Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Primeiramente, Feliz Natal, meu povo. “Segundamente”, já viram algum filme do gênero terror de Natal?

Todos os anos, geralmente há um filme de Natal que não é o filme festivo padrão, oferecendo algo um pouco mais distorcido, embora com uma bela mensagem natalina no final.

Nos últimos anos, tivemos Anna e o Apocalipse, A Última Noite (Silent Night de Keira Knightley, não o de Joel Kinnaman), o terror sobre Grinch O Malvado: Horror no Natal e Noite Infeliz. A melhor oferta deste ano para quem deseja um filme de Natal mais sombrio é Há Algo no Celeiro, estrelado por Martin Starr e Amrita Acharia.

A configuração mostra uma família americana se mudando para a Noruega, tendo herdado uma cabana remota de um parente distante do chefe da família Bill (Martin Starr). Ele e sua nova esposa, Carol (Amrita Acharia), planejam transformar o celeiro em uma pousada, mas não levaram em conta o elfo do celeiro que mora lá e realmente não gosta de mudanças.

Se você já assistiu Gremlins e pensou: “Isso seria muito bom com elfos assassinos também”, Há Algo no Celeiro é o deleite festivo e sangrento para você.

Em Há Algo no Celeiro a força maior do roteiro é que ele não é focado na carnificina dos elfos. O diretor Magnus Martens e o escritor Aleksander Kirkwood Brown sabem que para funcionar como um filme de Natal, o filme precisa ter coração antes do sangue.

Como tal, eles passam a abertura do filme estabelecendo a dinâmica familiar, inclusive no relacionamente da madrasta Carol com a enteada Nora (Zoe Winter-Hansen) e a amizade florescente entre Lucas (Townes Bunner) e o elfo do celeiro residente (Kiran Shah). Em um movimento muito identificável, o elfo – conhecido apenas como “elfo Principal” – só quer ficar sozinho e, se a família o deixar assim, ele os ajudará.

A relação entre Lucas e o elfo é semelhante àquela entre Elliott e ET ou Billy e Gizmo em Gremlins, aumentando as vibrações retrô de Há Algo no Celeiro. O filme dá um passo adiante ao estabelecer regras a serem seguidas para garantir a felicidade do elfo no que parece mais uma homenagem do que uma exigência do ser mágico norueguês.

É claro que sabemos que essas regras serão quebradas – e quando isso acontecer, o sangue começará a fluir livremente. Crucialmente, porém, o filme nunca faz do elfo principal um verdadeiro vilão e, em vez disso, traz um exército de elfos antigos para fazer exatamente isso, dando ao clímax um toque festivo apropriadamente doce.

Antes que isso aconteça, a segunda metade de Há Algo no Celeiro está totalmente no modo comédia de terror. Há mortes inventivas e sangrentas envolvendo motos de neve, furadores de gelo e muito mais; piadas sombrias das quais você vai rir apesar de tudo e, o mais memorável, uma sala cheia de elfos bêbados com “água divertida”.

Nem tudo funciona perfeitamente, pois há uma piada repetitiva sobre a cultura armamentista dos EUA, bem como uma piada inoportuna sobre os Acordos de Oslo entre Israel e a Palestina. Mas na maioria das vezes, todos os envolvidos conhecem o filme que estão fazendo e o tratam de acordo.

Se o retorno de Richard Curtis ao gênero de filmes de Natal com Genie é muito fofo para você, então Há Algo no Celeiro está aqui para encantá-lo com o lado mais sombrio do Natal.

5 pipocas ensaguentadas porém, brilhantes como se estivessem enfeitado uma árvore de Natal acesa!

 

 

Disponível na alugar no YouTube/GooglePlay Filmes e TV por 11,90 ou na Prime Video ou Apple TV por 14,90.

Como o mundo acabará? Em 1920, o poeta Robert Frost sugeriu fogo ou gelo. Que pitoresco. As possibilidades que pairam sobre o suspense e apocalíptico O Mundo Depois de Nós, de Sam Esmail, são ataques cibernéticos, IA desonesta, aniquilação nuclear e mudanças climáticas, mas também o mal humano à moda antiga. As opções parecem sombrias, mas esse drama cheio de suspense as torna divertidas. A adaptação de Sam Esmail do romance de Rumaan Alam de 2020 adiciona um toque Hitchcockiano lúdico e o elenco estrelado de Julia Roberts, Ethan Hawke e Mahershala Ali para criar um thriller psicológico sobre família, tecnologia e vida no século XXI.

Roberts e Hawke são Amanda e Clay Sandford, um casal de classe média que mora em um apartamento no Brooklyn com seu filho de 16 anos, sua filha de 13 anos e uma grande rachadura na parede do quarto. Na forma irônica de Roberts, Amanda anuncia que odeia as pessoas em geral e que alugou uma casa luxuosa cercada por bosques em Long Island para um fim de semana em família. As árvores ali são de um verde tão brilhante que o filme tem uma aura ligeiramente idílica/parnasiana desde o início.

Alerta de spoiler

Já na primeira noite fora, há uma batida sinistra na porta. GH (Ali) chega com sua filha, Ruth (Myha’la Herrold), explica que ele é o dono da casa, que a cidade de Nova York está passando por um grande corte de energia e que eles gostariam de passar a noite.

Os medos dos personagens são totalmente relacionáveis, reproduzindo a sensação de ansiedade de serem cortados da comunicação

Embora Roberts esteja sobrecarregada com muitas falas desajeitadas sobre a desolação da natureza humana, ela as faz funcionar e é fortemente convincente como o membro cínico e desconfiado da família. Ela sutilmente adiciona uma camada de preconceito racial inconsciente quando diz a GH “Esta é a sua casa?” Amanda ficaria horrorizada com a ideia consciente de que aquele homem negro, por mais bem vestido que estivesse voltando da ópera, não pudesse ser dono da casa lindamente projetada de uma pessoa rica. Mas, de repente, tanto o serviço wi-fi quanto o telefone estão desligados, então ela não consegue verificar a identidade dele. Hawke desliza facilmente para seu personagem, um professor. Mais confiante do que a esposa, ele a convence a deixar ficar os convidados inesperados.

Uma das mudanças inspiradas de Esmail foi fazer de Ruth, que era a esposa de George no romance, sua filha, uma jovem na casa dos 20 anos. Ela percebe preconceitos raciais e é instantaneamente hostil com Amanda, adicionando tensão à história. Amanda acha que Ruth é um exemplo rude e nobre de sua geração, e ela não está totalmente errada. Esmail, ao colocar em primeiro plano o suspense em vez de mensagens sociais, transforma raça e classe em tendências secundárias, que desaparecem à medida que as famílias se abrigam juntas em meio a ameaças desconhecidas. GH, um planejador financeiro, ouviu rumores de um cliente poderoso de que algo poderia estar errado no futuro. No desempenho equilibrado de Ali, GH está preocupado, mas ainda não convencido de que um apocalipse está se aproximando.

A chegada de George e Ruth é o segundo evento estranho que os Sandfords vivenciaram naquele dia. Na praia, tiveram de fugir de um petroleiro em alta velocidade que encalhou ali, alegadamente devido a falhas nos sistemas de navegação. Várias cenas de ação bem posicionadas também são adições de Esmail.
Sam Esmail criou a série Mr. Robot, com Rami Malik como um hacker brilhante e misterioso, e dirigiu Roberts na primeira temporada de Homecoming, como um assistente social que descobre um esquema para destruir as memórias de veteranos militares. Misturar tecnologia, conspirações e suspense psicológico é o que ele faz, e aqui ele usa todos esses elementos para dar vida às telas de um romance bastante literário.

Muitos dos medos dos personagens são totalmente identificáveis, reproduzindo a sensação de ansiedade de estar sem comunicação (tanto o serviço wi-fi quanto o telefone estão desligados). Sem vizinhos por perto, eles não têm ideia se o apagão é algo pior do que uma falha na rede elétrica. Mas as possibilidades ameaçadoras rapidamente se acumulam.

Mais spoilers

A filha dos Sandford, Rose (Farrah Mackenzie) está obcecada em assistir Friends, um programa que terminou antes de ela nascer. Com o iPad não funcionando, ela sai e vê um cervo no quintal. Então dezenas de outros aparecem de forma assustadora, quase translúcidos. Ela está alucinando ou a natureza também deu errado? Pássaros, de Hitchcock, ecoa mais de uma vez no filme. O mesmo acontece com Intriga Internacional, em uma cena de ação com Ali no papel de Cary Grant. Esses toques tornam o filme provocativo e evitam que ele se torne uma ameaça deprimente na vida real.

Fim dos spoilers

Os episódios mais assustadores são muito spoilers para serem revelados. Raramente houve um engarrafamento com uma causa tão angustiante, outra das adições de Esmail. As teorias da conspiração também pairam sobre a história. Em um pequeno papel, Kevin Bacon interpreta um sobrevivente cuja paranóia maluca se torna difícil de descartar.

O Mundo Depois de Nós não é especialmente original; existem muitos outros filmes apocalípticos por aí para isso. Mas o filme, que tem Barack e Michelle Obama entre os produtores executivos, é especialmente oportuno. Folhetos lançados por um drone dizendo “Morte à América”, seja uma farsa ou um aviso, trazem à mente o recente ressurgimento e exclusão de uma mensagem de Osama bin-Laden no TikTok. O apego de Rose a Friends, a conexão mais significativa em sua vida, ressoa com a resposta visceral de tantos fãs à morte de Matthew Perry no mês passado. Esmail não poderia ter previsto essas conexões, mas elas mostram o quão sintonizado com o momento Sam Esmail fez este filme arrepiante, mas agradável – onde o final é entendido diferente por cada pessoa.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

 

Esta crítica contém alguns spoilers.

A frase de Hannah Arendt, “A banalidade do mal”, não parava de surgir na minha cabeça enquanto eu assistia ao elegíaco e poderoso Assassinos da Lua das Flores, de Martin Scorsese, que é baseado em uma história real.

A certa altura do filme, perguntam ao nosso personagem principal, Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio): “Você é um bom homem?”. “Acho que sim”, ele responde. “Você acha… ou você sabe?” O agente do FBI Tom White (Jesse Plemens) investiga. Ernest hesita. “Eu sei”, diz ele.

Naquele momento, obviamente há um pouco de dúvida no senso de identidade de Ernest, mas, de certa forma, ele acredita nisso. É incrível como podemos nos enganar e acreditar que somos justos, mesmo quando claramente não o somos. Ernest não é o mentor de uma conspiração para assassinar os membros da nação Osage para adquirir seu petróleo – esse seria seu tio “Rei” Bill Hale (Robert De Niro), que é uma versão mais tradicional do mal, um insinuante e pseudo-homem honesto que na verdade tem o sangue frio que parece. Mas Ernest acompanha seu tio – primeiro em pequenos aspectos e depois em aspectos maiores, até que não haja mais diferença entre o orquestrador malvado e seu sobrinho estúpido e ganancioso.

Sim, a ganância é um grande motivador na vida de Ernest. “Eu amo dinheiro!” ele diz, mais de uma vez, com um sorriso malandro. Mas o que alimenta a sua onda de crimes – primeiro o roubo, depois cúmplice de homicídio e depois muito pior – é a supremacia branca. Ele e a maioria dos brancos que vieram em Fairfax, Oklahoma, para perseguir parte do dinheiro do petróleo Osage, realmente acreditam em seu próprio direito divino à terra e ao petróleo (duplamente irônico, é claro, já que os nativos americanos estavam lá primeiro). Eles acusam os Osage de não “ganharem” o dinheiro, como se qualquer um ganhasse a sorte de encontrar petróleo. Eles veem o Osage assassinado como um dano colateral em sua missão de tomar o que é deles por direito.

Bill tem uma fazenda de gado em Fairfax e se apresentou como um homem branco benevolente que está lá para conduzir os Osage ao século 20 (o filme se passa na década de 1920). Eles confiam nele e até recorrem a ele quando os assassinatos começam, como uma espécie de conselheiro. Já Ernest voltou da guerra e está procurando trabalho. É Bill quem sugere que seu sobrinho corteje uma mulher osage – uma mulher com uma propriedade de “sangue puro”, então, se ela morresse, Ernest e sua família teriam todos os direitos sobre a terra.

“A maioria das mulheres osages não passa dos 50 anos”, diz Bill, com tristeza, como se os homens brancos não fossem a principal causa da sua morte precoce. Então Ernest conhece Mollie (Lily Gladstone), uma mulher Osage quieta e digna, com um leve toque de humor irônico e cansado do mundo por trás de seu olhar penetrante. Ela sabe que Ernest não é muito inteligente, mas ela o ama e seus modos impassíveis mesmo assim. E ele a ama de volta. Mas ele é demasiado estúpido ou ganancioso ou, francamente, racista para perceber que o que está a fazer ao povo de Mollie é um crime contra a mulher que ama – e os seus eventuais filhos.

Como Mollie, Lily Gladstone é uma revelação – sua calma decência e inteligência ancoram o filme. Falo sobre uma performance marcante! Este é, notoriamente, um filme de 3 horas e meia, e ela cativa a tela – não apenas se defendendo de seus colegas de elenco mais experientes, mas às vezes dominando-os. (É o autocontrole persuasivo de Mollie que obriga o presidente Coolidge a enviar o incipiente FBI para o condado de Osage.)

Scorsese é obviamente um cineasta que tem seus(suas) musos(as) atuantes. Na primeira parte de sua carreira, esse muso foi De Niro; mais tarde, DiCaprio assumiu o papel de protagonista. Esta é a primeira vez, até onde eu sei, que eles trabalham juntos em um filme desde Despertar de um Homem, de 1993, uma de nossas primeiras indicações de que o jovem aprendiz poderia realmente ficar cara a cara com o mestre. É maravilhoso ver esses dois monstros trabalhando juntos novamente aqui – DiCaprio não é mais aquele garoto lindo, mas um homem de meia-idade, encorpado pela idade. Ele esconde um pouco de seu habitual estado de alerta e charme aqui. Ernest é lento e muitas vezes confuso – embora o observemos ganhar uma espécie de confiança grotesca à medida que o filme avança e ele adquire mais dinheiro e poder. E De Niro interpreta Bill como um homem que cultivou uma personalidade avuncular, mas cuja brutalidade nunca está muito longe da superfície.

Uma grande variedade de atores, incluindo Cara Jade Myers como a malfadada irmã de Mollie, Anna; William Belleau como o deprimido membro do Osage, Henry, que tem a infelicidade de ter seus casos vinculados aos de Bill; e o perspicaz agente do FBI de Plemons, que tem certa pena de Ernest, completam habilmente o elenco.

Sim, o filme tem três horas e meia. O que é tão impressionante nisso é como Scorsese consegue injetar urgência até mesmo nos pequenos momentos. Quando você é Martin Scorsese, um homem e uma mulher ouvindo a chuva podem ser tão atraentes quanto a explosão de uma bomba. Essa é a sua genialidade: ele usa todas as ferramentas disponíveis – atuação brilhante, música perfeita (aqui, muita música folclórica nativa americana é utilizada), uma câmera que sabe quando girar e quando ficar parada, uma câmera nítida e um roteiro – para manter seus filmes quase estranhamente divertidos. É uma espécie de truque de mágica. O filme parece perfeitamente ritmado, mas nunca apressado.

Este capítulo final da carreira de Scorsese é repleto de reflexão e melancolia. Ele sempre nos mostrou homens se comportando mal, mas geralmente com uma intensidade rock and roll que torna as más ações deslumbrantes. Nos seus dois últimos filmes – O Irlandês e agora este – ele mostrou-nos as terríveis consequências desses atos: o velho gângster de Robert De Niro sozinho e amargurado num lar de idosos, reflectindo sobre uma vida que não deu em nada; e aqui, mostrando-nos como a supremacia branca pode erradicar um povo inteiro, uma história inteira (ele evoca explicitamente os massacres de Tulsa que extinguiram a “Wall Street Negra”).

Na verdade, em Assassinos da Lua das Flores, Scorcese usa seu dom para nos confrontar com uma verdade horrível e impensável. Não podemos desviar o olhar do filme – e nem deveríamos.

5 pipocas!

 

 

Disponível para aluguel no Prime Video.

De todos os filmes e spinoffs de Indiana Jones dos últimos 42 anos, o quinto e último longa estrelado por Harrison Ford, de 80 anos e no auge de seus poderes, é o melhor de todos. Indiana Jones e A Relíquia do Destino é fiel à história original, mantendo o entusiasmo das séries de ação e aventura da primeira metade do século 20 que inspiraram a obra-prima moderna de diversão e de tirar o fôlego.

Indiana Jones sempre foi um tipo diferente de herói de ação – dinâmico, de fala mansa, um galã divertido com um chicote que também é um arqueólogo intelectual sério. O personagem, originalmente criado por Steven Spielberg e George Lucas, inspirou o maior filme de Spielberg, Os Caçadores da Arca Perdida, de 1981 (a primeira aparição de Ford como Indy), e seu impacto cultural foi vasto. Inúmeras crianças fantasiavam em crescer para ser ele, como o fundador da Amazon, Jeff Bezos, que idolatrava e se identificava com Indy acima de todos os heróis da cultura pop – sua ambição de infância era ser um arqueólogo aventureiro.

Nesse grande final de Indy, ele envelheceu e se tornou um professor aposentado que volta à ação, e é o momento perfeito na carreira de Ford para enfrentá-lo pela última vez. Ford teve um ano excepcional em telas grandes e pequenas. Ele é o psiquiatra fabulosamente franco com Parkinson, apoiando o terapeuta neurótico de Jason Segel em Falando a Real, e o patriarca robusto que contracena com o símbolo sexual apropriado para a idade, Dame Helen Mirren, 77 anos, na prequela de sucesso de Yellowstone, 1923. Por que se aposentar? Ele está conseguindo os melhores papéis de sua vida, tanto dramáticos quanto cômicos.

Na atual aventura arqueológica, perfeitamente dirigida por James Mangold, de Johnny & June, Indiana Jones ainda persegue o sonho de descobrir um território perigoso. Estamos em 1944 e o regime nazi está a recuar. Jones e seu atormentado companheiro científico, Basil Shaw (o principal ator britânico, Toby Jones) cruzam as linhas inimigas em busca do Graal do filme – um artefato circular criado pelo antigo matemático grego Arquimedes para facilitar a viagem no tempo.

Seu rival? O sádico alemão Dr. Voller (a sedutora estrela de Hannibal, Mads Mikkelsen). O mau médico quer agarrar o mostrador antigo, retroceder e garantir aos nazistas um lugar no lado vencedor da história.

Nessas cenas anteriores ambientadas no passado, as técnicas CGI usadas para fazer Ford parecer consideravelmente mais jovem são mais eficazes do que, digamos, a juventude de Samuel L. Jackson em Capitã Marvel ou Robert De Niro em O Irlandês. O CGI é usado para envelhecer atores em cerca de 80% dos filmes atualmente, e o vazio muitas vezes impassível de Ford fornece a tela ideal para o computador ajustar. Mikkelsen também passa pelo processo com credibilidade, sem tirar o público do filme.

Enquanto isso, o filme voa e Jones passa por uma encrenca após a outra, fugindo em um trem cheio de nazistas disfarçado em um uniforme alemão com um distinto buraco de bala no peito e um ferimento de saída nas costas. Ele luta através de um vagão e depois do próximo, sobe no topo e luta contra vilões enquanto túneis de trem decapitadores aparecem do nada e bombas dizimam as pontes que se aproximam. As sequências de ação emocionantes seguem sem fôlego, uma após a outra em todos os veículos com rodas imagináveis.

Décadas passam e o ritmo se intensifica com a entrada da intrigante e elegante filha de Shaw, Helena – em uma referência à caprichosa heroína de Sonho de uma noite de verão). Phoebe Waller-Bridge, de Fleabag, traz a diversão e a exuberância para Helena – canalizando a beleza aventureira e anárquica que era Marion Ravenwood, o verdadeiro amor de Indy e, em última análise, sua esposa. Exibindo sua relativa juventude, a vivaz Waller-Bridge brilha na tela, uma figura modestamente atlética, moderadamente amoral e controlada, com um ajudante moleque de rua, Teddy (Ethann Isidore).

Ainda há a participação especial de Antonio Banderas como o grande mergulhador Renaldo, um antigo amigo de Indy nessa e outras aventuras. Helena desconfia dele no começo mas, depois se rende as graças e sabedoria de seu novo aliado.

Embora uma faísca voe entre Jones e Shaw de Waller-Bridge, ela nunca chega ao ponto de ser estranhamente romântico. Isso porque essas aventuras levam ao reencontro do meu casal favorito em toda a terra de Spielberg: Jones e Ravenwood. A carismática Karen Allen, ainda uma bombinha aos 71 anos, retorna, com idade para se igualar a Ford. O brilho não saiu dos olhos de Allen, que irradiam o conhecimento de que o casal dinâmico foi feito um para o outro, criando uma conclusão romântica profundamente satisfatória para a crônica original de Indiana Jones.

Não teremos outro filme de Harrison Ford como Indiana Jones. Mas que tal dar a esta protagonista feminina inteligente, espontânea e autossuficiente um spin-off dedicado da Indy?!

5 pipocas!

 

 

Disponível na Disney+.

Homens Da Lei: Bass Reeves carrega muitas das marcas registradas do produtor executivo Taylor Sheridan, que agora conta com o drama antológico entre seu amplo (e ainda crescente) conjunto de programas para o serviço de streaming Paramount +. A série de uma hora de duração é um faroeste de grande orçamento com um elenco superqualificado – uma sinopse aproximada que também se aplica a referências de Sheridan como 1883 e 1923, ambas prequelas repletas de estrelas de seu grande sucesso Yellowstone. Este conjunto específico é liderado por David Oyelowo como Bass Reeves, uma figura histórica da vida real e um ex-escravizado Marechal dos EUA que trabalhou a oeste do Mississippi no final do século XIX. Em 2019, Reeves foi um personagem secundário em Watchmen de Damon Lindelof; mas aqui, ele conseguiu um papel principal.

 

Mas de todos os projetos aprovados no acordo de grande sucesso de Sheridan com a Paramount Global, Homens Da Lei: Bass Reeves apresenta o menor envolvimento diário do próprio Sheridan. O ator que virou roteirista é famoso e incomumente prático em seu estilo de gestão, a ponto de seu nome aparecer frequentemente na recente e bem-sucedida tentativa da Associação de Escritores da América de consagrar o mínimo de pessoal em seu último contrato. (Há uma exceção para escritores, como Sheridan e o autor de The White Lotus, Mike White, contratados desde o início para escreverem eles próprios suas temporadas inteiras.) Sheridan escreve todos os roteiros de Yellowstone e suas ramificações, bem como lançamentos mais recentes de O Dono de Kingstown e Operação: Lioness.

Homens Da Lei: Bass Reeves é criado e apresentado por Chad Feehan (Rectify, Ray Donovan), com Sheridan atuando apenas como produtor. (Mesmo Tulsa King, o showcase de Sylvester Stallone supervisionado por Terence Winter de Os Sopranos, ainda creditou Sheridan como seu criador) Com base nos quatro episódios fornecidos aos críticos, tal delegação é uma melhoria bem-vinda. Homens Da Lei é reconhecidamente uma peça da filmografia de Sheridan, ao mesmo tempo que atinge um tom e se move em um ritmo próprio. É uma execução mais sustentável da visão distinta do produtor de energia – e, mais importante, melhor do que algumas tentativas recentes.

No início de sua série homônima, um dos novos colegas de Reeves o chama de ‘o homem mais sério que já conheci’. É uma avaliação justa e que se estende para a temporada com base nas duas primeiras partes da trilogia do autor Sidney Thompson, que traça as façanhas de Reeves. Oyelowo interpreta Reeves como um herói clássico de coragem e dignidade silenciosa. Além de sua habilidade como atirador, as características definidoras de Reeves são sua fé cristã, devoção à família e uma bússola moral apenas fortalecida pelos horrores do cativeiro. A formação e a biografia do protagonista podem sugerir uma abordagem revisionista que atenda às sensibilidades modernas, mas Bass Reeves evita a alegre retribuição de Django Livre ou a tragédia avassaladora de Assassinos da Lua das Flores, para citar dois exemplos de destaque – as instâncias de atualização do gênero.

Isso não é uma crítica. Homens Da Lei é direto, mas sua história é notável o suficiente para não exigir muitos embelezamentos. O primeiro episódio atua como uma história de origem, abrindo com Bass entrando na batalha durante os dias finais da Guerra Civil com seu então proprietário confederado, George Reeves (Shea Whigham). À medida que a União cimenta a sua vitória, a acção transforma-se então na fuga angustiante de Bass para o Ocidente. Como muitos programas de streaming, “Bass Reeves” usa sua estreia mais como uma prequela independente do que como um piloto, já que os espectadores podem aprender instantaneamente o que acontece a seguir. Somente na próxima edição, e depois de um salto no tempo de uma década, Bass recebe o distintivo que o torna uma presença tão singular no passado da América. Nesta progressão constante, há uma notável falta da teatralidade ensaboada que define outros programas de Sheridan. O conflito de Reeves é mais interno: o de um homem a quem a lei já foi considerada propriedade, a quem foi dado o poder de fazer cumprir um sistema que, embora melhorado, ainda é muitas vezes injusto. No entanto, esta luta nunca se torna o foco central da temporada. Tal como a multiplicidade de personagens negros e indígenas num género que raramente privilegia o seu ponto de vista, as contradições da nova carreira de Bass constituem o pano de fundo das suas principais aventuras.

A sinceridade de coração puro de Oyelowo é contrabalançada pelas atuações de apoio que o cercam. O apelo de Bass à ação depois de anos trabalhando como um humilde agricultor, vem do deputado Marshall Sherrill Lynn, um cínico endurecido interpretado por Dennis Quaid perfeitamente implantado. Tendo abandonado seu rabo de rato de Círculo Fechado, o recém-anunciado colaborador da Fox Nation poderia ser um aceno indireto para um público conservador, mas ele é muito eficaz como um excêntrico de olhos arregalados para não se apreciar. Assim como Shea Whigham, ele também é usado com moderação, aparecendo em apenas um episódio dos quatro iniciais; o mesmo acontece com Donald Sutherland como o novo chefe de Reeves, o juíz Isaac Parker que trabalha para impor a ordem no limite da civilização.

Nem todos os companheiros de Reeves são homens brancos mais velhos e irascíveis. O papel de anti-herói que o próprio Reeves evita recai sobre Billy Crow (Forrest Goodluck), um fora-da-lei nativo intrigado com o caminho improvável de Bass para a aplicação da lei. Mas embora Crow seja uma presença intrigante, você nunca desejaria que ele estivesse dirigindo o show. Talvez os futuros capítulos de Homens Da Lei, que é estruturado para focar em um assunto diferente a cada temporada, centralizem figuras de autoridade mais moralmente ambíguas. Como introdução, Homens Da Lei: Bass Reeves apresenta o argumento convincente de que o faroeste pode expandir-se sem uma reimaginação total.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Paramount+ ou no canal da Paramount+ dentro da Amazon Prime Video.

 

Uma pesquisa muito rápida no Google sobre os estados da matéria na química mostra que existem quatro formas – líquido, gasoso, plasma e sólido. Nem todas as quatro palavras poderiam ser usadas para descrever uma série de TV, mas certamente duas poderiam, e você não quer ser associado ao gás. Mas sólido, ah, sim, sólido é bom. Sólido é forte.

Sólido é o tipo de série de TV que você deseja assistir. Isso não vai mudar o seu mundo, mas irá satisfazê-lo. E adoramos ficar satisfeitos. Tudo isso é uma tentativa desajeitada de dizer que Uma Questão de Química, a nova série não é apenas um trabalho sólido de televisão, mas também é tematicamente, em parte, sobre a luta pela estabilidade.

Adaptado do romance de grande sucesso de Bonnie Garmus, que vendeu milhões de cópias em todo o mundo, a exuberante peça de época é estrelada por Brie Larson como Elizabeth Zott, uma química na América dos anos 1950. O cenário de meados do século deve dar uma pista sobre os desafios dela como mulher na comunidade científica.

Como sabemos, os homens não a levavam as mulheres a sério e a cada dia, elas lutavam batalhas difíceis e infrutíferas contra a misoginia, tanto pessoal quanto institucional.

Como assistente de laboratório “humilde”, Elizabeth não tem o respeito de seus colegas do sexo masculino, embora seja comprovadamente mais brilhante do que eles e muitas vezes a pessoa a quem recorrem quando se deparam com um problema. Mas ela também está em desacordo com as mulheres do escritório, que estão na área de secretariado.

Elizabeth não é perfeita, ela vê suas colegas mulheres da mesma forma que seus colegas homens a tratam.

Sua franqueza e falta de vontade de ceder criam uma barreira para as pessoas em sua vida, e ela está claramente solitária.

Somente quando ela conhece o igualmente inteligente e inconstante Calvin Evans (Lewis Pullman) é que ela consegue estabelecer uma conexão real com alguém. Ela se sente vista.

A história de amor de Uma Questão de Química é só um elemento de reforço e Larson e Pullman têm uma ótima dinâmica na tela.

Mas a história realmente pertence a Elizabeth, com uma atuação potente e ancoradora da vencedora do Oscar, Brie Larson, que permanece em uma constante ao longo dos 8 episódios da série. Os personagens coadjuvantes, incluindo Aja Naomi King como a ativista de bairro, Harriet Sloane, Kevin Sussman como o produtor de TV, Walter e Derek Cecil como o administrador pomposo, Dr. Robert Donatti, fazem parte da história, mas Larson é a dona.

O desempenho cativante de Larson em Uma Questão de Química tem pontos fortes, incluindo uma caracterização que não tão profunda o suficiente para que o público sinta que compreende totalmente as vulnerabilidades de Elizabeth. Ou seja, é um bom mistério a ser desvendado.

Assim como a distância entre Elizabeth e os outros personagens, existe também aquela lacuna emocional entre ela e o espectador. Mas a maioria dos outros aspectos funcionam em sinfonia para criar um espetáculo que pareça substancial.

O design de produção do show ambientado nas décadas de 1950 e 1960 é atraente, parece caro e tem um tom estável graças ao trabalho do showrunner e criador Lee Eisenberg (Vida de Escritório e WeCrashed) e da diretora de montagem Sarah Adina Smith. Há também a trilha aveludada, composta por Carlos Rafael Rivera, que também escreveu a música de O Gambito da Rainha.

E é a igualdade que Uma Questão de Química mais evoca com sua protagonista feminina genial e socialmente diferente que se choca com o mundo ao seu redor.

Os fãs de O Gambito da Rainha – e havia muitos, de acordo com a Netflix, que afirmou que 62 milhões de famílias assistiram ao programa nos primeiros 28 dias – encontrarão muito o que gostar em Uma Questão de Química, um drama sólido e de prestígio com uma atuação central fantástica.

5 pipocas!

 

 

Disponível na AppleTV+.

Enfield não é um lugar supersticioso. Qualquer pessoa que passe por este canto monótono dos subúrbios ao sul da Grande Londres não encontrará grandes castelos góticos nem histórias históricas de derramamento de sangue. E, no entanto, de alguma forma, continua a ser o local da história de fantasmas mais famosa da Grã-Bretanha.

Em 1977, uma casa na cidade tornou-se objeto de atenção da mídia internacional após alegações de atividade paranormal. Jornalistas de tablóides e policiais que visitaram a propriedade relataram sons inexplicáveis ​​de batidas e móveis sendo jogados pela sala. A mãe solteira Peggy Hodgson, que morava na casa com as filhas Janet, 11, e Margaret, 13, se convenceu de que a casa era assombrada por um espírito maligno. Este “fantasma” canalizou a sua energia através de Janet, cujo comportamento se tornou cada vez mais perturbador e estranho.

O caso chamou a atenção de Maurice Grosse, um “investigador paranormal” (sim, esse é um trabalho de verdade) da Sociedade de Pesquisa Psíquica que passou dois anos ficando com a família e documentando as atividades fantasmagóricas na casa. Durante esse período, ele gravou horas de conversas com familiares e clipes do “poltergeist” causando estragos. O docudrama de Jerry Rothwell, O Poltergeist de Enfield, dá vida a essas fitas, dublando-as em cenas interpretadas por atores. Isso é intercalado com reflexões sobre o período de jornalistas e pesquisadores paranormais que investigaram os acontecimentos, bem como da própria família Hodgson.

Histórias de fantasmas facilmente se prestam à paródia. Qualquer pessoa que cresceu nos anos 90 se lembrará da série ridícula Most Haunted, na qual Yvette Fielding e uma equipe de infelizes médiuns psíquicos perambulavam por antigos castelos fingindo que o som de um galho de árvore quebrando era um espírito demoníaco aterrorizante. Os eventos paranormais em Enfield já receberam o tratamento de Hollywood em Invocação do Mal 2, de James Wan, um filme de terror bastante direto e irreal sobre “garota possuída por um demônio maligno”.

O Poltergeist de Enfield é uma exploração mais inteligente e cuidadosa da obsessão da sociedade com o mundo espiritual – mas ainda consegue ser genuinamente assustador. Grande parte disso se deve à excelente qualidade da atuação, que provavelmente não receberá os elogios que merece. Christopher Ettridge é brilhante como o taciturno Maurice Grosse, um homem que busca obstinadamente respostas para o intangível. Olivia Booth-Ford impressiona como Janet, que às vezes é travessa e profundamente vulnerável. Charlotte Miller como Margaret é incrível no papel da irmã com uma empatia verdade com Janet, que precisava de alguém para acreditar nela, e Margaret confiava de verdade e se assustava de preocupação.

É principalmente brilhante, que O Poltergeist de Enfield tenha uma estrutura inexplicavelmente confusa. Só encontramos as verdadeiras irmãs Hodgson mais tarde, o que presumivelmente pretendia ser uma grande revelação, mas foi necessária uma introdução minuciosa do tema evntos psíquicos e/ou paranormais para dar um contexto vital e o equilíbrio que o caso pede. O formato docudrama é terrivelmente difícil de realizar, dada a complexidade de equilibrar fato e ficção, e às vezes O Poltergeist de Enfield parece estar passando por uma crise de identidade – assim como aconteceu com Janet sendo atormentada por tal entidade insistente.

À medida que a série avança, as irmãs Hodgson lançam mais luz sobre o divórcio de seus pais e a infelicidade de sua infância. Janet parece totalmente traumatizada por este período e aparentemente não se recuperou. Muitos investigadores e comentaristas descartaram os acontecimentos em Enfield como uma farsa realizada por um adolescente entediado, mas a assombração parece mais ser um pedido de ajuda de uma garota com profunda dor emocional.

Embora o seu prazer com O Poltergeist de Enfield possa depender da extensão do seu interesse pelo paranormal, este é um exame convincente de uma série de eventos que cativaram a nação. Aqueles que procuram um susto antes/depous do Halloween, já acharam.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Apple TV+.

À primeira vista, Hercule Poirot de Kenneth Branagh e Robert McCall de Denzel Washington não poderiam ser mais diferentes, mas em certo nível eles são irmãos de outro gênero.

– Washington, de 68 anos, está atualmente nas telonas com O Protetor: Capítulo Final, seguindo o original de 2014 e a sequência em 2018, enquanto Branagh, de 62 anos, se junta a Washington no multiplex com seu terceiro filme de Poirot, após Assassinato no Expresso do Oriente em 2017 e Morte no Nilo do ano passado.

– Poirot de Branagh é um veterano de guerra com tendências de TOC que há muito perdeu o amor de sua vida. McCall, de Washington, é um veterano de guerra com tendências de TOC que há muito tempo perdeu o amor de sua vida. E embora Poirot e McCall tenham maneiras muito diferentes de exigir justiça, ambos são lendas em suas profissões que têm a capacidade única de entrar em uma sala cheia de personagens suspeitos e fazer justiça aos culpados antes que tudo acabe. Eles são brilhantes!

Assim como McCall se mudou para a Itália em O Protetor: Capítulo Final e esperava desfrutar de uma aposentadoria tranquila antes de voltar ao jogo, Poirot se mudou para a Itália em A Noite das Bruxas e esperava desfrutar de uma aposentadoria tranquila antes de ele voltar ao jogo – desta vez com um toque sobrenatural.

Com Branagh também fornecendo uma direção estilosa (ele também não deixa de se entregar a sustos), o roteirista Michael Green dá corpo e faz algumas mudanças importantes em um trabalho relativamente menor de Agatha Christie (intitulado Festa de Halloween) com um elenco internacional incrível que abraça a loucura inspirada e exagerada da história. Este é um mistério de assassinato que nos envolve instantaneamente com um final louco que realmente funciona – se não pensarmos muito sobre isso. E este é um mistério policial envolto em uma história de fantasmas. Não que o meticuloso e lógico Hercule Poirot pudesse acreditar em fantasmas, certo?

Com uma trilha sonora apropriadamente misteriosa e assustadora do talentoso compositor vencedor do Emmy e do Oscar Hildur Guðnadóttir (Chernobyl, Coringa) e visuais distorcidos do diretor de fotografia Haris Zambarloukos, A Noite das Bruxas se passa em 1947, com Hercule Poirot (Kenneth Branagh) desfrutando de uma vida tranquila enquanto passa grande parte de seu tempo em seu jardim na cobertura, e seu guarda-costas, o ex-poliziotto italiano Vitale Portfoglio (Riccardo Scamarcio), mantém afastados os muitos moradores locais e viajantes cansados ​​que vieram implorar a Poirot que aceite o caso deles, qualquer que seja o caso. Seus apelos caem em ouvidos surdos – mas Poirot é praticamente arrastado de volta ao jogo quando recebe a visita da pessoa mais próxima de uma amiga que ele tem: uma certa Ariadne Oliver (Tina Fey), que ganha a vida escrevendo romances policiais inspirados nos casos policiais de Poirot, mas este está em crise e precisa desesperadamente de um incentivo.

Ariadne convence Poirot a acompanhá-la a uma sessão noturna de Halloween no enorme, agourento e supostamente assombrado palácio da famosa ex-cantora de ópera Rowena Drake (Kelly Reilly), que espera fazer contato com sua filha Alicia (Rowan Robinson), que cometeu suicídio. – ou fantasmas a fizeram se suicidar? Michelle Yeoh é muito divertida como a médium conhecida como Sra. Reynolds, que tem um dom especial para se comunicar com os mortos ou é uma vigarista sofisticada.

Juntando-se a eles na sessão estão vários personagens pitorescos e talvez duvidosos, incluindo os assistentes da Sra. Reynolds, Desdemona Holland (Emma Laird) e Nicholas Holland (Ali Khan); o cirurgião de campo do tempo de guerra, Dr. Leslie Ferrier (Jamie Dornan), que tem um caso incapacitante de TEPT; o filho precoce e amante de fantasmas de Ferrier, Leopold (Jude Hill, que interpretou o filho de Dornan em Belfast, dirigido por Branagh); a governanta de Rowena, Olga Seminoff (Camile Cottin), e o ex-noivo de Alicia, o garimpeiro Maxime Gerard (Kyle Allen). Que bando! Eles são todos um pouco incompletos, se você me perguntar.

De forma um tanto decepcionante, dado o local incrível, quase todo A Noite das Bruxas acontece dentro daquele palácio, que, segundo nos dizem, é assombrado pelas almas de crianças que morreram em uma terrível tragédia na época em que este era o local de um orfanato. (Todos os orfanatos em histórias de fantasmas têm histórias horríveis.)

Pelo menos um assassinato ocorre. Poirot começa a ver coisas – incluindo a jovem Alicia. Como isso pode ser? O grande detetive belga continua dizendo que deve haver uma explicação razoável para todos os desenvolvimentos misteriosos e aparentemente sobrenaturais, mas ele está perplexo. Por enquanto.

Com seus olhos azuis elétricos e penetrantes, aquele bigode fantástico e sotaque um pouco exagerado, Branagh é um ótimo Poirot, e ele está cercado por um elenco de atores maravilhosamente talentosos, alguns dos quais vão além de suas personalidades mais comuns. Tina Fey é uma presença tão moderna como atriz, mas ela faz um trabalho fabuloso ao infundir em Ariadne uma espécie de personagem de comédia maluca dos anos 1940, enquanto Jamie Dornan fez um ótimo trabalho em A Private War, Belfast e aqui que ele merece absolvição total pelos filmes Cinquenta Tons.

A Noite das Bruxas se move em um ritmo deliberado e distribui as surpresas criteriosamente, como o adulto no Halloween que diz que você só pode comer alguns doces por vez. As delícias, no entanto, valem a pena esperar.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.

Tem sido praticamente consenso que O Exorcista é uma daquelas raras conquistas cinematográficas relâmpago na garrafa que ainda não encontrou um contemporâneo em seu enorme subgênero. Ao longo dos anos, os estúdios lutaram para construir um clássico na mesma linha, e agora Blumhouse tentou continuar a adaptação cinematográfica de O Exorcista. Embora sua chegada tenha praticamente esmagado toda e qualquer tentativa de avanço que os filmes de Halloween tiveram, O Devoto na verdade acaba sendo uma reinicialização bastante boa. Não é tão terrível quanto O Herege, mas David Gordon Green tem muito a fazer se espera alcançar algum tipo de sucesso com os próximos dois filmes de sua série.

Neste ponto, resta saber se haverá ou não um acompanhamento.

Victor (Leslie Odom Jr.), um famoso fotógrafo, ainda está se recuperando da horrível morte de sua esposa grávida durante um grande terremoto no Haiti. Anos depois, Victor tem que criar sua filha Angela sozinho, morando em Atlanta, Geórgia.

A gentil Angela (Lidya Jewett), de treze anos, se aventura com sua melhor amiga Katherine (Olivia O’Neill) para uma sessão de estudos, que termina com a dupla mergulhando nas profundezas da floresta, tentando se comunicar com um espírito. Depois de desaparecer por três dias, a dupla emerge completamente diferente tanto mental quanto emocionalmente. Atribuindo isso ao trauma, Victor fica horrorizado ao descobrir que Angela está possuída por uma entidade demoníaca. Para piorar as coisas, a melhor amiga de Angela, Katherine, também está possuída, e a entidade que os controla tem seus próprios motivos ocultos.

O Devoto não é o desastre completo que muitos consideraram quando chegou. Embora não seja uma obra-prima, nem mesmo um grande filme, há tantas coisas boas aqui que David Gordon Green deveria ter desenvolvido e realizado. A direção rígida e o pavor agourento são completamente destruídos em favor do que parece ser um piloto prolongado de um programa de TV. Enquanto isso, a produção se arrisca. Sabemos que o estúdio está planejando uma trilogia como a já mencionada série de filmes Halloween, então tudo aqui parece tão super arriscado e de maior impacto. E para seu crédito, David Gordon Green é muito bom em criar não apenas o conflito inerente, mas também em explorar a ideia de força e fé, em oposição a alguém cuja fé foi abalada.

Em vez de uma dupla de padres com ideias opostas de fé e de Deus, desta vez é a família que tem de chegar a um acordo.
Os pais de Katharine são católicos convictos e insistem em criá-la na igreja, enquanto Victor está absolutamente cansado de qualquer conceito de religião após sua tragédia. Isso provoca uma turbulência interna durante o exorcismo que simplesmente não foi explorada tanto quanto deveria. Gordon Green tenta criar todo esse jogo de cabo e guerra entre ideologias e crenças religiosas, tudo em uma busca para salvar as meninas, que o demônio ataca. Mas quase não há riscos emocionais suficientes definidos. Isso também ocorre porque Angela obtém o foco principal do par de meninas possuídas, enquanto Katherine obtém um tempo mínimo de tela e quase nenhum foco real em seus sentimentos em relação à sua estrita educação religiosa.

Apenas Odom e sua filha estão totalmente desenvolvidos, e mesmo assim parece que Gordon Green está se segurando muito. Dito isto, Gordon Green trabalha arduamente para subverter a fórmula no caminho das religiões conflitantes da família acima mencionada, bem como de todo o conflito central. Toda a possessão coloca muito menos ênfase no catolicismo versus o mal e agora oferece muito mais sobre a validade dos rituais e protocolos de múltiplas religiões para lidar com a possessão, e como eles podem contribuir. Isso é enfatizado pela reunião do filme de vários sacerdotes e figuras sagradas, todos com algo que sentem que pode combater o demônio (ou demônios). Ao fazê-lo, Gordon Green despreza o catolicismo, levando-nos a um novo território onde a fé simplesmente não funciona na luta contra esta entidade demoníaca.

Na maior parte, o elenco é muito bom, incluindo Ann (Ann Dowd) como uma freira aposentada e Okwui Okpokwasili, que interpreta a Dra. Beehibeuma determinada lutadora demoníaca do Haiti.

 

O Exorcista – O Devoto é um bom filme que acho que será mais apreciado ao longo dos anos, pois não é o pior que esta série já proporcionou aos fãs. Só acho que o diretor e escritor David Gordon Green tem um longo caminho a percorrer para entender o que tornou o filme original tão incrível antes de poder completar os próximos dois capítulos desta aparente trilogia.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz no Cinemark: Dub 2D 12:35 15:25 e 17:55 e Cinepólis Dub 2D 22:00.

O Halloween está salvo! A oferta final do Spookmaster Mike Flanagan na Netflix é um deleite assustador, horrível e suntuosamente gótico. As adaptações atraentes de Edgar Allan Poe têm sido escassas desde os filmes de Roger Corman na década de 1960. É certo que houve um segmento espetacular em um dos primeiros especiais de Halloween dos Simpsons na Treehouse of Horror, mas com A Queda da Casa de Usher, Mike Flanagan se mostra tão hábil quanto Matt Groening ou Corman em trazer Poe para a tela.

Flanagan tem jeito de fazer homenagens a algumas das obras mais queridas do terror. Ele enfrentou Shirley Jackson em A Maldição da Residência Hill (que foi fabuloso), Henry James em A Maldição da Mansão Bly (assustador, mas açucarado) e Christopher Pike em O Clube da Meia-Noite (genial – nem ligo pros haters). Felizmente, as sensibilidades de Flanagan e Poe provam ser uma dupla vencedora, permanecendo à beira do terror sem cair em sustos e sentimentalismo. A culpa permeia cada quadro do universo Poe de Flanagan e compra não tanto o horror, mas o terror. A sensação de que algo terrível é iminente torna o tempo envolvente.

A série começa com uma configuração escura condizente com Poe. Roderick Usher (Bruce Greenwood) comparece a um funeral conjunto de vários de seus filhos adultos e, em uma montagem de cobertura da imprensa, vemos como uma série de “acidentes estranhos” destruindo toda a sua linhagem da família. O patriarca Usher então se senta em uma mansão em ruínas com Auguste Dupin (Carl Lumbly) – baseado no famoso personagem recorrente de Poe, considerado o primeiro detetive da ficção; e lhe oferece uma confissão. Em seguida, voltamos algumas semanas para quando o clã Usher estava no topo do mundo, tendo se tornado bilionários ao estilo Sackler, vendendo opiáceos que infligiram uma miséria indescritível ao público americano, e começamos a assistir sua dolorosa morte.

Roderick veio de uma infância miserável com uma mãe puritana e doentia que acredita que “a dor e o sofrimento são o beijo de Jesus”. Como pai, Roderick não se sai muito melhor, tendo seis filhos com cinco mulheres diferentes que vão desde hedonistas detestáveis ​​​​(Napoleão e Próspero Usher) o e as canalhas desprezíveis (Frederick, Tamerlane e Victoria) e a canalha hedonista detestável (Camille).

A família é composta pelo conjunto regular de atores de Flanagan, e transformá-los em parentes requer muita suspensão de descrença, mas para os fãs de Flanagan, é muito divertido ver como esses favoritos se encaixam em sua nova história de terror.

Carla Gugino retorna como Verna, também conhecida como Raven. Ruth Codd (o destaque de O Clube da Meia-Noite) interpreta a esposa muito mais jovem de Roderick, Juno, uma ex-viciada em heroína cuja vida mudou graças às drogas que os Ushers vendem, enquanto Rahul Kohli, Henry Thomas e Kate Siegel enfrentam cada um, outro membro covarde da ninhada Usher. Ao lado de seus jogadores favoritos está Mark Hamill como um advogado / consertador insensível da família Usher, que parece gargarejar meio litro de unhas todas as manhãs. Mas, como sabemos desde o início, não faz sentido ficarmos excessivamente apegados a eles, pois destinos terríveis estão assegurados para todos. Não é tanto o “o quê”, mas sim o “porquê” que o público e Dupin precisam ser respondidos.

Flanagan termina seu contrato com a Netflix em alta, capturando alegremente a magia, o romance misterioso e a sensação de pavor de Poe. Seus programas se tornaram as melhores ofertas do serviço de streaming para temporadas assustadoras, e é difícil imaginar como esse vazio será preenchido. Não é perfeito – a ordem pela qual a família Poe encontra o seu destino é um caso de rendimentos decrescentes, uma vez que os seus membros mais intrigantes são despachados demasiado rapidamente. Parte do CGI, especialmente uma cena envolvendo corpos caindo do céu, é involuntariamente engraçada. Problematicamente, Flanagan tende a confundir estranheza com depravação e a fluidez sexual é punida aqui com um floreio enervante. Mas o show lembra ser realmente assustador, com usos verdadeiramente inspirados de chimpanzés, espelhos e sistemas de sprinklers. Não há dúvida de que A Queda da Casa de Usher está entre as melhores obras de Flanagan.

Então, por que tudo isso está acontecendo com os Ushers? Qual final de Usher será o mais terrível? Por que a Netflix não investe dinheiro suficiente neste homem para fazer mais delícias de outubro? O que deu ao episódio dos Simpsons o direito de ser tão bom? Algumas das questões são deliciosamente encerradas pela poderosa conclusão da série.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.