Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Com a tela escura como breu e a falta de distrações, os filmes de terror se beneficiam especialmente da experiência da tela grande. O público tem a chance de mergulhar em seu medo, sentindo-se tão preso quanto os personagens que estão vendo. Originalmente programado para um lançamento nos cinemas, para o Dia das Mães, Fuja (Run), abraça a idéia de ter sua estréia na Netflix de uma maneira nova: agora você pode hiperventilar na privacidade de sua própria casa enquanto o assiste. Você também pode verificar seu aplicativo de frequência cardíaca e confirmar que sim, este thriller psicológico realmente o colocará em um modo de pânico quantificável. Fuja confronta ativamente uma verdade biológica central: que as mães são evolutivamente projetadas para proteger seus filhos, não prejudicando-os – o que é uma reação primitiva apropriada.

Vemos logo de cara que a adolescente Chloe Sherman (Kiera Allen) começa o seu dia subindo em sua cadeira de rodas, cuspindo catarro no banheiro, massageando a pele irritada com um creme prescrito e engolindo pílulas sem fim. Ela é educada em casa por sua devotada mãe, Diane (Sarah Paulson), e as duas vivem uma vida isolada, mas encantadora na zona rural de Washington. Elas exibem uma proximidade invejável sem o atrito usual que acompanha as interações mãe-filha no final da adolescência, mesmo enquanto Chloe aguarda ansiosamente sua carta de admissão da Universidade de Washington para a faculdade no próximo ano.

Run não é nada mais nada menos que tenso. Logo Chloe descobre que sua amada mãe pode não estar agindo com os melhores interesses de sua filha no coração. O instinto protetor característico acaba por se tornar sinistro, com a condição de Chloe deixando-a à mercê de sua mãe.

Para seu segundo filme após Buscando…, em 2018, o roteirista e diretor Aneesh Chaganty retorna ao tema dos relacionamentos familiares e o que acontece quando o amor de um dos pais se transforma em algo perigoso. Mesmo se talvez você já tenha visto a série The Act do Hulu ou conhece outras histórias da síndrome de Munchausen por procuração, Fuja ainda é um pesadelo absoluto sobre a crueldade de pessoas que deveriam ser tratadas.

Chaganty merece crédito por manter o filme e seu público envolvidos. As duas protagonistas são maravilhasosas: Paulson está bem escalada, exibindo a ampla gama que a tornou a favorita de Ryan Murphy e dos fãs, embora Fuja pareça muito mais fundamentado do que a maioria dos pratos de Murphy. Confiamos em cada minuto de sua atuação aqui, mesmo que não queiramos acreditar no que sua personagem é capaz. Enquanto isso, esta é a estreia de Allen no cinema, e ela assume um papel que exige tanto física quanto emocionalmente. Allen também está em uma cadeira de rodas fora da tela, e Chloe é uma heroína forte e cheia de recursos que desafiam a forma como as pessoas com deficiência são frequentemente retratadas na tela.

Os momentos finais de Fuja parecem em total de sintonia com a maior parte do filme, e nunca diminuem o quão aterrorizante e satisfatório que o thriller é no geral. O filme de Chaganty faz exatamente o que pretende, atraindo o público e garantindo que eles se importem profundamente com Chloe. Seu coração acelerado pode dizer para você tentar escapar pelo bem de sua saúde, mas não há como você parar de assistir, mesmo que tecnicamente pudesse acabar com a ansiedade simplesmente pressionando um botão.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Hunters é o tipo de thriller que leva uma frase comum como “comer merda” ao extremo literal, e expressa seus momentos ultrajantes em importância histórica. Al Pacino não está apenas dando cocô para um bandido aleatório – ele está alimentando de merda um suposto nazista. Se isso soa como um desejo que você quer ver realizado, a série de ficção histórica da Amazon vai servi-lo, uma e outra vez, embora seja importante notar que esta é, na verdade, uma das cenas de tortura mais discretas – e menos inventivas.

Criado por David Weil e Jordan Peele, a série pode ser extremamente violenta e extremamente tola; respeita o drama inerente a qualquer história do Holocausto, ao mesmo tempo que permite aos fãs desfrutar da busca ficcional de vingança. Para cada conversa sobre justiça e vingança, moralidade e responsabilidade, certo e errado, há um anúncio falso sobre como detectar nazistas. A história central funciona muito bem se você aguentar cada extremo fazendo um cálculo terrível do passado, com apenas a pretensão de pensar no presente.

Ambientado em 1977, Hunters segue principalmente Jonah Heidelbaum (Logan Lerman), um jovem de 19 anos que trabalha em uma loja de quadrinhos e ainda vive com a avó que o criou, Ruth (Jeannie Berlin). E Jonas não é particularmente religioso – ele é repreendido por seus mais velhos por não seguir o Torá – e ainda enfrenta anti-semitismo e ódio em sua vida cotidiana, o que é ilustrado de forma contundente quando um valentão bate nele até cansar enquanto jura palavras racistas. Mais tarde naquela noite, o nerd dos quadrinhos assiste aterrorizado enquanto sua avó é baleada e morta por um intruso mascarado.

Jonah acha que deve ter sido um ladrão, até que Meyer Offerman (Al Pacino), barbudo, curvado e com forte sotaque, aparece e explica que Ruth provavelmente foi alvejada e morta por um nazista. E por que alguém, mesmo um canalha do poder branco, se daria ao trabalho de invadir e matar a avó de Jonah? Bem, ela ajudou a estabelecer uma equipe de caçadores de nazistas. Financiado por Meyer, um empresário muito rico descrito como um tipo de Bruce Wayne, o grupo consiste em espiões, lutadores, vigaristas e decifradores de código, todos dedicados a – você adivinhou – caçar nazistas.

O jovem então é tentado a se juntar a esse esquadrão de semi-elite para encontrar e executar centenas, senão milhares, de criminosos de guerra nazistas que se infiltraram no solo dos EUA. Essa última parte é baseada em fatos reais. No final dos anos 70, depois que o governo americano aprovou leis facilitando a deportação de qualquer pessoa ligada ao regime nazista durante a guerra, homens e mulheres de verdade trabalharam duro para caçar esses criminosos de guerra e mandá-los embora. O que Hunters imagina é o que aconteceria se esses americanos adotassem uma abordagem vigilante em vez de ir aos tribunais.

Meyer afirma repetidamente que a guerra não acabou; “para esses homens e mulheres, a guerra só termina quando você está morto”. A princípio, Jonah não se sente parte da guerra deles porque não estava vivo durante o Holocausto, mas o show rapidamente cria circunstâncias que envolvem o jovem como soldado judeu. A partir daí, ele é empurrado e puxado entre se afirmar como um caçador ou ter empatia com os caçados, acreditando que existe uma maneira mais humana de responsabilizá-los. Será Jonah ingênuo e frágil por ficar chocado com as táticas do time? Ou ele está exercendo um melhor julgamento moral porque viveu fora das condições desumanas que enfrentaram?

Hunters vive em um mundo violento porque seus personagens acreditam que ainda estão em guerra. A afirmação permite um nível fantasioso de realização de desejo, bem como uma narrativa de ação convincente, e o thriller tortuoso também pode parecer torcido demais para seu próprio bem. Além da merda acima mencionada, o original da Amazon começa com o massacre de uma família inteira e apresenta inúmeras cenas de tortura sangrenta e brutal, algumas das quais refletem o que pessoas reais passaram durante o Holocausto.

No mundo do show, há uma conspiração massiva que pode destruir a América, então Jonah, Meyer e o resto da equipe não são os caçados ou os caçadores; eles são ambos, o tempo todo. Afinal de contas, Hunters é uma guerra.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

Filmes sobre idosos são poucos, e bons filmes sobre idosos, menos ainda. Os mais raros de todos são aqueles que nos dão a grande honra de recusar adoçar a pílula do envelhecimento e do declínio, sendo a sua honestidade uma espécie de bênção. É muito cedo para dizer se The Father (O Pai) pertence ao panteão com Amor (2012), Uma História Real (1999), Era uma Vez em Tóquio (1953) e A Cruz dos Anos (1937), mas é um filme para fazer você sentar no escuro por muito tempo depois que os créditos forem executados e olhar profundamente para as coisas das quais geralmente desviamos o olhar.

Sob demanda desde 26 de março, The Father é uma lembrança dos talentos prodigiosos de Anthony Hopkins, que tendemos a ignorar porque ele ainda está alojado na cabeça da cultura pop como Hannibal, o Canibal. Mas ao longo de sua carreira de seis décadas, Hopkins foi amplo e brilhante, e às vezes fez até as duas coisas ao mesmo tempo. Isso não é fácil de fazer! Aqui como Anthony, um viúvo tempestuoso de Londres cujo controle sobre a realidade lentamente se desgrudou no decorrer do filme, Hopkins o faz sensívelmente. Este é um desempenho magnífico e angustiante: como um leão no inverno lentamente caindo no chão.

O filme foi adaptado de uma peça de teatro mas The Father nunca parece teatral. Em parte, isso ocorre porque o cenário continua mudando em torno do protagonista, como se ajudantes de palco diabólicos estivessem movendo o apartamento sempre que ele se vira de costas.

The Father começa no apartamento de Anthony em Londres, ou parece. Ele ainda é o senhor do castelo, tirano o suficiente para afastar qualquer cuidador que sua filha Anne (Olivia Colman) ouse contratar. Mas vemos lacunas na sua armadura – possui uma certeza paranóica de que alguém, em algum lugar, roubou seu relógio de pulso, por exemplo.

O que Florian Zeller fez foi construiu uma ratoeira para Anthony e para o público: um retrato da demência vivida pelo sofredor. Anne retorna do supermercado, mas é uma mulher diferente (Olivia Williams) que diz que é Anne. Quando Anthony se pergunta por que faz tanto tempo desde que ele ouviu falar de sua outra filha, Laura – sua favorita, ele cruelmente cutuca Anne. E sobre seu apartamento, aquele pequeno pedaço de imóvel que assegura ao velho que ele ainda é seu próprio dono – por que ele muda sutilmente de dimensões e portas o tempo todo?

A direção é serena e firme, com um trabalho da câmera pregando peças graciosas no público e a atuação não poderia ser melhor. Colman dá a Anne camadas de tristeza, frustração e tolerância. Já Imogen Poots é encantadoramente gentil como a última cuidadora, aquela que pode durar. Mas o show é de Hopkins e todo mundo sabe disso.

The Father é implacável, como deveria ser, e sua redução de Anthony é completa e dura. Mas seria errado dizer que ele foi humilhado. O que acontecer com ele inevitavelmente acontecerá com você e eu e todas as pessoas que conhecemos, e Zeller acompanha essa lenta e assustadora despedida de Anthony com uma firmeza de olhar que chega a parecer a mais profunda simpatia. À sua maneira, The Father é uma bondade.

Anthony Hopkins concorre a Melhor Ator no Oscar 2021 pela atuação.

5 pipocas

Disponível na AppleTV.

Como todos sabemos, estes são tempos bastante sombrios (ficando um pouco mais leves na Europa, pelo menos), então a disponibilidade de Tão Diferentes Quanto Eu é uma boa opção no streaming. Distribuído nos Estados Unidos pela empresa cristã Pure Flix Entertainment, este é um filme de primeira linha baseado na fé, vários níveis acima da produção normal desse nicho de mercado. Tem um grande nome, estrelas familiares ao Oscar como Greg Kinnear, Renee Zellweger, Djimon Hounsou e Jon Voight) no elenco; cinematografia deslumbrante do mestre Don Burgess de Forrest Gump, Aquaman e Contato); e material fonte de alto nível do livro de histórias verídicas de Ron Hall, Denver Moore e Lynn Vincent. Mais importante ainda, possui uma história profundamente comovente construída sobre temas de redenção, perdão e amizade improvável, bem como uma rica veia de comentários sobre a falta de moradia e racismo enraizado no nosso mundo.

Ron Hall (Greg Kinnear) é um negociante de arte espalhafatoso e arrogante cuja vida dá uma grande reviravolta quando sua doce, santa, e obstinada esposa Debbie (uma excelente, mas quase irreconhecível Renee Zellweger) o pega tendo um caso. Em vez de gritar sobre sua infidelidade, Debbie reage com uma calma surpreendente, mas diz a ele que sua vida vai mudar. Ela não o chuta para o meio-fio, mas informa a Ron que ele agora será voluntário com ela no abrigo local para sem-tetos. Ron fica enojado no início, mas rapidamente se interessa pelo trabalho e, eventualmente, forma um forte vínculo com o imponente Denver Moore (Djimon Hounsou), um homem afro-americano que esconde uma história chocante de dor, abuso e falta de moradia.

Denver “assombra” Debbie quando ela percebe que ele está aparecendo há semanas em seus sonhos. Procurando por ele nas ruas, ela dá atenção extra a ele e encoraja Ron a fazer o mesmo. Conforme Denver passa a conhecê-los melhor, sua trágica história de vida abala Ron em seu âmago e ele estabelece um vínculo entre os homens que muda a visão de mundo do homem rico.

Nesse filme de estreia, o diretor e co-roteirista Michael Carney mostra uma mão firme e forte, obtendo atuações calorosas de seu grande elenco – Jon Voight também é ótimo como o pai malvado de Ron, e retrocedendo sensatamente nas cenas que poderiam ter mudado no sentimentalismo sob um comando menos contido.

A história principal se passa nos dias atuais, enquanto a de Denver de Hounsou compartilha suas histórias de infância em flashbacks narrados que o mostram falando sobre sua infância trabalhando em uma plantação colhendo algodão e sendo aterrorizado por homens de Klans encapuzados. É uma pequena parte de uma bela mensagem geral.

Para alguns o filme ocasionalmente parecerá se arrastar, mas aqueles que estão ansiosos para ver um filme com significado sobre pessoas profundas que não explodem umas às outras com armas super-heróicas deverão achar que seu ritmo cuidadoso é um bônus. O filme é diferente da maioria dos filmes de super bilheteria e vale a pena ver se você está procurando algo que o faça se sentir bem com a humanidade nesta era totalmente insana.

Tão Diferentes Quanto Eu é um show descaradamente emocional, que provoca sentimentos fortes e emocionantes unicamente em virtude de sua história e personagens; e não há necessidade de manipulação aqui. O filme praticamente brilha com positividade, calor e abrangência, e vai acertar você bem no coração.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

Se você não gosta de assistir a filmes sobre pessoas horríveis fazendo coisas horríveis, você provavelmente vai querer pular Eu Me Importo (I Care A Lot) de J. Blakeson. Porém se você, como eu, é um fã zeloso do pequeno, mas crescente “gênero” dos filmes de assalto lésbico – que inclui A Criada e o subestimado Poderia Me Perdoar? – então você pode se divertir com este filme cínico e clínico impregnado dos horrores do capitalismo e da ganância. O prazer do filme provavelmente se correlaciona diretamente com a capacidade de uma pessoa para ser insensível. Eu Me Importo é perverso do início ao fim e, infelizmente, também é, em última análise, um vazio em sua representação de monstros famintos por dinheiro.

A vigarista gay no centro da história é Marla Grayson, interpretada por Rosamund Pike em seu melhor papel desde Garota Exemplar. Marla faz uma megavigarista de olho na tutela legal de idosos endinheirados. Ela é conivente com médicos e administradores em lares de idosos para assumir o controle da vida dessas pessoas desavisadas, impedindo que suas famílias se envolvam. É um crime perfeito. A busca brutal de Marla por riqueza é horrível. Ela vê seus encargos apenas em termos de cifrões. E quando ela finalmente encontra um obstáculo em sua idealização, não é porque algum herói ou executor da justiça se intrometeu. É porque ela se encontra lutando contra pessoas tão sinistras quanto ela.

Sua última vítima é boa demais para ser verdade: uma mulher rica, solteira e sem família chamada Jennifer Peterson (Dianne Wiest), que mostrou alguns pequenos sinais de perda de memória, mas sua médica não tem problemas em exagerar nesses sintomas para obter uma audição de emergência para que Marla possa roubá-la. Mas Jennifer é realmente boa demais para ser verdade. E ela está conectada a algumas pessoas muito más. Marla encontra nisso um desafio e, em vez de recuar, ela se diverte com isso. Ela gosta de desafios.

Não há heróis em Eu Me Importo. Marla desde o início já afirma que não existem pessoas boas e, embora eu obviamente discorde, acredito plenamente que ela acredita nisso. E também é verdade que este filme carece de bondade. É um filme onde os bandidos estão lutando contra os bandidos, e isso é surpreendentemente, e perversamente, divertido.

Apesar de todo o egoísmo e crueldade casual, o filme não é totalmente desprovido de relacionamentos interpessoais. Roman, o mafioso russo de Peter Dinklage, é implacável, mas também ama sua mãe.

Já a parceira de negócios de Marla, Fran (Eiza González), e também sua parceira de amor, têm um relacionamento surpreendentemente convincente com ela. O sexo delas é bem baunilha, mas de certa forma, não é aí que está a verdadeira intimidade para elas. Há mais fogo na maneira como elas se olham ao executar um assalto. Elas ativam a ganância uma da outra, famintas uma pelo outra, mas também pelo que fazem uma pelo outra. Não é romântico, mas é erótico.

A direção de J Blakeson adiciona um brilho elegante que é eficaz. Isso anima a escuridão do filme, mas não romantiza a vida de Marla ou suas ações. Na verdade, aquele trabalho de câmera habilidoso apenas enfatiza o quão malvados todos são, fornecendo um pano de fundo iluminador para sua depravação moral. Há algo mais perturbador em assistir a uma narrativa sombria em tecnicolor brilhante. Marla se move pela vida em ternos ousados ​​de uma única cor e um cabelo louro cortado como uma escultura de gelo, sempre segurando uma caneta que pode riscar sua vida.

O motivo de Marla é simples: ela quer sucesso e poder e acredita que não se pode conseguir essas coisas sem jogar sujo. Além dessa visão de mundo em preto e branco, pouco ganhamos com a interioridade de Marla. Ela parece menos uma pessoa real e mais um símbolo do descaso mundano.

Eu Me Importo é uma acusação contundente da corrupção que polui os tribunais, os cuidados de saúde, os cuidados de idosos com fins lucrativos e, acima de tudo, a tutela sancionada pelo estado, que retira os idosos e deficientes de seu livre-arbítrio.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Após os anos de uma guerra fria entre fanboys e executivos da Warner, a Liga da Justiça de Zack Snyder estreou exclusivamente no serviço de streaming HBO Max para um público sedento e, finalmente, recebeu um selo de aprovação dos fãs e da maioria dos críticos . Alguns já o chamaram de um dos melhores filmes de super-heróis de todos os tempos. Muito longe da resposta à Liga da Justiça de 2017; um saco de pancadas da crítica que fez Warner Bros. perder cerca de US $ 60 milhões.

Ambos os filmes seguem a mesma linha básica: Batman (Ben Affleck), Mulher Maravilha (Gal Gadot), Superman (Henry Cavill), Aquaman (Jason Momoa), The Flash (Ezra Miller) ) e Cyborg (Ray Fisher) se unem e lutam contra a crescente ameaça dos supervilões Steppenwolf (Ciarin Hinds) e Darkseid (Ray Porter).

Reuni aqui as principais razões pelas quais “o corte de Snyder” é muito melhor do que a bagunça quente que veio e foi odiada quatro anos atrás:

1. A Liga da Justiça de Zack Snyder é a visão de um cineasta, e não um filme feito por um comitê.

Em 2016 quando Batman vs Superman: A Origem da Justiça estreou e arrebentou, Zack já estava produzindo Liga da Justiça de Zack Snyder porém, devido a uma perda familiar devastadora (a morte de sua filha), Snyder deixou o projeto. Então, na sede de lucro os executivos decidiram subtituí-lo por Joss Whedon. O resultado foi mudar o clima sombrio de A Origem da Justiça e tentar torná-lo parecido com a Marvel – mais alegre, mais piadas. Ou seja, deu tudo errado.

Já com Snyder na cadeira de diretor: espetacular!

2. Snyder faz escolhas artísticas genuinamente ousadas aqui, e elas compensam.

A cara sombria do Batman vs Superman é bem mais interessante. Além disso, após a pandemia do coronavírus, a produção de filmes em estúdio de Hollywood e as salas de cinema provavelmente terão mudado para sempre. O sucesso absurdo de estréias por streaming provam que algumas audiências ficam felizes em assistir a primeira exibição de entretenimento de casa.

3. Os vilões estão bem melhores nesta versão da Liga da Justiça.

Em 2017 o vilão Steppenwolf era insípido e com pouca personalidade. Já nesse corte novo o design de Steppenwolf é muito mais intrincado, impressionante, louco e até um pouco enervante. Sem contar que Darkseid, o vilão mais poderoso, é ausente no corte de Whedon.

4. Cyborg.

A maior vítima do filme de 2017 foi o Cyborg de Fisher, cuja história de fundo foi abandonada quase completamente. Já com Snyder, Victor Stone é muito valorizado e sua trágica história de fundo e relacionamento falho com seu pai cientista é, de fato, o coração do novo filme.

5. O Universo DC finalmente parece coeso – até mesmo emocionante.

O corte de Snyder é de exposição intensa e nunca menos do que visualmente deslumbrante. A Liga da Justiça de Zack Snyder pacientemente estabeleceu nossos heróis, seus relacionamentos – e a ação espetacular final vale a pena esperar.

5 pipocas!

 

O filme Silenciadas (Coven of Sisters) da Netflix é um drama histórico ambientado durante a Inquisição Espanhola, quando homens que sabiam tudo sobre o inferno, Satanás e o pecado viajaram pelo país queimando bruxas na fogueira. Ou, mais precisamente, bruxas acusadas – mas são bruxas de verdade?

Vemos de cara que umas chamas lambem o céu, cortando a escuridão, e não, essas não são fogueiras de campistas felizes com histórias de terror e cantos. O juiz Rostegui (Alex Brendemuhl) e seu leal conselheiro Salazar (Daniel Fanego) estão concluindo sua última queima na fogueira do que absolutamente deviam ser mulheres blasfemas amantes do demônio, e certamente não havia explicação mais lógica para seu comportamento . Esses dois homens nada encantadores ordenaram 77 execuções, mas estranhamente não parecem estar acostumados com o cheiro de carne queimada, e só podemos esperar que isso nunca saia de suas narinas.

 

Dali a próxima parada é uma cidade litorânea onde os homens pescam no mar e as mulheres são deixadas por conta própria – então, obviamente, elas vão tramar algo ruim e não se pode confiar que não vão para a floresta, dançar e cantar e convocar o Grande Cornudo, que chegará para cobrir o mundo de escuridão e fazer todos pensarem em sexo. Isso é 1609 no País Basco.

Rostegui e seus soldados de armaduras prendem Ana (Amaia Aberasturi), Katalin (Garazi Urkola), Maria (Yune Nogueiras), Maider (Jone Laspiur), Olaia (Irati Sáez de Urabain) e Oneka (Lorena Ibarra), deixam-nas apenas de roupas íntimas e as jogam em uma masmorra. Elas só saíram juntas uma vez e dançaram mas, obviamente não foi uma diversão inofensiva e sim um ritual de sacrifício: um sabbath. Assim, sob os olhares do Padre Cristóbal (Asier Oruesagasti) os interrogatórios começam, com um pouco de iluminação a gás no início, e depois com tortura física enquanto Rostegui e seus cúmplices tentam encontrar uma marca invisível que Satanás deixa nas mulheres.

Essas pobres mulheres não podem simplesmente sentar lá e aceitar, então elas bolam um plano: elas darão a esses obstinados dogmáticos o que eles querem e atrasarão suas execuções por tempo suficiente para que seus pais voltem de suas expedições de pesca e ponham um basta naquilo. Ana é esperta e na primeira oportunidade os seduz, com gemidos que ela faz “quando Lúcifer emerge das profundezas antigas para agradá-la com seu cetro pontudo”. Rostegui está tão interessado no que ela tem a dizer que mal consegue esconder sua ereção por trás de uma dúzia de camadas divinas de mantos. Ela promete assim mostrar a ele todos os prós e contras de um SABBATH na próxima lua cheia. E a curiosidade dos inquisidores é tamanha que eles adiam a execução.

Receio estar fazendo Silenciadas parecer um filme B lascivo, quando na verdade é um drama discreto que guarda a maior parte de suas grandes aberturas para o ato final. O filme cai bem entre os tropos usuais da ficção histórica e o terror atmosférico, com o diretor Pablo Aguero optando por muitas velas e luz natural para um realismo assustador ideal. São 90 minutos tensos e densos que falam sobre a misoginia religiosa histórica. Mas sua energia feminista é justa, e os homens vilões são tão feios e estúpidos em seu exercício de poder que você vai querer vê-los envergonhados e castrados. Isso não é spoiler – o final pode satisfazer alguns e não a outros, mas funciona bem como uma peça de gênero que mostra ideias do bem e do mal.

Silenciadas é uma surpresa agradável à espreita em seu menu Netflix.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

O Oscar 2021 vai SIM acontecer. E a prova disso é que foram divulgados, nesta segunda (15), os indicados pela Academia.

– Mas e o vírus, Pedroka?!

Por conta da pandemia do coronavírus, a cerimônia que esta marcada para o dia 28 de Fevereiro foi transferida para o dia 25 de abril. E ela será presencial, mas, por causa da crise sanitária, a transmissão ao vivo acontecerá de vários locais diferentes. Outros detalhes sobre as mudanças preparadas para o dia do evento ainda não foram divulgados.

Essa edição irá marcar várias primeiras vezes numa edição do Oscar, provando que novos rumos podem e devem ser tomados. A Academia vem abrindo muitos espaços no mundo cinematográfico e isso é novidade. Antes era bem mais difícil ser reconhecido. É a primeira vez em 93 edições que duas mulheres são indicadas a melhor direção; é a primeira vez que um asiático é indicado a melhor ator com Steve Yeun; é a primeira vez que um muçulmano é indicado a melhor ator com Riz Ahmed e, finalmente, é a primeira vez que a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood passou a aceitar inscrições de filmes transmitidos por plataformas de streaming – antes, os concorrentes precisavam ser exibidos por um determinado período de tempo em cinemas de Los Angeles,

Outros destaques são que, Anthony Hopkins está concorrendo mais uma vez a melhor ator; Chadwick Boseman (1976-2020) recebeu a sexta indicação póstuma de um ator na categoria principal na história da premiação com “A voz suprema do blues” – apenas Peter Finch (1916-1977) ganhou, em 1977, por “Rede de intrigas”; “Mank” foi o filme mais lembrado, com 10 indicações; 6 filmes receberam 6 indicações cada: “Minari”, “Nomadland”, “Meu pai”, “Judas e o messias negro”, “Os 7 de Chicago” e “O som do silêncio”; e “Bela vingança” e “A voz suprema do blues” aparecem em seguida, com 5 indicações cada um.

Veja, abaixo, a lista completa dos indicados ao Oscar 2021:

Melhor filme

“Meu pai”
‘”Judas e o messias negro”
“Mank”
“Minari”
“Nomadland”
“Bela vingança”
“O som do silêncio”
“Os 7 de Chicago”

Melhor atriz

Viola Davis – “A voz suprema do blues”
Andra Day – “Estados Unidos Vs Billie Holiday”
Vanessa Kirby – “Pieces of a woman”
Frances McDormand – “Nomadland”
Carey Mulligan – “Bela vingança”

Melhor ator

Riz Ahmed – “O som do silêncio”
Chadwick Boseman – “A voz suprema do blues”
Anthony Hopkins – “Meu pai”
Gary Oldman – “Mank”
Steve Yeun – “Minari”

Melhor direção

Thomas Vinterberg – “Druk – Mais uma rodada”
David Fincher – “Mank”
Lee Isaac Chung – “Minari”
Chloé Zhao – “Nomadland”
Emerald Fennell – “Bela vingança”

Melhor atriz coadjuvante

Maria Bakalova – “Borat: fita de cinema seguinte”
Glenn Close – “Era uma vez um sonho”
Olivia Colman – “Meu pai”
Amanda Seyfried – “Mank”
Yuh-Jung Youn – “Minari”

Melhor ator coadjuvante

Sacha Baron Cohen – “Os 7 de Chicago”
Daniel Kaluuya – “Judas e o messias negro”
Leslie Odom Jr. – “Uma noite em Miami”
Paul Raci – “O som do silêncio”
Lakeith Stanfield – “Judas e o messias negro”

Melhor filme internacional

“Druk – Mais uma rodada” (Dinamarca)
“Shaonian de ni” (Hong Kong)
“Collective” (Romênia)
“O homem que vendeu sua pele” (Tunísia)
“Quo vadis, Aida?” (Bósnia e Herzegovina)

Melhor roteiro adaptado

“Borat: fita de cinema seguinte”
“Meu pai”
“Nomadland”
“Uma noite em Miami”
“O tigre branco”

Melhor roteiro original

“Judas e o Messias negro”
“Minari”
“Bela vingança”
“O som do silêncio”
“Os 7 de Chicago”

Melhor figurino

“Emma”
“A voz suprema do blues”
“Mank”
“Mulan”
“Pinóquio”

Melhor trilha sonora

“Destacamento blood”
“Mank”
“Minari”
“Relatos do mundo”
“Soul”

Melhor animação

“Dois irmãos: Uma jornada fantástica”
“A caminho da lua”
“Shaun, o Carneiro: O Filme – A fazenda contra-ataca”
“Soul”
“Wolfwalkers”

Melhor curta de animação

“Burrow”
“Genius Loci”
“If anything happens I love you”
“Opera”
“Yes people”

Melhor curta-metragem em live action

“Feeling through”
“The letter room'”
“The present”
‘”wo distant strangers”
“White Eye”

Melhor documentário

“Collective”
“Crip camp”
“The mole agent”
“My octopus teacher”
“Time”

Melhor documentário de curta-metragem

“Collete”
“A concerto is a conversation”
“Do not split”
“Hunger ward”
“A love song for Natasha”

Melhor som

“Greyhound: Na mira do inimigo”
“Mank”
“Relatos do mundo”
“Soul”
“O som do silêncio”

Canção original

“Fight for you” – “Judas e o messias negro”
“Hear my voice” – “Os 7 de Chicago”
“Husa’vik” – “Festival Eurovision da Canção: A saga de Sigrit e Lars”
“Io sì” – “Rosa e Momo”
“Speak now” – “Uma noite em Miami”

Maquiagem e cabelo

“Emma”
“Era uma vez um sonho”
“A voz suprema do blues”
“Mank”
“Pinóquio”

Efeitos visuais

“Problemas monstruosos”
“O céu da meia-noite”
“Mulan”
“O grande Ivan”
“Tenet”

Melhor edição

“Meu pai”
“Nomadland”
“Bela vingança”
“O som do silêncio”
“Os 7 de Chicago”

Melhor design de produção

“Meu pai”
“A voz suprema do blues”
“Mank”
“Relatos do mundo”
“Tenet”

Melhor fotografia

“Judas e o messias negro”
“Mank”
“Relatos do mundo”
“Nomadland”
“Os 7 de Chicago”

Me arrisco a dizer que Um Príncipe em NY 2 (Coming 2 America) ??pode ser uma das sequências mais tardias de Hollywood, atingindo 33 anos após a estreia de Um Príncipe em NY ??original em 1988; mas a espera valeu a pena por causa de sua direção mais confiante, com música e espetáculo aprimorados, além de uma camada certeira de referências engraçadas que aumentam muito o fator de diversão para os fãs do primeiro longa.

Para quem não se lembra, a comédia original de John Landis funcionou, dando a Eddie Murphy credenciais redentoras de atuação como um príncipe africano de Zamunda, Akeem, que, junto com seu companheiro Semmi (Arsenio Hall), busca encontrar e se casar com uma mulher inteligente e independente na América.

Com Craig Brewer na cadeira do diretor, Um Príncipe em NY 2 ??se passa três décadas depois quase como um musical de redenção completo com uma lista de verificação politicamente correta de novas convenções populares ultrasseguras: o amor conquista tudo, as mulheres merecem respeito, os velhos hábitos devem ser substituídos por os novos e os ditadores militares são apenas dançarinos mal-entendidos com armas de fogo.

O replay do clássico ??começa com uma vibe idílica de O Rei Leão, onde agora o Rei Akeem (Murphy) desperta com sua Rainha Lisa (por Shari Headley) para começar mais um dia de seu longo e pacífico reinado. Seu pai, o ex-rei Jaffe Joffer (com o grande James Earl Jones novamente), está morrendo e o lembra de que, segundo a lei, apenas seu filho pode ser o herdeiro do trono. Só que até agora, Akeem gerou três filhas.

“A vergonha deve ser insuportável!” diz o general Izzi (com Wesley Snipes como o ditador ameaçador de um país vizinho).

Então aí vem a surpresa.

Rei Jaffe informa Akeem que ele tem um filho, aparentemente produzido quando ele teve um namoro de uma noite induzido por drogas com uma festeira do Queens chamada Mary (Leslie Jones). Então, o Rei Akeem e Semmi voltam pra a Grande Maçã para encontrar e trazer para casa o herdeiro recém-descoberto, que atualmente é um cambista de rua chamado Lavelle Junson (Jermaine Fowler). E quando Lavelle e Mary finalmente concordam em se mudar pra Zamunda,a comédia se torna uma ode ao peixe fora d’água, com o jovem lutando para se endireitar às condições de seu direito a primogenitura.

Um Príncipe em NY 2 ??possui um contagiante senso de diversão com cores vivas, coreografias enérgicas e um roteiro repleto de referências e presença de famosas celebridades negras como Morgan Freeman, o grupo de R&B dos anos 90 En Vogue e John Legend (assista até depois dos erros). E todos os personagens cômicos de Murphy estão aqui, incluindo Randy Watson e sua banda Sexual Chocolate.

A continuação aqui atinge exatamente o que uma sequência eficaz deveria: reforça os temas do filme original ao mesmo tempo que oferece novos e intrigantes pontos de tensão, acenando para velhas piadas de uma forma que recompensa os fãs sedentos sem alienar os novatos.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

Quando a Walt Disney Animation Studios chegar ao seu 60º longa-metragem – que será com Encanto em 2022, ela se encontrará em um momento interessante e novo. Esse momento tem início agora em Raya e o Último Dragão, que promete ser o sucesso do modelo streaming e que cruzará a linha entre o respeito aos tropos da era clássica da Disney e um refletir da diversidade moderna de vozes atual.

A história se desenrola em uma terra mística anteriormente conhecida como Kumandra, onde gerações anteriores aos dragões protetores do mundo combinaram seus poderes para derrotar um grande mal violento conhecido como Druun. Este poder foi contido pelo último dragão Sisu (Awkwafina) em um orbe, mas o desejo da humanidade por este poder dividiu o reino em 5 regiões diferentes, com o tal orbe guardado no reino Coração da Terra.

500 anos depois, a princesa de Coração, Raya (Kelly Marie Tran) e seu pai amoroso Benja (Daniel Dae Kim) buscam unir as várias regiões e, finalmente, trazer de volta a harmonia de Kumandra. Mas as velhas lutas humanas ainda persistem, mergulhando o reino de volta no caos escuro, deixando Raya para embarcar em uma jornada para encontrar o último dragão.

Um estúdio tradicional precisa se conectar com o atual e fez isso com uma calorosa mensagem de confiança e unidade nesses momentos em que talvez sejam mais necessários. Raya e o Último Dragão fez grande uso das fórmulas da Disney para entregar outra história de princesa pronta para a ação, e com temas sinceros que acompanham os novos tempos. O cenário e os personagens são admiravelmente honestos e também defeituosos, embuídos com algumas verdades duras sobre a humanidade trazidas ao centro desta forte história sobre a busca da paz, sobre a violência da escuridão e o impacto que a desconfiança e divisão nos trás.

Algumas das muitas piadas abrilhantam tudo principalmente graças ao conflito entre o cenário mítico e momentos de diálogo coloquial adolescente, então, novamente, o trabalho tenta se conectar com o século 21 moderno. Esta é uma aventura promissora, acompanhada por um poder visual absolutamente lindo, repleto de esplêndido estilo de animação e espírito colorido de absorção. Já na trilha trilha de James Newton Howard captura-se um pouco do cool moderno aliado ao poder místico de um coração arrebatador. É arrepiante. Este filme fica perfeito em casa na tela grande.

Kelly Marie Tran se destaca como a voz de Raya, uma jovem motivada que é movida por uma causa pessoal em sua jornada. Ela é uma grande pessoa que se torna brilhantemente identificável por seus próprios contratempos e medos humanos. Ela é acompanhada por uma série de personagens secundários como: o tatu/percevejo/pangolim Tuk Tuk (Alan Tudyk), a bebê vigarista (Thalia Tran) e seus companheiros animais, o enérgico cozinheiro infantil Boun (Isaac Wang) e o adorável guerreiro Tong (Benedict Wong). Há também grandes motivações na interpretação de uma carismática Awkwafina como Sisu – que tem uma vibração quase o Mushu de Eddie Murphy com ainda mais espiritualidade. Já Gemma Chan encarna a princesa guerreira rival Namaari, cuja personagem realmente floresce entre o elenco de apoio ao longo do filme, e se torna uma espécie de reflexo mais sombrio da protagonista de Tran.

Raya e o Último Dragão é um mito deslumbrantemente completo, pungentemente positivo e uma empolgante aventura familiar que em geral triunfa cinematograficamente e se torna fascinante.

5 pipocas!

Disponível no Disney+ para assinantes com Premier Access e em cartaz no UCI Bosque Dos Ipês (Legendado as 16h15 e Dublado as 14h.