Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

O programa possui a sorte de desencadear essa crescente discussão sobre aparições de fantasmas investigantes suas mortes e provado que já aconteceu, então School Spirits chegou pra ficar na Paramount +. Mas poderia facilmente ter sido a comédia da ABC Not Dead Yet ou uma mini-maratona de Ghosts da CBS ou memórias persistentes da série Netflix, Boo, Bitch do verão passado. Na televisão, os fantasmas resolvem crimes, escrevem obituários e geralmente servem como facilitadores para os vivos. Além de perseguir tendências, há muito muita razão para que a maioria dos fantasmas da TV sejam fantasmas. Em particular, o que ninguém foi capaz de fazer, pelo menos nesta safra recente de Peak Phantasm TV, é oferecer uma versão do Grande Além que seja esteticamente ou espiritualmente interessante no mínimo. Aqui no Brasil temos Nossa Lar – que se um grande quisesse investir MUITO BEM – tipo a HBO, seria fodástico! School Spirits apresenta dicas de diálogo inteligente, um mistério que, não é facilmente resolvido nos três primeiros episódios enviados aos críticos, e uma performance decente de Peyton List (a Cobra Kai vintage – não o ex-Mad Men co-estrela). O que não pode fazer é emergir como algo mais distinto do que uma mistura branda do já mencionado Boo, Bitch e 13 Reasons Why da Netflix, um programa que não apresentava um fantasma literal, mas certamente era dirigido por um fantasma metafórico. É um especial pós-escola após a morte. Adaptado por Nate Trinrud e Megan Trinrud de sua próxima graphic novel, School Spirit começa com a Maddie (List) já falecida. Para seus colegas de classe, Maddie está simplesmente desaparecida, o que perturba seus amigos ainda vivos Simon (Kristian Flores) e Nicole (Kiara Pichardo), assim como seu namorado bad boy Xavier (Spencer MacPherson), que se torna um suspeito imediato em seu caso. desaparecimento. Maddie não sabe como ela morreu ou onde está seu corpo, mas ela sabe que está morta porque se vê convivendo com a variedade surpreendentemente grande de fantasmas que ocupam os corredores de Split River High – e fantasmas, nos dizem imediatamente, não podem falar diretamente com ninguém que esteja vivo. A menos que eles possam. *[Dica: não seria um grande show se eles não pudessem.] Como convém à convenção da TV, os fantasmas do ensino médio estão presos em algum tipo de limbo. Eles morreram na escola ou perto dela, e pode ser por isso que não podem sair. E eles não podem trocar de roupa, então estão presos para sempre, representando tanto o arquétipo do personagem quanto o tempo de sua morte. Há um atleta dos anos 80, Wally (Milo Mannheim), uma garota rabugenta dos anos 50 que pode estar vestida como a ideia de alguém de um beatnik estereotipado, Ronda (Sarah Yarkin) e uma hippie dos anos 60 ou 70, Dawn (RaeAnne Boon). O simbolismo geral fica claro para Maddie por seu prático guia turístico Charley (Nick Pugliese), um fantasma gay dos anos 90, que diz: “É apenas passar de uma prisão para outra. A única diferença é que o ensino médio costumava parecer uma eternidade e agora realmente é.” Uma boa ideia, superexplicada e que pode ser bem explorada. Os fantasmas participam de sessões diárias de aconselhamento dirigidas pelo Sr. Martin (Josh Zuckerman) e sonham em um dia ascender ou algo assim, embora ninguém entenda exatamente o processo. O show não aborda isso como um pesadelo existencial. Em vez disso, é apenas um lugar chato em que todos estão presos e, portanto, respondem principalmente sendo emotitidos. Eles demoram nos chuveiros do vestiário, cercados por adolescentes vivos nus, e aparentemente passam muito tempo espiando no banheiro. Como Charley também diz: “Se você está procurando fazer sentido, pode parar. Não vai”. Isso é apropriado para uma premissa construída principalmente em torno de fantasmas adolescentes. Parte de alguns de vocês ainda devem se perguntar agressivamente como a série recente de fantasmas e programas adjacentes a fantasmas da TV removeu qualquer traço de religião – ou “fé”, se você preferir algo menos estruturado – da vida após a morte? Sim. Nem tudo precisa ser Tocado Por Um Anjo, com toda uma religião delicada, ou a segunda temporada de Boneca Russa, na qual o misticismo judaico é tecido de maneira inteligente. Há uma grande distância entre “saturação” e “absolutamente nada” quando se trata de vida após a morte, um conceito que está profundamente ligado a sistemas de crenças no mundo real, mas não na televisão. Em School Spirits há suavidade visual e até mesmo um claustrofobia que pode ocorrer em quase toda a ação se passa dentro e ao redor de uma escola secundária genérica em que os vivos e os mortos a percebem de forma idêntica. Em conceito, a vida após a morte parece uma coisa ilimitada e maravilhosa. School Spirits o torna diferente e hilário no sentido de ainda termos certas responsabilidades e até terapia ou trabalho. Ou tudo isso junto. Existem vestígios de regras e motivações dos mortos-vivos que podem ser interessantes – a história de fundo de Charley atinge um dos acordes emocionais do show, enquanto o “dia de campo” dos fantasmas oferece sua única diversão real – além Maddie tentando cruzar a fronteira ao redor a escola e sendo cosmicamente devolvida, de cara, para a sala da caldeira repetidamente. A questão principal do programa é quem assassinou Maddie, e por ter um interesse enciclopédico da personagem em filmes de gênero, List demonstra uma boa habilidade para interpretar um fantasma fantasmagórico. Eu aprecio os títulos episódicos como “My So-Called Death” e “The Fault in Our Scars” – torcer o nariz para tal jogo de palavras seria ferozmente hipócrita – mas eu gostaria que mais referências à cultura pop do programa fossem mais do que apenas isso , referências. A maior parte da diversão implícita nos títulos dos episódios está concentrada no piloto, antes que o show comece a levar seu enredo, senão sua mitologia, muito a sério. O mistério é impulsionado pelos escritores que retêm informações, não por algo realmente distorcido, embora Mr. Anderson (Patrick Gilmore) e Sheriff Baxter (Ian Tracey) sejam bons como um casal de adultos que são apresentados como muito “comendo quieto” pro meu gosto. Isso significa que depois de três episódios, não tenho a menor ideia de quem matou Maddie ou onde está o corpo dela, e posso dizer isso literalmente: os espectadores não receberam pistas suficientes para construir teorias. Maddie não é uma personagem especialmente escrita de forma consistente, mas List dá a ela uma atitude desesperada e, no crível aborrecimento de Maddie com sua situação, oferece aos espectadores a liberdade de ficarem aborrecidos também. A única nota na história de fundo de Maddie que tem alguma ressonância é sua mãe alcoólatra, Sandra Nears (Maria Dizzia) com uma intensidade que é crível sem se alinhar com qualquer outra coisa no show. Muitos dos papéis coadjuvantes são intercambiáveis ​​- vários dos fantasmas servem a um propósito idêntico e carecem de vozes que correspondam às suas descrições básicas finas – ou subscritos. Se devemos investir em um único relacionamento do programa – vivo ou espectral, romântico ou não – ainda não entendi. Na verdade, há alguma audácia em um programa como esse voltado para jovens telespectadores que não oferece nem mesmo um sopro de química “entregável” entre nenhum dos personagens. Às vezes, as armadilhas familiares do gênero do ensino médio podem abrir as portas para o programa fazer coisas mais loucas e inventivas do que programas supostamente maduros. School Spirits, pode tomar tais liberdades. 5 pipocas!     Disponível na Paramout+ dia 28 Maio de 2023 (Sexta-Feira).

Segundo a lenda, o chupa-cabra é uma fera temível e sugadora de sangue – um animal magro e intimidador que você não gostaria de encontrar comendo seu gado à noite. Mas não é assim que o filhote de três crianças apelidado de Lutcha (espanhol para luta) no filme familiar da Netflix do diretor mexicano Jonás Cuarón. Este parece um lince bebê felpudo, com olhos âmbar curiosos e um par de asas azuis desajeitadas que ainda não aprendeu a usar. Um único vislumbre deste gatinho enorme e você vai querer um para você, se não a versão de pelúcia para se aconchegar à noite.

Essa é uma reimaginação bastante radical de um monstro mítico geralmente discutido em termos de terror, mas aqui tentando fazer por uma lendária criatura latino-americana o que filmes como “E.T.” fizeram para extraterrestres – ou seja, transformar algo tipicamente percebido como uma ameaça no novo melhor amigo de fantasia de todos. Cuarón não esconde exatamente suas influências aqui, prestando homenagem aberta a Steven Spielberg o tempo todo. Ele chega até a pregar um pôster de Jurassic Park na parede do quarto de Alex (Evan Whitten), de 13 anos.

O menino mora em Kansas City, mas está sendo enviado para o México no verão para se reconectar com seu avô ex-luchador Chava (Demián Bichir) e os primos Memo (Nickolas Verdugo) e Luna (Ashley Ciarra). Ouça a música enquanto ele pousa no seu destino e você ouvirá o compositor Carlos Rafael Rivera oferecendo uma versão discreta do tema de John Williams que toca enquanto os helicópteros de Hammond sobrevoam a Isla Nublar no início de Jurassic Park. Cuarón e Nico Aguilar gostam de manter a câmera em movimento, inclinando-se para cima e para baixo ou girando para dar ao filme aquela sensação elegante de filme de verão, apesar do que era claramente um orçamento muito mais limitado.

Jonás Cuarón co-escreveu Gravidade com o pai Alfonso, mas não dirige um longa desde Desierto de 2015 (apesar de um nobre esforço para reiniciar o Zorro há cerca de cinco anos), e este não é exatamente o filme que se poderia esperar dle. Parece mais aquela fase calma pela qual Robert Rodriguez, diretor de El Mariachi, passou depois de decidir envolver seus filhos em seu trabalho, resultando em projetos como Pequenos Espiões e As Aventuras de Sharkboy e Lavagirl. Qualquer vantagem que possamos ter associado ao seu trabalho foi lixada para fazer algo inspirador e acessível para a geração mais jovem.

O fato de seu público-alvo não ter idade suficiente para se lembrar de filmes como E.T. O Extraterrestre ou Um Hóspede do Barulho significa que Cuarón e os roteiristas Sean Kennedy Moore, Joe Barnathan e Marcus Rinehart estão livres para beliscar os outros na montagem de seu próprio clássico. Por exemplo, o personagem de Christian Slater, Richard Quinn, foi claramente inspirado pelo icônico paleontólogo de Sam Neill, Alan Grant, usando um chapéu fedora e especificações semelhantes quando foi introduzido pela primeira vez no campo. Quinn está obcecado em provar que os chupacabras realmente existem, embora não esteja interessado em seu bem-estar tanto quanto em seus rumores de poderes de cura, que ele pretende vender para a indústria médica americana com um bom lucro.

 

Quinn chega bem perto de capturar um filhote de chupa-cabra assustado na cena de abertura, mas é pego de surpresa por sua mãe furiosa. Ambos os animais escapam da caverna onde Quinn os encurralou, apenas para serem gravemente feridos por um carro que passava. É aí que entra Alex. O guri não muito interessado em ser “banido” para a chata fazenda de seu avô fica encantado ao descobrir um companheiro tão exótico, recém-batizado de Lutcha. Ele o mima de todas as maneiras mais adoráveis possíveis ​​- e ainda canta “En Tus Sueños” com ele em um belo aceno para Gremlins.

O filme foi produzido pelos veterinários de filmes familiares, Chris Columbus e Michael Barnathan, cujo envolvimento com a franquia Harry Potter deu a eles muita experiência com criaturas geradas por computador. Cuarón abraça seus instintos benignos de apaziguar o público (em oposição à sensibilidade mais sombria de Guillermo del Toro), eliminando até mesmo a chance de que chupa-cabras possam ferir os personagens mexicanos. O diretor só poderia usar um pouco mais de prática trabalhando com crianças, que dão performances ainda um pouquinho rígidas – porém graciosas.

O filme pode realmente funcionar melhor para aqueles que nunca ouviram a palavra “chupa-cabra” e, portanto, não têm expectativas sobre a aparência de alguém. Mas também corre o risco de transformar essa criatura meio pássaro, meio gato em outra espécie de quimera: um sonho que não se torna realidade. Mas, como nos filmes semelhantes dos anos 80 e 90 do diretor Chris Columbus (produtor deste projeto), os personagens de Meu Amigo Lutcha são simpáticos e memoráveis, com uma dinâmica divertida. E Cuarón – filho do diretor vencedor do Oscar Alfonso Cuarón – cria um rico senso de lugar aqui, encorajando os espectadores a amar o México tanto quanto Alex acaba amando.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Situado principalmente na Inglaterra, antes de ser oficialmente chamado de Inglaterra – e séculos antes da Grã-Bretanha ser um brilho nos olhos de James I – o épico histórico do diretor Ed Bazalgette, The Last Kingdom – Seven Kings Must Die, encerra o eventos de The Last Kingdom, a série dramática da Netfix baseada nos romances Crônicas Saxônicas de Bernard Cornwell. Jogando como “Game of Thrones” com mais história e menos dragões, o filme abre com vários reinos menores, incluindo Northumbria, Mercia e East Anglia, se preparando para uma luta pelo poder exacerbada pela morte recente de Alfredo, o Grande, rei de Wessex, e agravado pelas tentativas sub-reptícias dos dinamarqueses de semear a discórdia. Uhtred, filho de Uhtred (Alexander Dreymon), pode finalmente ter retomado o assento de seu pai em Bebbanburg no final da 5ª temporada de The Last Kingdom, mas a Inglaterra ainda precisa ser unida sob o governo de um rei para terminar as Crônicas Saxônicas de Bernard Cornwall. Será que Uhtred de Bebbanberg e seus valentes companheiros, Finnan (Mark Rowley) e Sihtric (Arnas Fedaravicius), sobreviverão a uma última batalha? Os fãs de Last Kingdom ficarão felizes com a conclusão épica? Os espectadores que não conhecem seus Aethelstans de seus Aethelfleads entenderão o que está acontecendo em Seven Kings Must Die? Tudo o que sei é que o destino é tudo!

Começando a vida na BBC antes de fazer a transição para a Netflix na terceira de suas cinco temporadas, a lista contundente de ex-alunos da série inclui Matthew Macfadyen, Ian Hart e Rutger Hauer (Blade Runner), mas é justo dizer que temporadas posteriores e este novo filme favorece estrelas em ascensão em detrimento de veteranos. A relativa obscuridade dos eventos em questão – pelo menos em comparação com, digamos, The Crown – é bastante útil a esse respeito: se você deseja lançar jovens bonitos como irmãos reais rivais Aethelstan (nascido em c. 894) e Aelfweard (nascido c. 902), você não encontrará muitas pessoas aparecendo no Twitter apontando que o verdadeiro Aethelstan não era exatamente assim.

Dos recém-chegados ao conjunto nesta edição, é a mesma velha história: “o diabo tem as melhores músicas”, com os dois papéis de destaque sendo ambos tipos de vilão. Como o rei guerreiro pagão dinamarquês Anlaf, a estrela finlandesa-sueca Pekka Strang (“Tom da Finlândia”) é provavelmente o melhor intérprete do grupo, embora seja uma pena que o material não lhe dê mais para brincar. Enquanto isso, no lado cristão das coisas, Laurie Davidson se sai melhor aqui como um conselheiro não confiável do futuro rei, Ingilmundr, do que ele (e praticamente todo mundo) em Cats de Tom Hooper.

Este provavelmente não é um filme que envolverá muitas pessoas fora da base de fãs existente do programa, embora os acólitos de Senhor dos Anéis possam se divertir ao ver suas dramatizações de várias inspirações históricas a extensa construção do mundo de Tolkien. Certamente em sua eventual tentativa de unir vários reinos menores de homens em uma luta massiva e climática contra um inimigo comum, Aethelstan (cujo nome significa “pedra nobre”) é uma possível inspiração histórica para Aragorn (que os nerds profundos lembrarão também é referido como “pedra élfica”), e há muitos paralelos semelhantes a serem traçados.

Onde Seven Kings Must Die é mais interessante, no entanto, é em sua abordagem à religião, sexualidade e cultura. Embora seja tentador ver nossa era atual como sem precedentes em sua mistura social de diversas fés e identidades, a Inglaterra do início da Idade Média dá à sociedade ocidental contemporânea uma corrida pelo seu dinheiro a esse respeito. O conflito dominante é entre o Cristianismo e as religiões pagãs, mas mesmo dentro dessas facções há uma miríade de abordagens apresentadas aqui: vemos alguns personagens agindo com fé genuína em suas crenças e outros manipulando a crença para fins políticos sociais como ninguém na Inglaterra até pelo menos 1066.

Esse interesse nos paralelos entre os dias atuais e os eventos ocorridos há mais de mil anos é evidente em vários floreios de produção, incluindo a abordagem de nomes de lugares na tela: vemos o local de uma cena soletrado no idioma local apropriado, antes que as letras se reorganizem em sua denominação inglesa moderna. (Wintanceaster se torna Winchester e assim por diante). Há também trechos ocasionais na tela da literatura anglo-saxônica sobrevivente (o poema épico A Batalha de Brunanburh é dramatizado e citado), embora eu não deva estragar uma jogada formal inesperada baseada em localização nos momentos finais.

Veja, como um fã casual de The Last Kingdom, gostei de assistir Uhtred e seus meninos em uma última aventura de pontuação. Eu estava perdido parte do tempo? Claro. Sei como separar todos os nomes saxões? Não. Eu adorei assistir Dreymon, Rowley e Arnas Fedaravicius se unindo como irmãos da Idade das Trevas? Sim. Seven Kings Must Die é um final frenético e adequado para a jornada de The Last Kingdom. Minha única preocupação é que possa não ser tão acessível aos recém-chegados quanto os produtores esperam.

Então se você é um fã de The Last Kingdom, Seven Kings Must Die é imperdível! Transmita! Mas se você nunca teve o luxo de se apaixonar por Hild e não reconheceu Ewan Mitchell de A Casa do Dragão como “monge bebê”, talvez pule.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Marinheiro de Guerra (Krigsseileren) é um conto norueguês de 2 marinheiros. É uma saga sombria do mar da Segunda Guerra Mundial de tristeza, sacrifício e tudo o que pode dar errado quando você navega seu navio mercante repetidamente em perigo.

O roteirista e diretor Gunnar Vikane nos conta habilmente uma história sombria, baseada na realidade, às vezes melodramática, sobre o destino único dos marinheiros da marinha mercante norueguesa durante a guerra. Em 3 capítulos, ele nos leva a partir de 1939, quando os amigos Freddy (Kristoffer Joner) e Sigbjørn (Pål Sverre Hagen) foram para o mar, e enfrentaram perigos quando seu país foi ocupado pelos marinheiros alemães – e os noruegueses acabaram pressionados a servir com os Aliados.

Em tomadas rápidas, claustrofóbicas e impressionistas, Vikane nos leva através de quase tudo que esses heróis desconhecidos da guerra experimentaram – saudades de perder companheiros; um naufrágio e um quase naufrágio – viajando de Nova York para a Grã-Bretanha, Malta para Halifax, e até a Nova Escócia nos Estados Unidos. Em águas infestadas de barcos, enfrentaram ataques aéreos sempre que se aproximavam da Europa ocupada pelos alemães.

Também vislumbramos a vida na Noruega ocupada com a esposa de Freddy, Cecilia (Ine Marie Wilmann, que interpretou Sonja Henie em Sonja de 2018) e seus 3 filhos que lutam, sem sua renda, trocando comida e tentando manter alguma aparência de normalidade na esquina Laksevåg do subúrbio de Bergen até que seu marido e pai volte para casa.

“O nevoeiro da guerra” nunca é mencionado ou referenciado, mas está aqui desde o início, pois o roteiro de Vikane limita com precisão o que todos os personagens e civis da época sabiam e não sabiam. Ninguém poderia dizer quanto tempo isso iria durar. Nenhuma carta foi enviada, embora Freddy as escreva (e narre) de todos os navios em que estão postadas e de todos os portos de escala.

A esposa Cecilia faz com que Sigbjørn faça uma promessa sobre Freddy quando eles partem, antes da guerra. Ele vai “cuidar dele e trazê-lo para casa”, promete Sigbjørn.

Mas a natureza do serviço e os dons únicos de Freddy em gerenciar a tripulação (e ser administrador sindical) significam que ele é quem cuida do mecânico Sigbjørn na maior parte do tempo.

Eles estão tão traumatizados por sobreviventes de outros naufrágios que não podem parar por tempo suficiente para recuperá-los. E quando eles conseguem trazer um sobrevivente a bordo, os dois homens o mantêm na linha; é o jovem órfão analfabeto Aksel (Leon Tobias Slettbakk). Ele começou a trabalhar aos 14 anos, nunca aprendeu a nadar e só é útil como ajudante de cozinha com a cozinheira Hanna (Alexandra Gjerpen), a única mulher a bordo quando o navio é colocado em serviço, com permissão do governo norueguês.

E existe um grande fato que esta série revela ao mundo em geral: esses marinheiros não tiveram escolha nem trégua. Eles não tinham um lar para onde voltar, e seriam tratados como “traidores” se abandonassem o navio, ainda mais se realmente voltassem para a Noruega. Eles trabalhavam para companhias marítimas nas quais a maioria aprendera a não confiar, organizações que mantiveram seus salários e bônus de combate praticamente durante toda a guerra.

Eram homens e meninos comuns, com cerca de 100 mulheres entre eles, de acordo com um gráfico da série, e que eram basicamente escravos de galés, combatentes sem condecorações presos a bordo de alvos flutuantes indefesos por 6 anos.

As performances são discretas na maior parte, apropriadamente desesperadas e, às vezes, a própria emobidência da dor de dobrar os joelhos para os outros. Vikane e seus “jogadores” não nos poupam das consequências do combate – ferimentos graves vistos de perto, corpos suspensos sob a superfície do mar e cadáveres de crianças gentilmente levados de uma escola bombardeada.

No primeiro capítulo lento, encontramos e conhecemos nossos protagonistas e investimos em seus destinos. O episódio dois é quando o terror se torna mais real, com ataques aéreos, “TORPEDO!”, alarmes, um bombardeio catastrófico na jornada da galeria de tiro para a Malta britânica no Mediterrâneo, e a sombria percepção de que eles precisam sair de seu último navio, pois a guerra testou e esgotou toda a sua sorte. Eles sabem que é hora de partir quando são designados para fazer a viagem mais mortífera e de menor sobrevivência de todas – para a soviética Murmansk, a nordeste da Islândia, a leste do ponto mais distante ao norte da Noruega.

E o episódio três não deixa o espectador fora de perigo, enquanto observamos o “fim” anticlimático da guerra e o tremor secundário de stress pós-traumático de tudo o que todos passaram.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Todos que se divertiram com as apostas baixas, narrativa independente e travessuras juvenis idiotas em exibição no Shazam de 2019, provavelmente ficará igualmente satisfeito com sua sequência, Shazam! Fúria dos Deuses. Mesmo com um orçamento um pouco maior e vilões melhores, a continuação do diretor David F. Sandberg é orgulhosamente mais do mesmo, O SHAZAM! e tudo bem.

O adolescente Billy Batson (Asher Angel) ainda está lidando com todos os eventos malucos que o transformaram magicamente em um super-herói, Shazam! (Zachary Levi) e o levaram a distribuir uma variedade de habilidades semelhantes a seus irmãos adotivos Freddy (Jack Dylan Grazer), Mary (Grace Caroline Currey), Pedro (Jovan Armand), Darla (Faithe Herman) e Eugene (Ian Chen).

Mas ele nunca poderia imaginar as repercussões catastróficas que desencadeou quando, dois anos antes, durante sua luta com o Dr. Thaddeus Sivana (Mark Strong), ele quebrou o cajado do antigo Mago (Djimon Hounsou) que concedeu a ele e sua família suas habilidades.

Então, no segundo filme, agora um trio de deusas – Hespera (Helen Mirren), Kalypso (Lucy Liu) e Anthea (Rachel Zegler) – foram libertadas de sua prisão, e tudo o que elas precisam é da equipe para colocar em ação um plano que pode restaurar seu mítico reino ao seu esplendor encantado ou, em vez disso, enviar o mundo humano para um poço de caos e miséria.

Billy e sua família são empurrados para a luta de suas vidas, cada um se perguntando se eles são muito jovens e inexperientes para ter o destino da humanidade em seus ombros.

Mais uma vez, Sanberg tenta misturar um tom lúdico com algumas ideias decididamente mais “brucutu”. Uma sequência de abertura em um museu, onde Hespera e Kalypso recuperam o cajado quebrado do Mago, é agressivamente violenta. Culmina em um crescimento petrificante que faria a Medusa estremecer. Há uma parte ainda pior, embora breve, mais tarde, na qual o diretor aparentemente presta homenagem à terrível abertura de M. Night Shyamalan, de outra forma risível, Fim dos Tempos (The Happening), e é adequadamente arrepiante em seu respingo destrutivo.

O resto do filme é uma mistura de todas as aventuras dos anos 80 para adolescentes que você possa imaginar, o que é positivo e negativo, frequentemente ao mesmo tempo. Isso pode fazer as coisas parecerem desequilibradas, como a doçura genuinamente discreta de Freddie flertando inadvertidamente com uma Anthea incógnita (e inesperadamente apaixonada) imediatamente justaposta ao egoísmo do segundo ano do alter ego do super-herói dele (Adam Brody) agindo como uma versão inautenticamente roteirizada de um alto idiota da escola.

No entanto, as emoções que giram em torno da família escolhida, aceitação, diversidade, compreensão e empatia permanecem puras. O lar adotivo que os abnegados pais Rosa (Marta Milans) e Victor Vasquez (Cooper Andrews) criaram para seus filhos continua requintado.

Gostei de como o retornado Henry Gayden (que botou algo dentro da casa) e o novato de séries Chris Morgan (um veterano da franquia Velozes e Furiosos) estruturaram seu roteiro com determinação para girar em torno do grupo principal, colocando a dinâmica no centro e na frente que fazem de cada um quem eles são, e as dificuldades que eles estão tendo para se comunicar agora que são todos super-heróis.

Levi mergulha ainda mais em seu saco de truques da era Chuck do que na edição anterior, e isso pode se tornar épico. E pra mostrar todo seu potencial, ele diminui isso consideravelmente, o seu tom no ato final, quando fundamenta sua atuação em algo honesto e puro. Isso ajuda a fazer com que as decisões de Billy durante o clímax signifiquem algo e, embora eu tenha visto esse final chegando a um quilômetro de distância, meu coração ainda estava apertado a ponto de eu realmente não me importar com o quão óbvio era esse rumo dos acontecimentos.

Há indícios e alusões de que esta série pode continuar, e se a sequência for um sucesso, mesmo com toda a agitação no universo cinematográfico da DC, Shazam! Fúria dos Deuses é tão independente que encaixar esse herói de volta na narrativa abrangente não será especialmente difícil. Mas se esta é a encarnação final das aventuras da família Shazam, eles saíram com um talento eletrizante e um entusiasmo surpreendentemente agradável. Maior nem sempre é melhor e, às vezes, o “mais do mesmo” é exatamente o que é necessário para manter o público entretido.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz no Cinemark DUB 14h10, 21h50.

Em breve na HBOMax.

Adicione Liam Neeson à impressionante lista de protagonistas que interpretaram o lacônico anti-herói Philip Marlowe em uma lista destacada por Dick Powell em Até a Vista, Querida (1944), Humphrey Bogart em À Beira do Abismo (1946), Robert Montgomery em A Dama do Lago (1947), James Garner em Detetive Marlowe em ação (1969), Elliott Gould em O Perigoso Adeus (1973) e Robert Mitchum duas vezes, em O Último dos Valentões (1975) e A Arte de Matar (1978). Que grupo!

Ninguém jamais se igualará ao trabalho icônico de Bogart ao lado de Lauren Bacall no clássico de Howard Hawks de 1946, mas Neeson oferece um poderoso e confiável, cansada do mundo, “Estou velho demais para isso!” performance na peça de época primorosamente fotografada e às vezes complicada, mas completamente agradável, de Neil Jordan.

Este é o tipo de filme noir autoconsciente em que ficaríamos desapontados se NÃO HOUVER um momento em que vemos o reflexo de um sinal de néon em uma poça, pouco antes de um carro atravessá-la, fazendo a imagem tremeluzir.

Sombras De Um Crime é baseado em The Black-Eyed Blonde: A Philip Marlowe Novel (2014), um romance autorizado do estimado escritor irlandês John Banville, usando o pseudônimo de Benjamin Black. Ainda assim, é Marlowe. A história se passa por volta de uma 1939 em Bay City, Los Angeles (embora a produção tenha ocorrido principalmente em Barcelona e Dublin), com o diretor Jordan e o diretor de fotografia Xavi Giménez filmando os interiores em imagens saturadas, tons dourados e marrons. Mesmo quando o enredo nos deixa tão tontos quanto Marlowe depois de levar uma pancada na nuca, é um filme de ótima aparência.

Philip Marlowe, de Neeson, é um expatriado irlandês (sabemos que ele combateu na Primeira Guerra Mundial, com o regimento Royal Irish Rifles do Exército Britânico), ex-policial da polícia de Los Angeles e agora detetive particular contratado por Clare Cavendish (Diane Kruger), uma óbvia e necessária Loira Misteriosa com Intenções Duvidas, para encontrar o amante desaparecido dela, Nico Petersen (François Arnaud), um diretor de efeitos especiais em um estúdio de cinema que, era um notório mulherengo e talvez envolvido em algumas atividades obscuras e perigosas.

Não demora muito para Marlowe descobrir que Nico foi morto por um motorista e atropelado do lado de fora de um clube de campo da classe alta administrado pelo cavalheiro, mas claramente nefasto, Floyd Hanson (Danny Huston), com a Polícia de Los Angeles e o legista confirmando isso, mas Clare insiste que viu Nico no México depois que ele foi supostamente morto, e isso deveria ser as cinzas de algum outro pobre coitado no necrotério.

A investigação de Marlowe o leva cada vez mais fundo no lado obsceno e lascivo de Los Angeles, enquanto encontramos uma variedade de personagens pitorescos e talvez não confiáveis, incluindo a rica mãe de Clare, Dorothy (Jessica Lange), que já foi uma grande estrela de Hollywood; um gângster extravagante e perigoso chamado Lou Hendricks (Alan Cumming); O motorista e guarda-costas de Lou, Cedric (Adewale Akinnuoye-Agbaje) e a irmã de Nico, Lynn, (Daniela Melchior), uma profissional do sexo que encontra sua vida em perigo devido aos negócios obscuros de Nico.

Huston e Neeson são particularmente envolventes juntos, interpretando dois homens de certo tamanho e comportamento que andam por aí usando ternos e chapéus, mas viram e fizeram coisas que não se discutem em voz alta em companhia educada. Quando Marlowe diz que deve ter sido uma experiência bastante perturbadora para Hanson ter visto o corpo esmagado de Peterson na estrada, Hanson diz: “Já vi homens em estados mais desordenados do que aquele em que o Sr. Petersen foi descoberto”, observa ele que é um veterano de guerra e diz: “Certa vez, após um ataque de artilharia, encontrei o dente de um amigo em meu copo de uísque. E eu bebi o uísque. “Você é um homem terrível”, diz Marlowe. “Ele estava morto e eu precisava do uísque”, vem a resposta.

Isso é ridículo, mas ótimo!!!

Quase todas as mulheres que Marlowe conhece expressam interesse por ele, mas ele continua implorando, explicando (com um bom motivo) por que esse encontro ou aquele encontro seria uma péssima ideia. Muitos dos HOMENS que conhecem Marlowe comentam sobre o quão grande ele é – não que isso impeça alguns deles de tentar enfrentá-lo, e sabemos que é uma má ideia porque mesmo pós-Busca Implacável, agora com 70 anos, Liam Neeson, pode esmagar sua cabeça como uma uva. O mistério central muitas vezes se perde nas ervas daninhas e parece que a história termina algumas batidas após sua conclusão natural, mas graças aos valores de produção de ponta, ao roteiro suculento e às atuações vigorosas desse elenco de primeira linha, é ótimo para ver outra iteração de Marlowe em um caso.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz no Cinemark 22h e UCI 18h50.

Há dois anos, Cidade Invisível se tornava o maior sucesso brasileiro da Netflix. Não é difícil perceber porquê; é sobre entidades míticas que se ligam às lendas do nosso país. É também uma série bonita com muitos efeitos visuais. Mas também é uma história de mistério como qualquer outra coisa. Será capaz de ter o mesmo combo vencedor nessa 2ª temporada?

Nas profundezas da Floresta Amazônica, uma operação ilegal de mineração de ouro está em andamento e não está rendendo muito. Um dos trabalhadores é agarrado pelo que parece ser uma cobra d’água gigante, mas o patrão sabe melhor; ele o tranquiliza e, mais tarde naquela noite, ele vê o nativo que se transformou na criatura marinha. Ele está prendendo o homem porque ele é a chave para entrar em Marangatu, com sua riqueza de ouro à própria disposição.

No rio viajam Luna (Manu Dieguez) e Inês/Cuca (Alessandra Negrini), líder das entidades, as míticas criaturas metamorfos que Luna e seu pai Eric (Marco Pigossi) descobriram dois anos antes. Desde que Eric desapareceu depois de tirar a entidade Corpo Seco de Luna e depois matá-la, Luna e Inês passaram os últimos dois anos procurando por ele.

 

Eles estão prestes a entrar em um pântano onde Luna pensa que seu pai está, mas Inês a bloqueia, dizendo que “não é nosso” para entrar sem permissão. De volta à cidade de Belém, Luna tenta convocar uma entidade que ajudará a trazer Eric de volta; um espírito chamado Matinta Perê (Letícia Spiller) aparece e concede o desejo de Luna, mas quer algo ou alguém em troca.

 

De volta àquele pântano, Eric acorda desorientado. Enquanto ele caminha para o local da escavação, ele vê alguém sendo assassinado, que acaba sendo o homem que vira cobra. Eric também vê um velho amarrado e o solta. Quando ele é descoberto, a luta que se segue faz com que ele acidentalmente coloque fogo no local da escavação; ele está ferido na explosão.

A Promotoria, começa a questionar Eric no hospital, pensando que ele estava envolvido na escavação. Mas então ele diz a eles que alguém matou um nativo. Antes que ela pudesse voltar a interrogá-lo, porém, um garoto chamado Bento (Tomás de França), que parece ter características de lobisomem, o ajuda a escapar. Por sua ajuda, porém, Bento pede a Eric, que era conhecido por tentar remover maldições de entidades, para remover sua maldição. Funciona.

Eric finalmente se reúne com Luna; ele está surpreso com o quanto ela cresceu e acha difícil acreditar que ele está longe há tanto tempo. Quando Inês lhe diz que agora ele e Luna são entidades como ela, ele não acredita. Ele só quer trazê-la de volta para casa e viver a vida. Mal sabem eles que Matinta Perê veio cobrar seu acordo com Luna.

A primeira temporada de Cidade Invisível manteve suas cartas míticas bem perto do nosso conhecimento na maioria das vezes, dando detalhes sobre as entidades. Agora que a ideia das entidades e do que elas são capazes está totalmente exposta, a 2ª temporada é mais sobre como Eric, agora uma entidade completa, que lida com os poderes que tem e e que trabalha com Inês para encontrar Luna.

A outra grande parte é que uma mulher chamada Debora (Zahy Tentehar) quer entrar em Marangatu e leiloar suas riquezas. Claro que tudo está interligado, por isso, enquanto Eric e Inês se unem para encontrar Luna, vão também lidar com Debora e a sua insistência em saquear este místico território indígena.

Parece que o programa agora estabeleceu um paradigma em que Eric luta contra seu status de entidade, mas agora se encontrará em novas situações a cada temporada. Se for esse o caso, tudo bem para nós. Dá aos escritores a oportunidade de explorar diferentes mitos e lendas brasileiras através das novas entidades que Eric encontra. Além disso, com a temporada em Belém em vez do Rio, os espectadores verão uma paisagem urbana diferente, uma cidade menor com uma vibração mais charmosa e antiga. Tudo isso torna a perspectiva de assistir à 2ª temporada interessante para nós como foi a 1ª temporada.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Dos filmes Piratas do Caribe a Rei Arthur, de Orgulho e Preconceito a Reparação, de Silk a A Duquesa, de Anna Karenina a Colette, Keira Knightley fez uma carreira brilhante forjada em grande parte a partir de dramas de época – e Knightley viaja no tempo mais uma vez, embora de uma maneira bem diferente, no drama policial sóbrio e emocionante Estrangulador de Boston. No processo, ela apresenta uma das minhas performances favoritas de Keira Knightley de todos os tempos.

Mascarando seu sotaque britânico de maneira impressionante, Knightley desaparece no papel da repórter de um jornal de Boston da vida real, Loretta McLaughlin, uma jornalista jovem, ambiciosa e obstinadamente determinada que se juntou à mais experiente e cansada do mundo Jean Cole (a magnífica Carrie Coon) para contar história após história enquanto investigavam o caso do Estrangulador de Boston, o assassino que matou pelo menos 11 mulheres na área de Boston no início dos anos 1960.

 

Jovens figurões se juntam a veteranos experientes para lutar contra a burocracia para desvendar uma grande história? Se isso soa como Todos os Homens do Presidente, parece provável que o roteirista e diretor Matt Ruskin tenha sido influenciado pelo clássico de Alan J. Pakula de 1976, e talvez ainda mais por Zodíaco de David Fincher. Como foi o caso dos assassinatos do Zodiac, ainda permanecem dúvidas sobre o número de vítimas e a identidade do assassino ou assassinos no caso Estranguador. E como foi o caso do filme de Fincher, Estrangulador de Boston conta a história quase exclusivamente do ponto de vista dos investigadores. (Ao contrário do filme de 1968, O Estrangulador de Boston, uma interpretação muito vaga dos eventos que se concentrou no detetive-chefe de Henry Fonda e Albert DeSalvo de Tony Curtis, que confessou os assassinatos, mas cuja culpa permanece em questão até hoje.)

Loretta, de Knightley, é repórter do Boston Record American, e trabalha no departamento de estilo de vida e lida com tarefas como a revisão da nova torradeira Sunbeam que está chegando ao mercado. A única mulher que trabalha no noticiário pesado é Jean Cole, que um dia entra na redação vestindo um uniforme de enfermeira e começa a contar uma história sobre abuso de pacientes. Jean é o verdadeiro negócio; ela está fazendo o tipo de trabalho que Loretta deseja fazer. Trabalhando sozinha, Loretta descobre que três mulheres foram estranguladas nas últimas duas semanas. Ela traz a possível conexão para seu editor, Jack (Chris Cooper), que rosna: “Não vejo interesse. Estes não são ninguém. Vem a resposta de Jean: “Quem você acha que são nossos leitores?” Jack finalmente cede e dá sua bênção a Jean traçando o perfil das vítimas para ver se há uma história maior aqui – com a ressalva de que ela se associe à veterana Loretta, que pode mostrar a ela o que fazer. Este é o início de uma parceria jornalística e, claro, de uma amizade.

Sem nunca ser muito pesado, “Boston Strangler” traz lembretes constantes de como o mundo funcionava no início dos anos 1960, com Loretta e Jean constantemente lutando contra o sexismo e os estereótipos a cada passo do caminho. O marido de Loretta, James, interpretado por Morgan Spector, apoia admiravelmente sua carreira no início, mas fica compreensivelmente frustrado quando Loretta fica obcecada com o caso e raramente está presente para James e as crianças. É um dos muitos, muitos casos em que Estrangulador de Boston soa verdadeiro.

Ocasionalmente, vemos vislumbres de uma figura sombria falando para entrar em uma casa ou apartamento, e ouvimos os gritos e gritos abafados da vítima – e então cortamos para as consequências e a cena do crime, com a polícia e a mídia fervilhando por toda parte. . (Há certos momentos em que Loretta está em um ambiente dominado por homens que têm ecos distintos das experiências de Clarice Starling em “O Silêncio dos Inocentes”.) O roteirista e diretor Ruskin e a editora Anne McCabe fazem um excelente trabalho em manter a história em movimento, mesmo embora muito do trabalho de Loretta envolva triturar batendo em portas, pesquisando recortes de notícias, entrevistando sobreviventes e parentes, fazendo ligações de telefones públicos, etc., etc.

A cada poucas cenas, somos apresentados a um coadjuvante importante, com o elenco de primeira linha incluindo Alessandra Nivola como uma detetive que simpatiza com Loretta; Bill Camp como o comissário de polícia, um tipo obstinado e antiquado que tenta sufocar a imprensa e negar que haja assassinos em série à solta até que seja impossível ignorar a realidade brutal do que está acontecendo em sua cidade, e David Dastmalchian como Albert DeSalvo, o principal suspeito.

Sem nunca ser muito pesado, “Boston Strangler” traz lembretes constantes de como o mundo funcionava no início dos anos 1960, com Loretta e Jean constantemente lutando contra o sexismo e os estereótipos a cada passo do caminho. O marido de Loretta, James, interpretado por Morgan Spector, apoia admiravelmente sua carreira no início, mas fica compreensivelmente frustrado quando Loretta fica obcecada com o caso e raramente está presente para James e as crianças.

Há um momento comovente no final do filme, quando Loretta volta para casa depois de buscar um ângulo fora do estado para a história, vê a luz da televisão emanando da sala de estar, indicando que James está esperando por ela – e ela vai embora, incapaz ou sem vontade de reentrar em uma vida tão distante de seu trabalho. É um dos muitos, muitos casos em que “Boston Strangler” soa verdadeiro.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.

Luther, a série de drama policial da BBC estrelada por Idris Elba como John Luther, um detetive avesso a regras, que foi rapidamente transformado em franquia pela ambição cinematográfica. O que começou como um seriado policial relativamente humilde ambientada em uma Londres dominada pelo crime tornou-se cada vez mais incrível à medida que avançava. Em sua quinta temporada, por exemplo, Luther estava lidando com um assassino usando uma máscara de palhaço atirando em pessoas com pregos. Luther – O Cair da Noite, um spinoff longa-metragem da Netflix, parece uma extensão super lógica. O orçamento aumentou consideravelmente quando Andy Serkis e Cynthia Erivo, de Hollywood, foram “levados de avião” para dar apoio. E é divertido, de maneira patentemente “braba” como esse tipo de thriller tende a ser.

O filme é digno de Bond para Elba – que permeia os rumores de que ele é o próximo 007 – e é um argumento sólido para torná-lo até o próximo Batman. Aqui está uma Londres neo-noir encharcada de chuva perpétua, com uma Soho muito mais sórdida do que na vida real. Para o diretor Jamie Payne, que esteve por trás de vários episódios da série, isso é cinematográfico com “c” maiúsculo. É o tipo de coisa que ninguém teria sonhado para Luther quando foi ao ar pela primeira vez em 2010.

Enquanto a antagonista central do programa original, a assassina Alice Morgan de Ruth Wilson, era indiscutivelmente o Coringa de Luther, aqui temos David Robey (Serkis). Ele é um gênio da tecnologia malévolo com um tufo de cabelo loiro, que mata de uma maneira que provavelmente deixaria o assassino de Se7en orgulhoso. Ele examina suas cenas de crime espiando pelas janelas usando uma sorridente máscara digital. Ah, e ele gosta de cantar inofensivamente junto com as Supremes em seu carro, porque esse é o tipo de coisa que os vilões fazem.

As motivações de Robey giram vagamente em torno do conceito de vergonha. Ele usa um exército de hackers para espionar as pessoas por meio de suas webcams e Alexas, depois desenterra seus segredos mais sujos antes de chantageá-los para que cumpram suas exigências. Ele está furioso com uma suposta hipocrisia que permite que a crueldade e a violência dominem os outros. Você pensaria que talvez, o criador de Luther, Neil Cross – que também escreve o roteiro do filme – iria girar essa história de volta à questão da abordagem brusca e vigilante de Luther ao trabalho policial corrupto, né? E existe realmente energia para torcer por policiais que se veem como juiz, júri e carrasco? Sim. Mas, para realmente responder a essa pergunta, isso poderia significar o fim de Luther para sempre, então Luther – O Cair da Noite se esquiva desajeitadamente das implicações de sua própria premissa.

Ainda assim, tudo parece tanto com uma história em quadrinhos que nunca precisamos questionar o lugar de Luther em nosso mundo se não quisermos. A atração principal aqui é – como sempre – Elba. Ele sempre se destacou em interpretar homens que perderam tudo e ficam irritados ao descobrir que ainda se espera que continuem como antes. O verdadeiro truque tem sido fazer com que gostemos e torçamos até pelos mais rabugentos entre eles. A quinta temporada terminou, e o início do longa chega com a prisão de Luther por suas várias táticas de violação da lei. O filme, como esperado, então, envolve uma fuga dramática da prisão. Elba dá socos e chutes em meio a ondas de outros prisioneiros com o cansaço de quem espanta moscas. O retorno de DSU de Dermot Crowley, Martin Schenk, e a agente de contra-espionagem de Erivo, Odette Raine, fornecem o contrapeso necessário como tipos sensatos com um respeito relutante pela determinação de Luther.

Não há nenhuma nove revelação no coração de Luther – O Cair da Noite – seja para seu personagem principal ou para todos que assistem. Isso é exatamente o que você esperaria de Luther na tela grande, até a viagem climática a um local montanhoso em que nosso herói se arrasta pelas condições árticas com nada além de uma camisa, gravata e sobretudo de lã espinha de peixe. Eu não esperaria menos dele.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo foi eleito o melhor filme no 95º Oscar deste domingo, encerrando uma improvável temporada de premiações ao vencer a maior honra da indústria do cinema.

O filme, uma aventura gonzo sobre um dono de lavanderia sino-americano lutando com uma auditoria do INSS e vilões interdimensionais, ganhou 7 estatuetas, incluindo Roteiro Original e honras de Direção para seus criadores Daniel Kwan e Daniel Scheinert (conhecidos como os Daniels). A vitória é um triunfo para o A24, o estúdio independente que levou o filme maluco a impressionantes US$ 100 milhões de bilheteria, uma conquista impressionante em um momento em que o mercado de filmes artísticos encolheu. O estúdio também conseguiu a rara façanha de conquistar todas as quatro honras de atuação – três das quais foram conquistadas por Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e uma por A Baleia.

Foi uma noite de reviravoltas e reavaliações. Michelle Yeoh se tornou a primeira mulher asiática a ser reconhecida como Melhor Atriz. A homenagem veio após uma longa carreira em artes marciais e filmes de ação como O Tigre e o Dragão e Yes, Madam! – Justiça em Dose Dupla.

“Senhoras, nunca deixem ninguém dizer que vocês passaram do seu auge”, disse Yeoh. “Para todos os meninos e meninas que se parecem comigo, este é um farol de esperança e possibilidades”, acrescentou ela.

Brendan Fraser levou o prêmio de Melhor Ator por sua atuação como um homem com obesidade mórbida tentando se reconectar com sua filha distante em A Baleia. Fraser, que já foi um ator proeminente conhecido por seu trabalho em filmes blockbuster como George, o Rei da Floresta e A Múmia, passou a última década mal e se afastou dos holofotes lidando com saúde e lutas pessoais. Sua vitória mostra um notável ressurgimento.

“Comecei neste negócio há 30 anos, e eles certamente não foram moleza para mim, mas havia uma facilidade que eu não apreciei na época até que parou”, disse Fraser, reconhecendo seus contratempos na carreira. Ele agradeceu a seu diretor Darren Aronofsky por “me lançar uma tábua de salvação criativa e me puxar a bordo”.

Ke Huy Quan ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante por sua atuação como o marido esgotado de Yeoh em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo. Astro infantil que apareceu em Indiana Jones e o Templo da Perdição e Os Goonies, Quan desistiu de atuar nos últimos anos, frustrado com a falta de oportunidades. Ao aceitar seu prêmio, ele lutou contra as lágrimas enquanto compartilhava sua história pessoal.

“Minha jornada começou em um barco”, disse ele. “Passei um ano em um campo de refugiados e de alguma forma acabei aqui no maior palco de Hollywood. Dizem que histórias assim só acontecem no cinema. Eu não posso acreditar que isso está acontecendo comigo. Este é o sonho americano.”

“Sonhos são algo em que você tem que acreditar”, acrescentou. “Quase desisti do meu. Para todos vocês, por favor, mantenham seus sonhos vivos.”

Jamie Lee Curtis, uma veterana de sucessos de terror como Halloween e filha das lendas de Hollywood, Janet Leigh e Tony Curtis, ganhou o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante por sua vez como inspetora do INSS em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo.

Curtis dedicou sua estátua “a todas as pessoas que apoiaram os filmes de gênero que fiz por todos esses anos” e também reconheceu sua história familiar no entretenimento, observando: “minha mãe e meu pai foram indicados ao Oscar em diferentes categorias”. Engasgada, ela terminou com: “Acabei de ganhar um Oscar”.

Com seu enredo multiverso e toques fora do comum, como um personagem com mãos de cachorro-quente e vibradores armados, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo representa uma mudança radical do tipo de enrredo de prestígio que historicamente dominou o Oscar, mas a Academia das Artes e Ciências Cinematográficas mudou drasticamente nos últimos anos. Na esteira da controvérsia #OscarsSoWhite, depois que nenhum ator de cor foi indicado em 2 anos consecutivos, a Academia fez um grande esforço em 2016 para diversificar o grupo de eleitores. Nos anos seguintes, seus membros ficaram mais jovens e agora incluem mais pessoas de cor e mulheres.

A cerimônia se desenrolou em um momento tenso para Hollywood. À medida que os consumidores mudaram da sala de cinema para os serviços de streaming por assinatura, os principais estúdios e seus “pais” corporativos gastaram muito tempo e dinheiro lançando seus próprios concorrentes internos da Netflix. A indústria do entretenimento também passou por um período de consolidação, com a Discovery se fundindo com a Warner, a Disney comprando grande parte da 21st Century Fox e a Amazon arrebatando a MGM, negócios que nos dois primeiros casos deixaram o comprador com muitas dívidas em seu balanço. Os investidores estão cada vez mais preocupados com o fato de que as principais empresas de mídia estão superalavancadas e que as novas maneiras de ganhar dinheiro com streaming “mataram” as velhas formas com as quais lucravam, como assinaturas de TV a cabo e venda de ingressos de cinema. Isso prejudicou os preços das ações de todos, da Fox à Disney e à recém-rebatizada Warner Bros Discovery, provocando um período de demissões e cortes de custos. Com uma possível recessão se aproximando e os estúdios enfrentando negociações trabalhistas complicadas com os sindicatos que representam roteiristas, diretores e atores que poderiam levar a greves, havia nuvens negras se formando que poderiam ter ofuscado o ar comemorativo do Oscar.

Presidindo tudo e (principalmente) mantendo as coisas leves e alegres estava Jimmy Kimmel, retornando pela terceira vez como apresentador do Oscar. O comediante da madrugada não perdeu tempo para trazer à tona o grande momento da cerimônia do ano passado, quando Will Smith subiu ao palco e deu um tapa em Chris Rock por fazer uma piada sobre a careca de sua esposa Jada Pinkett Smith (Pinkett Smith sofre de alopecia que leva à perda de cabelo ).

“Se alguém neste teatro cometer um ato de violência a qualquer momento durante este show, você receberá o Oscar de Melhor Ator e terá permissão para fazer um discurso de 19 minutos”, brincou Kimmel.

“Se algo imprevisível ou violento acontecer durante a cerimônia, faça o que você fez no ano passado – nada”, acrescentou. “Sente-se aí e não faça absolutamente nada. Talvez até dar um abraço no agressor.

Nada de Novo no Front, uma adaptação do romance de Erich Maria, Marco Sobre a Vida Nas Trincheiras Durante a Primeira Guerra, ganhou 4 Oscars, incluindo o de Melhor Filme Estrangeiro. Outros grandes vencedores incluíram Pinóquio, o musical em stop-motion de Guillermo del Toro, que foi eleito o Melhor Filme de Animação, bem como Entre Mulheres, que ganhou o prêmio de Melhor Roteiro Adaptado para Sarah Polley.

Navalny, um olhar sobre o líder da oposição russa Alexei Navalny, ganhou o prêmio de Melhor Documentário. Yulia Navalny, esposa do político preso, subiu ao palco após o anúncio do prêmio com uma mensagem dirigida a Vladimir Putin. “Estou sonhando com o dia em que você será solto e nosso país será livre”, disse ela.

O Oscar optou por não se dedicar totalmente aos assuntos internacionais. Pelo segundo ano consecutivo, o programa recusou propostas do presidente ucraniano, Volodymyr Zelenskyy, para falar ao público global sobre as lutas de seu país contra a invasão ilegal da Rússia.

A safra de indicados a Melhor Filme deste ano incluiu filmes ‘menores’ como Triângulo da Tristeza e Tár, mas também vários favoritos populares como Top Gun: Maverick e Avatar: O Caminho da Água. Não está claro o quanto a inclusão desses sucessos de bilheteria afetou a audiência deste ano, mas o Oscar estava em queda livre nas classificações. A transmissão do ano passado atraiu uma audiência de 16,6 milhões, a segunda menor audiência de sua história. Em contraste, com 2014, o Oscar atraiu 43 milhões de telespectadores, um sinal da queda vertiginosa da popularidade da transmissão.

O Oscar fez algumas mudanças cosméticas notáveis, inovando com um tapete cor de champanhe no lugar do habitual vermelho. Essa escolha, no entanto, levou a uma luta de última hora depois que um fim de semana chuvoso deixou os organizadores cortando partes do tapete que haviam sido arruinadas pelo mau tempo e pelas solas dos sapatos sujas. No entanto, alguns quase desastres foram evitados. No sábado, o Ovation Hollywood, o centro comercial e complexo de entretenimento que recebe o Oscar, sofreu uma queda de energia. No domingo, porém, o céu clareou e o único sinal de luzes bruxuleantes eram os flashes cumprimentando as estrelas enquanto elas entravam no auditório.

Veja a lista completa de indicados e dos vencedores (estes em destaque abaixo)!

Melhor Filme

Nada de Novo no Front
Avatar: O Caminho da Água
Os Banshees de Inisherin
Elvis
Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo Vencedor
Os Fabelmans
Tár
Top Gun: Maverick
Triângulo da Tristeza
Entre Mulheres

Melhor Atriz

Cate Blanchett (Tár)
Ana de Armas (Blonde)
Andrea Riseborough (To Leslie)
Michelle Williams (Os Fabelmans)
Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo) Vencedor

Melhor Ator

Colin Farrell (Os Banshees de Inisherin)
Austin Butler (Elvis)
Brendan Fraser (A Baleia) Vencedor
Bill Nighy (Living)
Paul Mescal (Aftersun

Melhor Atriz Coadjuvante

Angela Basset (Pantera Negra: Wakanda para Sempre)
Hong Chau (A Baleia)
Kerry Condon (Os Banshees de Inisherin)
Stephanie Hsu (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo)
Jamie Lee Curtis (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo) Vencedor

Melhor Ator Coadjuvante

Brendan Gleeson (Os Banshees de Inisherin)
Brian Tyree Henry (Causeway)
Judd Hirsch (Os Fabelmans)
Barry Keoghan (Os Banshees de Inisherin)
Ke Huy Quan (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo) Vencedor

Melhor Direção

Martin McDonagh (Os Banshees de Inisherin)
Daniel Kwan e Daniel Scheinert (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo) Vencedor
Steven Spielberg (Os Fabelmans)
Todd Field (Tár)
Ruben Östlund (Triângulo da tristeza)

Melhor Filme Internacional

Nada de Novo no Front Vencedor
Argentina, 1985
Close
Eo
The Quiet Girl

Melhor Figurino

Babilônia
Pantera Negra: Wakanda para Sempre Vencedor
Elvis
Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo
Sra. Harris Vai a Paris

Melhor Trilha Sonora

Nada de Novo no Front Vencedor
Babilônia
Os Banshees de Inisherin
Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo
Os Fabelmans

Melhor Som

Nada de Novo no Front
Avatar: O Caminho da Água
Batman
Elvis
Top Gun: Maverick Vencedor

Melhor Música Original

“Applause”, de Tell It Like a Woman, música e letra de Diane Warren, com interpretação da cantora e atriz Sofia Carson
“Hold my hand”, de Top Gun: Maverick, música e letra de Lady Gaga e Bloodpop
“Lift me up”, de Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler e Ludwig Goransson, letra de Tems e Ryan Coogler
“Naatuu Naatu”, do filme RRR, música de M.M. Keeravaani, letra de Chandrabose Vencedor
“This is life”, de Tudo em todo lugar ao mesmo tempo, música de Ryan Lott, David Byrne e Mitski, letra de Ryan Lott e David Byrne

Melhor Roteiro Adaptado

Nada de Novo no Front
Glass Onion: Um Mistério Knives Out
Living
Top Gun: Maverick
Entre Mulheres Vencedor

Melhor Roteiro Original

Os Banshees de Inisherin
Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo Vencedor
Os Fabelmans
Tár
Triângulo da tristeza

Melhor Animação

Pinóquio por Guillermo del Toro Vencedor
Gato de Botas 2: O Último Pedido
Marcel the Shell With Shoes On
A Fera do Mar
Red: Crescer é uma Fera

Melhor Curta de Animação

The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse Vencedor
The Flying Sailor
Ice Merchants
My Year of Dicks
An Ostrich Told Me the World is Fake, and I Think I Believe It

Melhor Curta-Metragem em Live-Action

An Irish Goodbye Vencedor
Ivalu
Le Pupille
Night Ride
The Red Suitcase

Maquiagem e Penteado

Nada de Novo no Front
The Batman
Pantera Negra: Wakanda para Sempre
Elvis
A Baleia Vencedor

Melhor Edição

Os Banshees of Inisherin
Elvis
Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo Vencedor
Tár
Top Gun: Maverick

Melhor Documentário

All That Breathes
All the Beauty and the Bloodshed
Vulcões: A Tragédia de Katia e Maurice Krafft
A House Made of Splinters
Navalny Vencedor

Melhor Documentário de Curta-Metragem

The Elephant Whisperers Vencedor
Haulout
How Do You Measure a Year?
The Martha Mitchell Effect
Stranger at the Gate

Efeitos Visuais

Nada de Novo no Front
Avatar: O Caminho da Água Vencedor
The Batman
Top Gun: Maverick
Pantera Negra: Wakanda para Sempre

Melhor Fotografia

Nada de Novo no Front Vencedor
Bardo, Falsa Crônica de Algumas Verdades
Elvis
Império da Luz
Tár

Melhor Design de Produção

Nada de Novo no Front Vencedor
Avatar: O Caminho da Água
Babilônia
Elvis
Os Fabelmans