura.

A segunda temporada ganha uma sensação de maior importância ao reunir os que eram, na primeira execução, histórias díspares: Singh, anteriormente a estrela isolada de uma subtrama mantida interessante por ele ser interpretado de forma tão brilhante, agora conhece Gus, dando-lhes – e a nós – novas informações intrigantes.

Big Man, por sua vez, juntou-se a Aimee (Dania Ramirez), ex-gerente de um refúgio para híbridos que Abbot agora reformulou como uma prisão. O emparelhamento deles, um deles motivado pela perda para salvar as crianças e o outro pela culpa, não é o único drama pesado do personagem habilmente tecido na grande aventura. Quando conhecemos Johnny (Marlon Williams), o ineficaz irmão mais novo de Abbot, o psicodrama que se desenvolve sobre irmãos contrastantes ligados por traumas certamente é para adultos.

O exílio temporário de Aimee e Big Man no mundo exterior comum os coloca em contato com multidões de pessoas que, para desgosto desnorteado de Aimee, parecem blasfemar sobre um vírus assassino que ainda está à solta. Essa inclinação para a realidade em que Sweet Tooth chegou é uma companheira da cena da primeira temporada que tirou furiosamente o Mickey dos anti-vaxxers, mas o show geralmente é muito confiante em seu próprio mundo para funcionar como uma alegoria.

O milagre que Sweet Tooth realiza é manter todos felizes. É um drama pós-apocalíptico brutal que explora com sucesso a inocência fofa das crianças, mas também é uma série de fantasia baseada nas verdades mais duras sobre o que os adultos podem fazer em tempos difíceis, para nunca cair na armadilha de fazer o espectador se sentir como se nada fosse real e nada realmente importasse. A segunda temporada se desenvolve habilmente para um confronto com várias recompensas corajosamente intransigentes, entregues de uma forma que seus espectadores mais jovens podem apreciar facilmente, até porque tende a ser adultos que encontram seu destino. Sweet Tooth sabe que crianças – com ou sem chifres, patas ou rabos – não devem ser subestimadas.

Se por um lado temos um grupo que odeia os híbridos, por outro temos outro que os protege. É o caso do Exército Animal, força jovem de defesa liderada pela completamente humana Becky (Stefania LaVie Owen). Mesmo sem traços de hibridismo, ela e outros integrantes da equipe tomam para si as dores dos meninos animais, peitando as ameaça de Abbot e seu bando.

Gus, Aimee e Jepperd tem em Becky uma aliada forte. Conforme a série progride, descobrimos que os laços da líder com as crianças híbridas é mais forte que ela imagina.

Conhecida como Birdie, a geneticista trabalhou no laboratório Fort Smith Labs, onde realizava pesquisas com nascimento de seres híbridos. Foi neste ambiente que nasceu Gus e outras crianças com mesmo condição genética. Quando o grande Esfacelamento explodiu no país, Birdie pede para que Richard Fox cuide de Gus longe de qualquer ameaça dos Últimos Homens.

Na segunda temporada, é mostrado o que aconteceu com Birdie em um outro ambiente fora dos Estados Unidos, na região do Ártico. Sabemos também que seu primeiro nome é Gertrude.

Agora sim há ótimas pessoas capazes de enfrentar os Últimos Homens. O que será q vai dar?

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Alice (Anna Kendrick) não se vê como vítima de abuso. Na verdade, ela insiste que não. Por que então, quando Alice e suas amigas, Tess (Kaniehtiio Horn) e Sophie (Wunmi Mosaku) se deparam com um pôster de uma garota desaparecida que supostamente foi morta por alguém próximo a ela, ela não consegue se livrar do sentimento espectral de conexão com a tragédia dessa estranha? Afinal, ela diz a suas amigas e a si mesma que, não é como se seu namorado “me machucasse ou algo assim”.

O que Alice ainda não consegue ver – e o que forma a revelação central da discreta mas comovente Querida Alice – é que o abuso nem sempre é uma ação única. Ela vive e respira dentro de seu relacionamento com Simon (Charlie Carrick). É o pavor doentio e sempre presente que reside na boca do estômago de Alice, que dita que ela deve atender a todos os caprichos e investidas sexuais de Simon por medo do que ele possa fazer de outra forma.

Com Querida Alice, a diretora Mary Nighy expõe delicadamente o quão internalizada e invisível pode ser a experiência do abuso narcísico. É um que, pelo menos para Alice, existe quase inteiramente dentro dos limites de seu telefone. Ela olha para ele, com olhos mortos, mas fixa. Quando chegará a próxima mensagem de Simon? O que isso significa? E o que poderia secretamente exigir? Atrás das portas trancadas do banheiro, Alice compulsivamente arranca o cabelo e o enrola em pequenas bolas de vergonha.

Nighy, ocasionalmente, volta aos símbolos padrão de mulheres tristes. Um dia, espero que o cinema saia da imagem de protagonistas femininas submersas em banheiras, afogadas em sua própria opressão. Querida Alice continua impressionante, no entanto, graças à sutileza com que o roteiro de Alanna Francis apresenta os sinais de alerta do comportamento de Simon. Nós o vemos retornar da abertura lotada e elogiada de sua exposição de arte apenas para declará-la “um completo desastre de trem”. A expectativa tácita é que Alice cuidará de seu ego e o tranquilizará de sua genialidade.

Kendrick foi sincero ao falar sobre o filme. A atriz revelou recentemente que tirou muito de sua atuação de uma experiência recente dela mesma. Sua afinidade com o material é especialmente evidente em quão autenticamente ela traduz os feitiços dissociativos de Alice. Há aquele olhar vidrado em seus olhos e a tensão corporal de alguém tentando rastejar para dentro de si.

É particularmente revigorante ver como Kendrick e Nighy estão desinteressados ​​em tornar Alice santa. Ela é espinhosa e argumentativa quando confrontada sobre seu relacionamento. Quando uma amiga aponta suavemente seus padrões de alimentação desordenada, Alice enfia punhados de chocolate na boca como uma criança teimosa. O filme também não funcionaria sem Horn e Mosaku, que encontram o mesmo espaço para a imperfeição em suas atuações como amigas amorosas que não sabem muito bem como ajudar. Esse é o sonho supremo e nobre por trás de Querida Alice – que haja uma amiga por aí, talvez até uma Alice, que verá este filme como o alerta de que precisam.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Há um caminho difícil para a redenção de Joe Bell e do ator que o interpreta, ambos gradualmente reconhecendo uma história difícil de homofobia. Ao explicar por que ele não queria assumir um papel em Brokeback Mountain, um infantil Mark Wahlberg admitiu que a cena de sexo gay o “assustou” e quando lançado, ele não se apressou para ver porque simplesmente não era “negócio” dele. Corta para 15 anos depois e agora ele está assumindo a liderança do filme escrito pela dupla vencedora do Oscar por trás de Joe Bell – Você Nunca Andará Sozinho, um drama baseado em fatos sobre os perigos do bullying homofóbico.

Há algo desarmantemente genuíno no filme, um pouco óbvio às vezes, mas também notavelmente implacável. É baseado na história real de Jadin Bell (Reid Miller), um adolescente cuja sexualidade o tornou um alvo na escola, agredido ritualmente e humilhado por seus colegas heterossexuais.

Seu pai agressivo Joe (Mark Wahlberg) também não facilitou as coisas em casa, estremecendo com as qualidades mais efeminadas de seu filho e oferecendo conselhos inúteis e acusatórios quando confrontado com a realidade de seu bullying.

Sua mãe, Lola (Connie Britton) tenta ajudar discretamente, porém, depois que um desesperado Jadin toma atitudes drásticas, Joe é forçado a enfrentar as verdades confusas de sua paternidade imprudente e se envia em uma viagem pelo país, caminhando para Nova York, que Jadin sonha morar, para dar uma palestra aos que estão no caminho do perigos do fanatismo.

Os escritores Diana Ossana e Larry McMurtry estruturam sua história por meio de flashbacks, enquanto a jornada de um Joe já na estrada é intercalada com os últimos meses da vida de Jadin. Jadin também aparece para ele às vezes como um fantasma, um dispositivo que inicialmente vi como um truque preguiçoso de contar histórias, mas rapidamente me acostumei, a tragédia penetrante de Joe ser capaz de ser pai da maneira certa, ou pelo menos melhor, após a morte de seu filho. Mas este não é um filme sobre deixar Joe fora de perigo. Ossana e McMurtry não têm interesse em desculpar ou mesmo perdoar seu comportamento, em vez disso, trata-se de Joe confrontar o que ele fez ou não fez e tentar, desesperadamente, garantir que outros não entendam mal ou maltratem seus filhos. Não há “Bem, era uma cidade pequena” ou “É difícil para os pais também”, mas sim uma dolorosa sensação de vergonha por um pai que não aceitou ou ama seu filho o suficiente e isso assombra cada quadro do filme, permanecendo conosco muito tempo depois que os créditos foram lançados.

Joe é um personagem difícil e difícil de gostar – rude, temperamental, egoísta e baseado em uma ideia regressiva do que um homem deveria ou não ser – e Wahlberg, um ator com histórico de violência hedionda, transmite isso. Mas ele também é igualmente impressionante nas bordas mais silenciosas e, Joe Bell – Você Nunca Andará Sozinho é um filme generoso sobre um estranho viajando pelo país e percebendo a importância de ouvir e aprender com os outros (assim como com sua própria consciência culpada). Em uma das cenas de destaque, Joe visita um bar gay e presta atenção aos que estão lá dentro, com a raiva aumentando com uma história familiar de preconceito apoiado pela igreja e ele começa a fazer uma acusação contundente, embora familiar, do catolicismo, encobrindo o verdadeiro pecado de abuso sexual ao expulsar aqueles que nasceram gays. “As pessoas pensam que é mais fácil hoje em dia, mas todos neste bar sabem que isso não é necessariamente verdade”, ele disse.

Jovens queer ainda têm cinco vezes mais chances de tentar o suicídio do que seus pares heterossexuais e, portanto, assistir Jadin desmoronar enquanto o mundo ao seu redor se recusa a aceitar quem ele é torna a visão perturbadora e comovente.

O diretor Reinaldo Marcus Green (que estourou com Monstros e Homens) dá a esse seu filme uma sensação cinematográfica mas contida. Apesar de Joe viajar por um terreno visualmente surpreendente, não há alegria em nada disso. Este não é um diário de viagem elegantemente capturado e a falta de leviandade é importante, refletindo tanto sua missão quanto os últimos dias de seu filho. Walker é um ator leve e charmoso que torna sua situação ainda mais difícil de suportar, uma luz brilhante ofuscada pelo mundo cruel ao seu redor.

Não é nenhum spoiler dizer que Joe Bell – Você Nunca Andará Sozinho não está levando a uma conclusão legal e agradável ao público (um rápido Google do verdadeiro Joe Bell explicará o porquê) e, embora o final seja um pouco abrupto é uma prova para os envolvidos de que estamos nos sentindo incomodados com o que vimos, em vez de confortados. A missão de Joe, embora nobre, nunca seria suficiente, não trazer Jadin de volta ou fazê-lo se sentir menos é um fracasso. É um peso devastador carregado pelo filme e depois deixado conosco quando a tela escurece, um lembrete de que sim, fica melhor para alguns, mas para outros ainda é muito mais difícil do que deveria ser.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Amazon Prime Video.

Está se tornando cada vez mais raro encontrar filmes voltados para pré-adolescentes que evitem falar mal deles: parece que cada vez menos filmes estão dispostos a ser sombrios, a lidar com políticas intensas ou perdas reais. A Cratera, um filme espacial de ficção científica para jovens adultos que agora está em exibição no Disney+, é um filme disposto a correr esses riscos.

Você pode dizer pela cena de abertura, que mostra um grupo de crianças trabalhando furiosamente para dar partida em um veículo espacial antes que os alarmes notifiquem os guardas sobre suas atividades. Uma chuva de meteoros está chegando, instigando um bloqueio que os prenderá em sua colônia lunar se não partirem logo. Não é apenas uma corrida contra o relógio que dá a este filme uma abertura animada; são os primeiros minutos sendo uma alusão a Ad Astra de James Gray.

Vivendo em 2257, Caleb (Isaiah Russell-Bailey) está de luto. Seu pai (Kid Cudi) morreu recentemente no trabalho, deixando-o órfão na colônia de mineração lunar que eles chamam de lar. Como seus pais estão mortos, ele tem a oportunidade de viajar para o planeta paradisíaco Omega, uma jornada de 75 anos que exigirá que ele seja congelado criogenicamente. Para Caleb, é uma chance de ser elevado da pobreza a uma espécie de utopia.

A situação do jovem, porém, está longe do ideal. Ele não quer deixar seu quadro de amigos: Dylan (Billy Barratt), por exemplo, que vem de uma família problemática; Borney (Orson Hong) que vive com medo das histórias de fantasmas que seu irmão mais velho lhe conta; e Marcus (Thomas Boyce) que luta contra um coração dilatado e ainda haverá uma outra que distoa do mesmo jeito que eles. Todos sabem que Caleb está partindo em breve, para sempre, e querem tornar seu último dia especial com ele.

A aventura que eles planejam, que pode envolver a lenda de um tesouro escondido, lembra um pouco Os Goonies. Os pais de Caleb também costumavam visitar uma cratera atravessada por um riacho (uma descrição fantástica). É uma área que muitas vezes os lembrava da Terra, e era o último desejo do pai de Caleb que ele visitasse a cratera. Caleb e seus amigos só precisam descobrir uma maneira de deixar a colônia sem disparar os alarmes. As crianças contam com a ajuda de Addison (McKenna Grace), que acabou de chegar à lua com seu pai após seu conturbado divórcio. Um cientista, seu pai tem todos os códigos de acesso. Não é preciso muita súplica para que Addison concorde. Ela sente falta da Terra (um planeta que as outras crianças, que nasceram na superfície lunar, nunca conheceram) e quer deixar os limites abafados da colônia.

A Cratera é bastante familiar em suas referências (em um ponto, o roteiro de John Griffin quase rasga, palavra por palavra, o discurso de Ben Affleck de Gênio Indomável). Mas isso não é nada venenoso para filmes infantis; eles geralmente contêm acenos de cabeça para os filmes adultos que os criadores adoram.

E, no entanto, A Cratera é mais do que uma divertida aventura. Isso não quer dizer que não haja travessura alguma enquanto essas crianças dirigem alegremente o veículo espacial na superfície da lua. Um “jogo” os vê usando um tanque de oxigênio para se atirar no espaço. É tudo divertido até que a corda que os impede de voar para o espaço se quebra. Situações como essa fazem com que eles se aventurem fora do caminho comum. Ao longo do caminho, surge um filme sombrio e politicamente convincente.

Sem dar muitos spoilers, o filme pensa na desigualdade que deixa muitos vivendo na superfície lunar como força de trabalho permanente, enquanto indivíduos muito mais ricos voam para o paradisíaco Ômega. As crianças querem desesperadamente, por assim dizer, ser “donas de seu próprio destino”. Em sua jornada, eles passam por cidades semiconstruídas e casas de teste futurísticas abandonadas, emblemáticas das meias promessas totalmente quebradas pelo governo local. Este também é um filme pró-sindicato que vê a crescente desigualdade como um sintoma de capitalistas nefastos. Os temas acrescentam profundidade à vida das crianças que não conseguem imaginar um futuro além dos limites da colônia. Cada jovem ator também contorna a linha entre sacarina e cativante. E Kid Cudi, que sempre tem uma sensibilidade subestimada, fornece a dor que fundamenta a atuação profundamente interior de Russell-Bailey.

Embora os gráficos sejam bastante aceitáveis ​​- nunca parecem totalmente futuristas, mais como um fundo renderizado – e o final é um pouco organizado demais, Alvarez não segue o caminho mais fácil. Ele permite que Caleb viva o desamparo que deve suportar e lhe dá espaço para abraçar a difícil realidade que agora deve enfrentar. A Cratera pode ser muito sombrio em um nível temático para alguns pré-adolescentes, mas a luz que traz para o gênero torna o filme de Alvarez uma aventura comovente, que apresenta ao público jovem maneiras de reformar o mundo fraturado que eles chamam de lar.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.

A policial Luise Berg (Anne Ratte-Polle de Dark) não consegue acreditar: durante uma operação, ela de repente reconhece o assassino de sua filha, Dennis Opitz (Anton Dreger) que foi libertado mais cedo da prisão por bom comportamento, com um prognóstico brilhante de reintegração. Mas a mulher amargurada não confia no jovem supostamente reformado e inicia as investigações por conta própria, enquanto aqueles ao seu redor pensam cada vez mais que ela só está possuída por raiva.

Os Dois Lados do Abismo é o nome da minissérie de suspense de 6 partes, para a qual um serviço de streaming alemão e uma emissora de TV paga uniram forças pela primeira vez: RTL+ e Warner TV Serise, cujas produções acontecem ao mesmo tempo. Também pode ser vista internacionalmente no próprio portal de streaming da Warner, HBO Max. As expectativas devem, portanto, ser bastante altas, especialmente porque as séries da Warner TV em particular com a Weinberg e a 4 Blocks é são pioneiras no campo das sofisticada produções de sériea alemãs.

A história é contada em dois níveis de tempo: enquanto a história principal se passa no presente, os flashbacks repetidamente nos levam sete anos no passado. No intervalo de tempo relativamente curto, a vida de Luise foi completamente acabada devido aos fatos.

Sete anos atrás ela ainda era casada e feliz com seu marido policial Manuel (Renato Schuch) e tinha uma vida familiar normal com duas filhas: Merle (Josephine Thiesen), de 17 anos, e sua irmã mais nova, Josi.

No presente, Luise está arrasada com a morte cruel da filha mais velha, mora sozinha no apartamento e parece apática mesmo em suas atividades diárias nas ruas de Wuppertal. Enquanto seu ex-marido construiu uma nova vida com um novo parceiro, os gêmeos e a filha Josi, Luise se senta no chão no quarto vazio de sua filha morta à noite ou faz sexo rápido e brutal com diferentes homens em um hotel de hora em hora depois de jogar nas maquininhas.

Bem ousada, então, é essa história sobre traumas que continua a fazer novas vítimas anos depois e sobre culpa e vingança e a (im)possibilidade de purificação e perdão, que Kristin Derfler escreveu aqui. Correspondentemente o sombrio diretor Anno Saul (Charité) e o cinegrafista Martin L. Ludwig os convertem em imagens. Wuppertal é notório por seu clima frequentemente ruim, mas aqui a metrópole de Bergisch parece um limbo, onde nunca há luz e sombras escuras cobrem tudo. O motivo da ferrovia suspensa, que pode ser visto em quase todas as tomadas ou interseções da cidade, é usado de maneira altamente inflacionária. As figuras estão constantemente em movimento com ela, embora na realidade haja apenas uma linha. Também parece muito construído quando o maquinista do trem suspenso tem seu apartamento ao lado da estação terminal. Além do famoso meio de transporte, os criadores pouco pensam sobre a cidade, de modo que o cenário acaba sendo arbitrário.

Os elementos implausíveis continuam no desenho do personagem. O fato de o homem desajeitado e obviamente perturbado em um macacão ter se tornado um sujeito tão atraente e eloquente na prisão em poucos anos parece tão difícil quanto a vida sexual completamente descarrilada de Luise. O fato de a mãe obviamente traumatizada ainda estar fazendo seu trabalho como patrulheira não é exatamente realista. O fato de o assassino adolescente abordar a irmã de sua vítima, entre todas as pessoas, provavelmente se deve à lógica do gênero. É incompreensível por que Josie não desconfia, mesmo já conhecendo Dennis naquela época, apesar da perda significativa de peso.

Ao todo, Derfler colocou muito grosso aqui com muita frequência. A ideia básica é bastante interessante e o desenvolvimento posterior empolgante para começar, mas as muitas falhas óbvias de design tornam a coisa toda um pouco enlouquecedora. Afinal, no final, há uma ou duas reviravoltas surpreendentes que tornam os contrastes inicialmente claros entre personagens “bons” e “maus” um pouco mais ambivalentes. É revigorante não ver os suspeitos habituais do cenário da série alemã nos papéis principais, mas rostos novos como Dreger e van Acken. Ratte-Polle também é incomum e, por isso mesmo, uma escolha convincente para o papel principal da série.

Em termos de atuação e habilidade, a minissérie não precisa se esconder da competição internacional. Mas, como acontece com tantas séries alemãs, infelizmente fica atrás de produções comparáveis ​​em outros países europeus. Para comparação, você pode assistir (quase) qualquer série escandinava no Netflix ou na biblioteca de mídia arte.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Finalmente chega à Netflix a minissérie biográfica de Fito Páez, dirigida por Felipe Gomez Aparicio (recomendamos o excelente El Perfecto David de 2021) e Gonzalo Tobal (Acusada), e cujo roteiro é obra de uma equipe bastante extensa de roteiristas, incluindo Juan Matias Carballo, Lucila Podestá, Francisco Varone, Leandro Custo e Diego Fió.

Além da jornada emocional que pode ser para quem acompanhou a carreira do músico de Rosario, Amor e Música – Fito Paez é uma abordagem interessante para neófitos e para quem não investigou sua vida além de seu legado musical. Também não é um raio-x visceral e nem mesmo documental. Sim, uma espécie de retrato romântico, impecavelmente feito, que transforma o artista no poeta trágico que as cinebiografias modernas sobre estrelas da indústria parecem merecer.

Nessas regiões estamos apenas começando. Existem vários astros internacionais, em biografias musicais, mas nenhuma que narra as cenas dos artistas latinos. E este está bastante ajustado ao estado de espírito que representa; mais uma resenha musical, uma espécie de linha histórica do que uma quebra de seus interstícios. Mandarina Contenidos, produtora da minissérie de oito episódios, tem sido criteriosa em vários aspectos técnicos que criam clima suficiente para que o telespectador não subestime o resto.

A cinebiografia de Fito Páez é uma história de mão dupla, com uma bateria de flashbacks que bem poderia ter estragado a experiência, mas de alguma forma sabe como trabalhar nessa história. Um conto convencional só que, como diz Fabiana Cantilo, interpretada por Micaela Riera, a certa altura, impregnado de uma poderosa melancolia.

A infância, a incidência nas decisões da fase adulta, e o adulto capaz de fazer da memória uma nova façanha musical estão aqui interpretados por Iván Hochman. Segmentado e novelesco diremos, é, com a ajuda do elenco fabuloso (honra ao mérito para Andy Chango como Charly García), pode ser cansativo nos tópicos. Da infância ao famoso recital do álbum que dá título à minissérie, em 1993, a jornada não é exaustiva, embora às vezes seja maluca. Não falta nem um pouco do verdadeiro drama que o artista sofreu em particular com seus vícios.

Fito sempre teve inclinação para a música, mas seu pai (Martín Campilongo) não queria que ele fizesse dela sua profissão em tempo integral. O pai de Fito estava com medo porque era um campo muito incerto e queria que seu filho fizesse algo que lhe desse estabilidade e garantisse seu futuro. Mas Fito percebeu que só porque as pessoas diziam a ele que não era possível realizar o que ele queria, isso não significava que ele não seria capaz de tornar seus sonhos realidade. A música era sua vocação, e Fito sabia que deveria tocar piano e criar “magia” com os dedos. Quem o via tocando piano sempre ficava maravilhado com o tipo de habilidade que ele possuía. Fito parecia ser um cara pouco confiante, mas de alguma forma ele reuniu coragem para defender seus próprios sonhos e dizer ao pai que levaria sua vida da maneira que considerasse adequada.

Após o primeiro lançamento solo de Fito, Del ’63, ele chamou a atenção das pessoas e Charly Garcia o abordou para tocar em sua banda. Fito era fã de Garcia e, quando teve a oportunidade, agarrou com as duas mãos. Muitas vezes, os modos de funcionamento de Garcia e Fito não combinavam e eles tinham problemas para lidar um com o outro, mas ainda havia um sentimento de respeito mútuo entre eles. Várias vezes em Amor e Música – Fito Paez, vimos que Garcia apoiou Fito o tempo todo quando ele estava passando por uma fase sombria de sua vida. Garcia era um gênio absoluto e Fito, por maior que fosse o conflito, nunca minou sua autoridade. Até Garcia elogiava o jovem sempre que sentia que fazia um trabalho excepcional. Garcia não tinha dúvidas de que Fito era provavelmente o tecladista mais talentoso que ele já havia conhecido, e é por isso que o levou para sua banda.

Fito conheceu então Fabiana Cantilo, que também fazia parte da banda de Garcia, e se apaixonou instantaneamente por ela. Fito se envolveu em um relacionamento com Fabiana, embora exigisse muito convencimento de sua parte. Fito, infelizmente, sempre estava de costas para o público sempre que tocava na banda de Garcia porque o piano era colocado dessa maneira. Mesmo que a multidão não pudesse ver seu rosto, eles se tornaram fãs de suas habilidades excepcionais. Havia cantos de seu nome que agora podiam ser ouvidos em todos os shows, e parecia que em algum lugar sua crescente popularidade viraria amor eterno.

Menção separada merece a história de sua família.

É justamente aí que a minissérie, em sua excelente fatura técnica e na interpretação mimética de seus protagonistas, todos fortemente enraizados na mentalidade argentina, em sua contenção emocional e muito transbordamento, cria aquela sensação de já visto, de algo talvez impessoal. Um retrato idílico, e uma resenha dos grandes sucessos do rock argentino com algumas atuações soberbas (e isso é bom). É uma história que não poderia ter sido mais, até na poesia de algumas cenas, na efervescência das suas reminiscências musicais, e que não se esgota em considerar algo mais complexo do que uma linha do tempo de um artista.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Com a chegada do Citadel, a série internacional de espionagem de alta octanagem, após uma gestação conturbada (encomendado antes da pandemia, episódio piloto rejeitado, substituição do diretor original e reformulação radical), o Prime Video é agora o produtor dos dois seriados em streamings mais caros de todos os tempos. O Senhor dos Anéis: Os Anéis do Poder custou US $ 465 milhões e o novo drama de seis episódios chega “no quarteirão” com algo em torno de US $ 250 milhões. E isso claramente sem gastar um centavo no roteiro.

Vale a pena? Pode apostar. É Missão: Impossível encontrando A Identidade Bourne encontrando James Bond enquanto olha para Indiana Jones algumas vezes ao longo de seu caminho irresistível.

Ele abre, como um remake de Hollywood de Bodyguard, com o mesmo Richard Madden tendo traumas causados no banheiro de um trem. Desta vez, ele está mais ferrado do que nunca, porque as pessoas de fora do furdunço lá no Reino Unido vão vê-lo e não podem salvar o dia. Desta vez, ele interpreta Mason Kane, um agente da Citadel, uma rede de espionagem global independente composta por pessoas cansadas de corrupção política e infiltração criminosa estragando a espionagem comum e deixando os pequenos desprotegidos.

Sua parceira (e ex-esposa) é a sempre amuada Nadia Sinh (Priyanka Chopra Jonas), que se parece com Jessica Rabbit, mas que é uma ótima agente, talvez até melhor que Kane, e todos a respeitam e a levam muito a sério.

O trem explode porque Citadel foi traído por um dos seus para Manticore, um sindicato do crime global farto dos mocinhos cortando seu tempo e lucros. Vamos para oito anos depois e nossos agentes estão vivendo vidas normais em cidades separadas, sem absolutamente nenhuma lembrança de sua existência anterior como um casal de agentes casados ​​sendo explodidos em trens. Mas quando Manticore rouba uma maleta cheia de segredos supersecretos da Citadel que os permitiria estabelecer uma Nova Ordem Mundial, os remanescentes da Citadel se reúnem para uma última luta. E por “remanescentes” quero dizer Stanley Tucci como o supertop Citadelaagente Bernard Orlick, que rastreia Kane, sequestra ele e sua família – mas de uma maneira legal, porque são mocinhos, lembre-se – e o lança em uma missão que o reunirá com Nadia, colocando-o de novo no caminho de Sinh enquanto ele é casado e feliz com uma mulher normal chamada Abby (Ashleigh Cummings).

É basicamente um crack televisual. Reviravoltas, explosões, socos à moda antiga, a implantação de dispositivos ultrajantes da linha Deus Ex Machina da Acme, cenas de tortura e novos locais (os Alpes, Londres, todos os Estados Unidos, Paris, Espanha, Irã – posso ter perdido um poucos em meu estado delirante e de olhos vidrados), são divididos em um longo e glorioso fluxo. E bem quando você está pensando “Eu poderia ter um momento de silêncio agora”, aparece Lesley Manville se divertindo como a embaixadora do mal Dahlia Archer para fazer um discurso preciso e devastador, demolindo uma jornalista ou ordenando que o tronco cerebral de alguém seja cortado enquanto ela colhe rosas ou termina um café da manhã leve.

Esta versão de Citadel é a nave-mãe – haverá vários spin-offs feitos sob medida para diferentes países, muitos dos quais já começaram a ser filmados. Só espero que a magia viciante se traduza a cada vez. Todo mundo merece ter essa diversão absurda.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

 

Aqui estão duas coisas que todos nós pensamos que já tivemos o bastante, obrigado: adaptações para a tela de Peter Pane remakes live-action de animações clássicas da Disney (eu não). Então, como ambos, esta reformulação em carne, osso e pixel do amado original desenhado à mão de 1953 do estúdio parece, no papel, excedente para os requisitos. Porém, na verdade, pode acabar sendo o filme infantil mais bonito, comovente e adorável do ano.

Isso tudo se deve à visão e coragem de seu diretor e co-roteirista David Lowery, que dá a seus espectadores (e empregadores) cerca de 20 minutos da homenagem meticulosamente elaborada que eles esperavam antes de mergulhar o conto de Barrie em águas muito mais estranhas e misteriosas do que você poderia esperar. E então, quando você está começando a entrar em pânico, ele o puxa de volta pelos tornozelos para um final fanfarrão à moda antiga que se transforma em uma das sequências de ação mais divertidas e inspiradas de todos os tempos.

O filme de Lowery nos atinge com tudo o que amamos na história de Barrie antes de mergulhar em seu lado sombrio (não existe uma maravilha no crescer que uma infância eterna nos negaria?), depois reconciliando a sombra com a luz. Tudo é feito de forma nítida e simples o suficiente para que uma criança de oito anos possa acompanhar facilmente a linha de pensamento do filme, e comovente o suficiente para transformar qualquer adulto no sofá ao lado deles em uma pilha fungando.

Que alegria e alívio ver um filme para espectadores mais jovens que é realmente sobre alguma coisa. Sim, ele se diverte com crocodilos gigantes, navios piratas e vôos alucinantes ao luar passando pelas torres e chaminés da Londres eduardiana – e Lowery se destaca em tudo isso. Mas ele também se preocupa em dar ao seu público pré-adolescente imagens que ficarão gravadas em suas almas. O remake de Meu Amigo, o Dragão de Lowery em 2016 já valeu a pena de longe – mas com este, ele pode ter se superado.

Ever Anderson, a filha de 15 anos da estrela de Resident Evil Milla Jovovich, interpreta Wendy Darling: ela é a heroína da peça, enquanto Peter (Alexander Molony) é uma figura mais ambígua e caprichosa, em linha com as raízes pagãs do personagem . (O filme compartilha mais DNA com o surreal riff arturiano de Lowery em 2021, The Green Knight, do que você poderia esperar, ou seja: mais do que zero.)

Junto com os irmãos mais novos John (Joshua Pickering) e Michael (Jacobi Jupe), ela é levada por Peter e sua fada ajudante Sininho (Yara Shahidi) para uma Terra do Nunca de aparência muito hébrida – o filme foi rodado na costa de Newfoundland – onde aguarda o o temível Capitão Gancho (um Jude Law terrivelmente assustador, engraçado e comovente) e seus lacaios bucaneiros.

O roteiro de Lowery e Toby Halbrooks dá um novo toque revelador à antiga rivalidade Pan-Gancho sem que pareça inteligente ou complicado: é como se o roteiro deles estivesse cavando o trabalho original de Barrie, em vez de empilhar material extra em cima dele.

Tiger Lily (a excelente estreante Alyssa Wapanatâhk) tem um papel expandido, enquanto sua tribo está brevemente presente e correta – nenhuma cena do cachimbo da paz desta vez, compreensivelmente – enquanto os Garotos Perdidos, que agora também incluem algumas Garotas Perdidas, retornam também.

O líder dessa trupe desconexa é interpretado por Noah Matthews Matofsky, um ator de 15 anos com síndrome de Down: apesar de todos os estúdios menores gostarem de abafar em representação as minorias, esse tipo de escolha de elenco é inédito em uma produção de Hollywood, e o filme corretamente não faz absolutamente nada disso.

Apesar de todas as suas atualizações e ajustes, Peter Pan & Wendy não parece nem remotamente moderno, e digo isso como um elogio. A abordagem de Lowery tem uma atemporalidade que se encaixa perfeitamente na história – e em alguns pontos me lembrou O Mundo Fantástico de Oz, as fantasias animadas do Studio Ghibli e até mesmo O Novo Mundo, de Terrence Malick. O fato de estar sendo lançado no Disney+, e não nos cinemas, faz sentido para os negócios, dados os recentes problemas comerciais de duas outras adaptações recentes de Barrie, Peter Pan de Joe Wright e Wendy de Benh Zeitlin. Mas seus olhos, seu coração e sua ambição são da tela grande por completo.

5 pipoca!

 

 

Disponível no Disney+.

 

Ninguém deveria se machucar. Essa é a ironia que impulsiona Amor e Morte, o empático docudrama da HBO Max do criador David E. Kelley, baseado na verdadeira tragédia que se abateu sobre dois jovens casais que frequentavam a igreja criando famílias em uma pequena cidade do Texas no final dos anos 1970. Quando a sonhadora Candy Montgomery (Elizabeth Olsen) convence o pragmático Allan Gore (Jesse Plemons) a ter um caso com ela, ao longo de muitas “sessões de estratégia” ansiosas, os futuros amantes concordam: nenhum de seus cônjuges, especialmente a esposa psicologicamente frágil de Allan, Betty (Lily Rabe), pode descobrir sobre eles. Eles estabeleceram regras, encontrando-se apenas durante a semana, em um motel fora da cidade. Candy prepara uma refeição para eles compartilharem, a fim de economizar tempo nos intervalos de almoço de Allan. No que diz respeito ao adultério, é tudo meio adorável – até que realmente não seja.

Se você acompanhou o desenrolar do caso do imã da mídia, ou assistiu à minissérie do Star+ do ano passado sobre o mesmo assunto, Candy, que contém muitas das mesmas cenas dramatizadas, então você já sabe o que aconteceu em 13 de junho de 1980, e que Candy foi julgada por isso. Considerando quanta exposição essa história já teve, faz sentido que Kelley, em seu melhor show desde Big Little Lies, mostre pouco interesse nos aspectos investigativos da história. Em um corretivo para o sensacionalismo desenfreado do crime verdadeiro, Amor e Morte pinta um retrato de pessoas comuns e não maliciosas presas em uma situação terrível que eles mesmos colocam em movimento, mas talvez não mereçam.

A Candy de Olsen é uma mulher complicada. Amada em sua comunidade e ativa em sua igreja, a extrovertida dona de casa está definhando em seu casamento com o tranquilo engenheiro Pat (Patrick Fugit). Sua única saída, além de conversas francas com sua querida amiga e pastora, Jackie (Elizabeth Marvel), é uma oficina de redação. Então, quando Allan – o idiota e pastoso Allan – acidentalmente a derruba e a ajuda gentilmente a se levantar, em um jogo de vôlei da igreja, Candy cria uma fantasia para si mesma. “Ele cheirava a sexo”, ela diz a uma amiga. Incrivelmente confiante em seu desejo, ela se aproxima de Allan com uma proposta sem sentido: “Você estaria interessado em ter um caso?”.

Ela demora um pouco para fazer com que ele, um cara naturalmente nervoso que está preocupado com sua esposa excêntrica, aceite. Parte do cálculo é que seu arranjo deve ser sobre sexo e aventura, não amor, que cada um é inflexível em se reservar para seu respectivo cônjuge. Candy vê o fato de Allan não se parecer exatamente como um encontro dos seus sonhos só uma salvaguarda contra os sentimentos de captura.

Mas os sentimentos nem sempre se comportam da maneira que esperamos. A ternura se insinua em seu encontro. No início, Allan fica muito tímido para tomar banho com Candy depois que eles dormem juntos. Ela tem que ensiná-lo a beijar com a língua. É comovente, mas também estressante, ver a intimidade deles crescer. “Estou me envolvendo demais”, Candy percebe um dia. “Eu não quero me apaixonar por você.” Claro, a essa altura já é tarde demais.

Esses primeiros episódios, nos quais Candy e Allan se apaixonam e lutam para navegar no tumulto emocional que criaram, são os mais absorventes da série. Talvez isso seja surpreendente, visto que o sangue, os policiais e o teatro do tribunal ainda estão por vir. Mas já vimos tudo isso antes, em outros procedimentos de crimes reais, se não em Candy. Além de uma performance em camadas de Olsen que supera facilmente a atuação de Jessica Biel de Candy, o que diferencia Amor e Morte de seu antecessor, e tantos outros programas de assassinato superficiais e arrancados das manchetes (Dahmer: Um Canibal Americano; The Thing About Pam; A Serpente), é a recusa de Kelley em reduzir pessoas reais a assassinos de desenhos animados, esquisitos ou tolos.

É uma correção de curso bem-vinda do prolífico criador, cuja ladainha pós-Big Little Lies, de thrillers de mulheres ricas, de The Undoing, Nove Desconhecidos e Anatomia de um Escândalo, sofreu caracterizações igualmente amplas. Depois de nos imergir no idílio secreto que dois amantes absolutamente distintos criam em um quarto de motel genérico no Texas, Kelley, que escreveu todos os episódios, ilumina as pessoas ao seu redor. Observamos a fragilidade de Betty, a devoção desarticulada de Pat, o temperamento explosivo de um advogado de sua cidade natal (Tom Pelphrey) tentando sua mão na defesa criminal pela primeira vez e o desespero de um jovem pastor (Keir Gilchrist) cuja presunção continua perdendo seus fiéis da igreja.

Candy e Allan ganham novas dimensões, por sua vez, sob o escrutínio público. Sua fixação na forma como as outras pessoas a percebem vem à tona. Ele parece preso entre sua ex-namorada e sua esposa morta, palpavelmente culpado, mas alérgico à auto-reflexão. Enquanto a igreja metodista local funciona como um terceiro espaço padrão para esta comunidade – e quase todo mundo parece espiritualmente perdido quando o Ron de Gilchrist substitui Jackie – Kelley se esforça para evitar representar suas vidas como um show de horrores fundamentalista.

Adaptado do livro de não ficção de John Bloom e Jim Atkinson de 1983, Evidence of Love: A True Story of Passion and Death in the Suburbs, e uma coleção de artigos do Texas Monthly dos mesmos autores, Amor e Morte às vezes pode ficar atolado em detalhes mundanos. Em meio a tantos outros personagens coadjuvantes diferenciados, é intrigante ver o maravilhosamente espetado Krysten Ritter em um papel de uma nota como o confidente mais leal de Candy. E como a maioria dos docudramas de streaming, poderia ter sido significativamente mais curto. Ainda assim, o que torna a recontagem potencialmente redundante de Kelley de uma história desgastada digna de ser assistida é o coração humano em sua essência. Pela primeira vez, o amor ressoa tão profundamente quanto a morte.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBO Max.