Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

7 depois que a Terra foi invadida por um apocalipse de monstro mutante, Joel Dawson (Dylan O’Brien) deixa sua colônia subterrânea para encontrar sua namorada Aimee (Jessica Henwick). Pode o jovem sem habilidades de sobrevivência fazer a viagem de 136 km para se reconectar com o amor de sua vida?

Indicado na categoria do Oscar de Melhores Efeitos Visuais deste ano, Amor e Monstros é um presente inédito. A brincadeira divertida do diretor Michael Matthews não vem de nenhum jogo famoso, não é nada mirabolante classe A da ficção científica e nem é o título mais esperado pelo público. Só que cresce em nível por conta da inteligência, invencionismo e um tom cuidadosamente pré-julgado de apocalipse distópico. Julgo ser uma pena a Covid-19 ter impedido a estréia no cinema pois o seu imaginário merecia um grande ecrã e o seu instinto de aventura merecia casa cheia.

A premissa é apresentada em narração e em elegantes esboços ilustrados. Para evitar que o asteróide gigante Agatha 616 destrua a Terra, os cientistas desenvolveram uma série de foguetes que explodiram a rocha em pedacinhos. A desvantagem é que os compostos químicos empregados para lançar os mísseis caíram de volta à Terra e transformaram o reino animal no tipo de monstros mutantes amados por Ray Harryhausen (o pai da animação). Sob esse cerco, a raça humana posteriormente se escondeu em bunkers subterrâneos. O desastre foi um momento particularmente ruim para o nosso narrador Joel (Dylan O’Brien), que estava prestes a “ficar’ com a nova namorada Aimee (Jessica Henwick) quando o casal teve que se separar e se esconder em diferentes colônias. 7 anos depois, quando Joel, o único solteirão em um bunker cheio de casais se sente sozinho e inútil após uma invasão alienígena, ele decide que fará a jornada de 136 quilômetros acima do solo para se reunir com seu amor.

Por sua própria natureza, Amor e Monstros é episódico e uma jornada envolvente. Os visuais de um mundo invadido por criaturas gigantes – como uma teia de aranha que cobre o exterior de uma casa ou as bicicletas alojadas no alto das copas das árvores – são imaginativos e os monstros, incluindo centopéias, sapos, caracóis e caranguejos, são diversos e projetados com personalidade.

O’Brien é um guia agradável através do caos, interpretando um idiota inútil e crível em desacordo com seu status de herói. Há alguma bobagem temática sobre a recusa em se estabelecer (mesmo em um mundo pós-apocalíptico) que realmente acerta, e Matthews e os roteiristas Brian Duffield e Matthew Robinson dão aos personagens tempo suficiente para respirar e registrar isso, sem nunca economizar na ação dos insetos enormes. O final deixa as coisas em aberto para uma sequência e pela primeira vez, isso seria muito bem-vindo.

Amor e Monstros é uma explosão; um filme de monstros despretensioso e imensamente vencedor, repleto de grandes criaturas sci-fi e um elenco agradável. Como modelo para fazer um filme de verão enxuto e menos inchado, esse é quase uma aula obrigatória.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Uma família é atormentada por ocorrências estranhas dentro de sua casa, enquanto a cidade em que vivem enfrenta uma tragédia própria. O que transparece é algo que você nunca esperaria, deixando sua mandíbula permanentemente fixada no chão. Dirigido por Adam Randall (iBoy) e escrito por Devon Graye, À Espreita do Mal é um thriller completamente imprevisível, original, entorpecente e totalmente distorcido.

Jackie Harper (Helen Hunt) encontra sua família dividida após a infidelidade de sua parte.

Seu filho Connor (Judah Lewis) está cheio de ressentimento em relação a ela;

e seu marido detetive Greg (Jon Tenney) se enterrou em seu trabalho.

Sua cidade está sofrendo com o desaparecimento de um menino, que lembra um caso de décadas atrás da mesma natureza. Greg está liderando o caso, o que deixou muitos se perguntando se eles colocaram o homem errado na prisão ou se um imitador está em cena.

Em casa, cada membro da família Harper começa a notar acontecimentos bizarros lá dentro. No entanto, eles os descartam em sua maior parte. Jackie descobre que todos os talheres estão faltando, por exemplo, mas culpa um reparador de janelas pelo roubo, e Greg começa a notar que as fotos de família estão desaparecendo. Ambos começam a suspeitar de seu filho por outras estranhezas, mas ele jura não saber nada sobre eles.

Com tantos mistérios envolvendo sua família, tanto profissionalmente quanto pessoalmente, Jackie não conseguirá ver exatamente o que aconteceu.

No início, você espera que este filme seja um thriller tradicional. Há muita coisa acontecendo em termos de enredo: é um drama familiar com uma subtrama de sequestro. Lentamente, somos apresentados a outro aspecto do filme, esse tipo de mistério sobrenatural do que está acontecendo dentro de sua casa. Com objetos desaparecendo, sons estranhos e muito mais.

Esta família está lidando com um fantasma ou o filho está realmente agindo mal?

Este filme está repleto de tanto, embora equilibre os dramas perfeitamente.

No meio do filme é onde ocorre uma virada extrema, diferente de tudo que você possa imaginar. É preciso uma perspectiva que não é nem remotamente provocada no resumo do enredo, e algo que é mantido de fora dos trailers (ainda bem). O tom muda um pouco e o ímpeto desacelera, mas leva este filme a um nível totalmente novo.

O terceiro ato é onde este filme continua a chocar e explodir sua mente. É tão incrivelmente inventivo, surpreendente e uma das melhores reviravoltas que já vi. À Espreita do Mal é verdadeiramente um daqueles thrillers emocionantes que não decepcionam.

Obs: Owen Teague (The Stand) absolutamente rouba o show, entregando uma performance incrível. Eu não posso revelar muito sobre seu personagem, já que ele entra em território de spoiler, mas sua trajetória é confusa e distorcida da melhor maneira.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Em Vozes e Vultos de Robert Pulcini, quando um jovem casal – Catherine de Amanda Seyfried e George de James Norton – chega pela primeira vez em sua nova casa, uma encantadoramente pobre fazendinha no Vale do Hudson com “vigas históricas”, tudo parece novo e empolgante. Mas Catherine está menos do que emocionada com suas novas acomodações e, mesmo antes que os segredos da casa comecem a borbulhar, o trabalho de câmera intencionalmente alienante nos mostra que ela está certa em ser cautelosa e por mais razões do que ela pode imaginar ainda.

É o início de 1980 e George, tendo terminado recentemente a escola de graduação, mudou-se com Catherine e sua filha para fora da cidade de Nova York para aceitar o cargo de professor em uma Universidade pequena, mas de muito prestígio. Pistas sobre a história sombria da casa dão lugar a percepções de que George está escondendo algo de Catherine; e é mais do que só o destino dos proprietários anteriores.

A trama pode tecnicamente acontecer nos anos 80 – no início da década, longe de um centro urbano – mais ainda assim são os tons marrons, verdes e amarelos dos anos 1970 que prevalecem aqui. Isso combina perfeitamente com Pulcini, que fez um excelente trabalho trazendo beleza sinistra a filmes como em Só Deus Perdoa e Calvário. Todos eles bebem da mesma fórmula criada a base de ângulos amplos e cores saturadas que estão fora de lugar.

Isso é o que define a atmosfera. Os sustos, por outro lado, muitas vezes surgem do anti-susto dessa escola nova do terror que faz o medo apenas estar lá o tempo todo. Você sabe, aquele do tipo em que a câmera segue uma pessoa passando por uma porta onde já tem um espectro simplesmente parado e fixo lá, com o público tendo registrado o choque e a ameaça antes que o personagem. O medo é subjetivo, claro, mas esse tipo de coisa me pega todas as vezes, me deixando com arrepios que duram mais do que o choque de um barulho alto repentino ou o que quer que seja.

E ainda há outra tradição à qual Vozes e Vultos pertence. Catherine tem um distúrbio alimentar, uma pista precoce de que este é um filme que segue os passos de incontáveis outros personagens como em Arraste-Me para o Inferno e O Bebê de Rosemary – onde o horror mais profundo é o de ser uma mulher em um mundo que define você em termos impossivelmente restritivos e punitivos. A mudança de Catherine da cidade para o campo não foi ideia dela; como artista, ela teria preferido estar mais perto de pessoas com pensamentos semelhantes. Mas essa não é a primeira nem a última vez que ela se vê esbofeteada pelos ventos da tradição, cultura e do sobrenatural.

Como é o caso da maioria dos melhores filmes de terror, os fantasmas e espíritos não são realmente os bandidos aqui. Eles são apenas o que dá forma a um mal que já existe no mundo. Nós nem conhecemos todos os habitantes etéreos da casa; e há uma sugestão extremamente intrigante de que George está enfrentando sua própria batalha particular com um demônio diferente daquele que assombra Catherine. Vozes e Vultos pode fazer você se perguntar: o problema é o meu fantasma ou é o fantasma do outro?

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

A ciência, ao que parece, pode causar a morte de todos nós – mas também é a única coisa que nos salvará. Originalmente programado para ser lançado durante a ascensão da maior pandemia da história viva, Radioactive (Radioativo) conta uma história oportuna sobre o enigma moral no cerne de todas as conquistas humanas: que incríveis e lindas descobertas científicas são quase sempre equilibradas por nossa própria capacidade de ferrar tudo.

A cientista polonesa pioneira Marie Curie (Rosamund Pike) descobriu o polônio e o rádio no final do século 19 e seu trabalho foi a base de pesquisas que deram ao mundo a energia nuclear limpa, as máquinas de raio-X móveis e a radioterapia que salva vidas. Ao mesmo tempo, porém, também fez “surgir” o envenenamento por radiação, o desastre de Chernobyl e a invenção da bomba atômica. É difícil dizer se a descoberta de Curie tirou mais vidas do que salvou, mas o filme nada convencional da diretora Marjane Satrapi nunca nos deixa esquecer essa possibilidade.

Meio filme biográfico de Marie Curie, meio filme biográfico da própria radiação, o filme vai e volta no tempo para seguir traumas de infância de Curie; luta por aceitação acadêmica; questões de gênero; casos de amor explosivos e subsequente vergonha pública – ao mesmo tempo que nos leva a Hiroshima, locais de teste nuclear e enfermarias modernas de câncer.

Quase tão apaixonada pela ciência quanto a própria Curie, a diretora Satrapi aperta os olhos sobre os pequenos detalhes sempre que possível, mudando constantemente o escopo de uma visão panorâmica da história global para um estudo microscópico de como era difícil extrair um décimo de grama de cloreto de rádio de um balde cheio de pedras.

Rosamund Pike se recusa a deixar Curie ser o rosto frio dos livros de história ou o coração frágil que emerge de sua trágica vida privada. A Curie de Pike é contundente, teimosa e ocasionalmente rude, mas também é extremamente simpática – ainda mais quando as coisas começam a dar errado.

Sam Riley dá um bom apoio como o marido quase igualmente brilhante de Curie, Pierre;

E Anya Taylor-Joy irradia a filha Irene, mas este é o filme de Pike do início ao fim: um testemunho terno, atencioso e profundamente desenhado para uma mulher cuja vida permanece tão complicada quanto seu legado.

O roteiro parece ocasionalmente genial, e a visão de Satrapi realmente consegue atender à sua própria ambição de contar uma história tão grande e tão pequena ao mesmo tempo. É difícil não se admirar pelo filme. Marie Curie foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Nobel da Paz e suas descobertas mudaram o mundo inteiro, para melhor ou para pior. Mas só quando você vê que o custo está pesado em sangue, suor e lágrimas que brilham no escuro, é que você realmente entende o que tudo isso significa.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

3 anos atrás, o diretor Joe Penna e seu co-roteirista Ryan Morrison, fizeram sua estreia no cinema com Ártico, uma história de sobrevivência sobressalente estrelando um Mads Mikkelsen preso na neve esperando resgate. O filme foi cativante em seu eufemismo e uso do silêncio – era praticamente sem diálogos – e um exercício fascinante na exploração das minúcias detalhadas da natureza humana.

Agora, Penna e Morrison estão de volta com uma premissa semelhante em uma escala um pouco maior: Passageiro Acidental é uma história de sobrevivência no espaço, com quatro personagens em uma missão condenada a Marte. É uma versão inteligente de um gênero familiar com um elenco incrível, e a queima lenta de tempo pode ser o que mais nos atrái nesse drama de corrida contra o tempo. Penna e Morrison estabeleceram os personagens de forma eficaz com os diálogos leves de Toni Collette, Anna Kendrick, Daniel Dae Kim e Shamier Anderson conversando entre si enquanto tratam de várias emergências. E a razão fundamental pela qual eles se encontram em sua situação principal é inesperada.

Em um futuro próximo, uma equipe partirá em uma viagem de 2 anos a Marte. Collette estrela como a comandante da nave, Marina Barnett, que está fazendo sua terceira e última jornada para a colônia lá. Kendrick é a pesquisadora médica da missão, Zoe Levenson; e Kim é o biólogo David Kim, que está estudando as possibilidades respiratórias das algas. Eles foram escolhidos entre milhares de candidatos e passaram por um treinamento extensivo mas, o filme revela de maneiras pequenas e sutis que esses 2 são realmente pessoas normais e não astronautas super-humanos. A trama representa a viagem espacial, pelo menos inicialmente, não como um processo que é suave e tranquilo, mas sim um que abala você até os ossos e até o seu âmago.

Embora todos estejam otimistas e forneçam respostas polidas e superficiais durante uma entrevista inicial para a televisão do espaço, seu trabalho educado fica abalado com a percepção de que eles não estão sozinhos. Há um homem a mais que não deveria estar – Michael Adams (Anderson). Como esse tipo de coisa é possível? Uma explicação para a presença de Michael a bordo parece extremamente inacreditável. Ele compreensivelmente enlouquece quando percebe que está no espaço e Anderson torna sua sensação de pânico palpável. Além disso, ele deixou sua irmã mais nova, para quem ele serve como tutor legal, sozinha em casa.

A partir daí, literalmente, uma coisa acontece após a outra, mas Penna retrata o sentimento crescente de destruição não com uma pontuação desesperadora, mas sim crucial através de longos tiros de rastreamento e pedaços de conversas abafadas em corredores distantes. Como em Ártico, ele é sábio o suficiente para permitir que seus atores transmitam muito do que seus personagens estão experimentando por meio de seus rostos: expressões sutis de decepção, angústia e medo. Uma chamada em particular para o controle de solo revela a capacidade de Collette de equilibrar a verdade sobre a ansiedade de Marina enquanto soa equilibrada e fria para o pessoal do outro lado sobre as opções. Enquanto isso, Zoe permanece alegre e otimista, enquanto o mais velho e pragmático David percebe que alguém tem que ir e tomar medidas extremas para fazer uma mudança drástica acontecer.

Os ingredientes estão todos aí para um estudo de personagem fascinante, e o longa mais se assemelha a um thriller do que de ficção científica. O fato de sabermos tão pouco sobre essas pessoas, além de alguns traços básicos, torna difícil não nos sentirmos tão emocionalmente envolvidos quanto deveríamos. E assim, uma manobra espacial que desafia a morte no final, que Penna entrega de uma forma íntima, é estonteante, mas e tem o suspense e o peso emocional que deveria carregar. Todos os atores têm desempenhos sólidos, especialmente o relativamente desconhecido Anderson, que se mantém frente a esses veteranos. Ele também administra um certo grau de mistério sobre quais são suas intenções.

No final das contas, Passageiro Acidental parece um grito angustiante no vazio.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Nós sabíamos que a transmissão do 93º Oscar seria diferente antes mesmo do cineasta independente Steven Soderbergh assinar para produzi-la. Nossa pandemia de 13 meses está em declínio mas, ainda existe o fator limitante para grandes reuniões públicas. A questão era: seria um tipo bom de diferente ou um tipo ruim de diferente?

A cerimônia acabou sendo um pouco das duas coisas – e no geral, ainda mais divertida do que a média dos Oscars pré-COVID. Começou especialmente forte. Créditos de abertura brilhantes e multicoloridos rolados enquanto as câmeras em movimento seguiam Regina King pelo local principal improvisado, o Union Station em Los Angeles, numa tomada que poderia ter saído diretamente do próprio 11 Homens e 1 Segredo. de Soderbergh. Foi uma sequência deslumbrante que entregou todo o hype antecipado que prometia que a premiação seria exibida como um blockbuster de Hollywood bem executado.

Soderbergh, que produziu a transmissão em colaboração com Stacey Sher e Jesse Collins, passou semanas discutindo essa abordagem. “Vai parecer um filme, pois há um tema abrangente que é articulado de diferentes maneiras ao longo do programa”, disse ele. “Queremos que você sinta que não foi um show feito por uma instituição. Queremos que você sinta que está assistindo a um programa feito por um pequeno grupo de pessoas que realmente excluiu tudo o que parecia genérico, desnecessário ou falso.”

Essa equipe de produção entrou em vantagem depois que o Globo de Ouro mostrou um baixo nível na entrega de prêmios num evento socialmente distante, com uma cerimônia profundamente entediante que foi ao ar em meio a uma agitação ainda crescente sobre o racismo dentro da Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood. E é difícil imaginar uma equipe melhor para refazer uma tradição que estava definhando bem antes de COVID. Enquanto Collins é um produtor veterano de transmissões ao vivo – incluindo o Grammy pandêmico surpreendentemente decente do mês passado, Sher sempre teve uma carreira incrível. E de sua parte Soderbergh pode ser o diretor vivo mais versátil de Hollywood, sempre pronto para um desafio criativo.

Soderbergh e seus parceiros escolheram bem seus apresentadores: abrir uma cerimônia de premiação com Regina King e Laura Dern é como abrir uma festa de aniversário de uma escola primária com pizza e bolo de sorvete. Muitos aspectos do show que pareciam arriscados em teoria, desde o local na estação de trem até o rebaixamento das apresentações da música original para o pré-show, acabaram muito bem na prática. Os produtores alcançaram um equilíbrio inteligente entre glamour e segurança, evitando um evento superdimensionado ao mesmo tempo em que poupou dos espectadores a visão meio deprimente das estrelas em moletons aceitando troféus de seus sofás.

 

Cada parte da cerimônia deste ano foi mais íntima e menos espalhafatosa do que qualquer programa de premiação de que me lembro. Pela primeira vez, a arte e a comunidade do cinema pareciam ter entrado na nossa casa de tão acolhedora. Os apresentadores foram pessoais. Laura Dern relembrou a experiência formativa de assistir uma obra-prima de Fellini pela primeira vez. No lugar dos clipes de filme livres de contexto usuais, muitas vezes tivemos vislumbres genuinamente iluminadores das origens dos indicados ou insights sobre suas abordagens para o trabalho para o qual foram indicados.

Os discursos de agradecimento foram incomumente espirituosos, íntimos e envolventes – como semprr. O diretor de Another Round, Thomas Vinterberg, abriu seu discurso de vitória internacional com o tipo de humor seco que os dinamarqueses fazem tão bem, antes de fazer a transição, de forma emocionante, para uma lembrança de sua filha falecida. Yuh-Jung Youn, uma figura fixa na indústria de entretenimento coreana que encontrou fama cruzada em Minari, flertou com Brad Pitt e zombou da ideia de que ela merecia vencer Glenn Close. E Frances McDormand soltou um uivo épico porque, bem, Frances McDormand ganhou o direito de fazer o que quisesse depois de ganhar 2 Oscar quase seguidos.

A Academia pode ter abraçado a mudança por necessidade, em um momento precário, mas faria muito bem manter essa atitude, independentemente de quem eles contratem para produzir os programas subsequentes; que seja este o novo normal. Podemos muito bem ter deixado a atual crise de saúde pública para trás neste momento em 2022 mas, levará mais de um ano decente, no entanto, para que o Oscar alcance o mesmo prognóstico otimista dessa edição histórica.

5 pipocas!

– Quem são os ganhadores, Pedroka?

Melhor filme

Meu Pai
Judas e o Messias Negro
Mank
Minari
Nomadland
Bela Vingança
O Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

Melhor direção

Thomas Vinterberg – Druk: Mais uma Rodada
David Fincher – Mank
Lee Isaac Chung – Minari
Chloé Zhao – Nomadland
Emerald Fennell – Bela Vingança

Melhor ator

Riz Ahmed – O Som do Silêncio
Chadwick Boseman – A Voz Suprema do Blues
Anthony Hopkins – Meu Pai
Gary Oldman – Mank
Steven Yeun – Minari

Melhor atriz

Viola Davis – A Voz Suprema do Blues
Andra Day – Estados Unidos Vs Billie Holiday
Vanessa Kirby – Pieces of a Woman
Frances McDormand – Nomadland
Carey Mulligan – Bela Vingança

Melhor ator coadjuvante

Sacha Baron Cohen – Os 7 de Chicago
Daniel Kaluuya – Judas e o Messias Negro
Leslie Odom Jr. – Uma Noite em Miami
Paul Raci – O Som do Silêncio
Lakeith Stanfield – Judas e o Messias Negro

Melhor atriz coadjuvante

Maria Bakalova – Borat: Fita de Cinema Seguinte
Glenn Close – Era uma Vez um Sonho
Olivia Colman – Meu Pai
Amanda Seyfried – Mank
Yuh-Jung Youn – Minari

Melhor roteiro adaptado

Borat: Fita de Cinema Seguinte
Meu Pai
Nomadland
Uma Noite em Miami
O Tigre Branco

Melhor roteiro original

Judas e o Messias Negro
Minari
Bela Vingança
O Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

Melhor curta-metragem

Feeling Through
The Letter Room
The Present
Two Distant Strangers
White Eye

Melhor animação

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica
A Caminho da Lua
Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca
Soul
Wolfwalkers

Melhor curta de animação

Burrow
Genius Loci
If Anything Happens I Love You
Opera
Yes-People

Melhor documentário

Collective
Crip Camp: Revolução pela Inclusão
The Mole Agent
Professor Polvo
Time

Melhor documentário de curta-metragem

Collete
A Concerto is a Conversation
Do Not Split
Hunger Ward
A Love Song for Latasha

Melhor filme internacional

Druk: Mais uma Rodada (Dinamarca)
Better Days (Hong Kong)
Collective (Romênia)
O Homem que Vendeu Sua Pele (Tunísia)
Quo Vadis, Aida? (Bósnia)

Melhor fotografia

Judas e o Messias Negro
Mank
Relatos do Mundo
Nomadland
Os 7 de Chicago

Melhor montagem

Meu Pai
Nomadland
Bela Vingança
O Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

Melhores efeitos visuais

Amor e Monstros
O Céu da Meia-Noite
Mulan
O Grande Ivan
Tenet

Melhor trilha sonora original

Terence Blanchard – Destacamento Blood
Trent Reznor e Atticus Ross – Mank
Emile Mosseri – Minari
James Newton Howard – Relatos do Mundo
Trent Reznor, Atticus Ross e Jon Batiste – Soul

Melhor canção original

“Fight for You” – Judas e o Messias Negro
“Hear my Voice” – Os 7 de Chicago
“Husavik” – Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars
“Io Sí” – Rosa e Momo
“Speak Now” – Uma Noite em Miami

Melhor som

Greyhound
Mank
Relatos do Mundo
Soul
O Som do Silêncio

Melhor figurino

Emma
A Voz Suprema do Blues
Mank
Mulan
Pinóquio

Melhor cabelo e maquiagem

Emma
Era uma Vez um Sonho
A Voz Suprema do Blues
Mank
Pinóquio

Melhor design de produção

Meu Pai
A Voz Suprema do Blues
Mank
Relatos do Mundo
Tenet

Mais de meio século depois que os humanos começaram a orbitar a Terra e a observar a lua, as histórias dos astronautas e suas famílias e colegas continuaram a atrair Hollywood, desde o longa-metragem O Primeiro Homem (2018) até a recente série documental da Netflix sobre a Challenger, esse novo show reimagina o resultado da corrida espacial dos anos 1960.

Os Eleitos é baseada no livro icônico de Tom Wolfe de mesmo nome de 1979 e narra os anos nascentes do programa recém-criado da NASA e os melhores dos melhores pilotos de teste que fizeram parte do Mercury Seven. E embora seja quase impossível duplicar o brilho da adaptação teatral famosa de Philip Kaufman de 1983 do mesmo material, o criador do programa, Mark Lafferty, apresentou uma peça de época visualmente impressionante e bem interpretada.

Na sequência de abertura ambientada em 1961, os astronautas da Mercury John Glenn (Patrick J. Adams) e Alan Shepard (Jake McDorman) se envolvem em uma corrida competitiva antes do amanhecer e, em seguida, se preparam para o dia enquanto mostram um breve vislumbre da cápsula Freedom 7 na manhã do primeiro vôo espacial humano da América. Eles se sentam para tomar um café da manhã com filé e ovos – mas quando Glenn tenta falar sobre a importância do dia e como eles deveriam pensar sobre o que vão dizer em público, Shepard o interrompe e diz: “Você é um ótimo piloto, John, mas você agiu pelas minhas costas e eu sei tudo sobre isso. Vamos sair e ligar a potência das câmeras só que agora, não temos que sentar aqui e fingir que somos melhores amigos.” A rivalidade e os contrastes absolutos entre Glenn e Shepard são estabelecidos e se tornam um tema recorrente da série.

Corta pra 2 ANOS ANTES então, somos apresentados aos sete homens – todos pilotos presunçosos e importantes de vários ramos das Forças Armadas, cada um convencido de que ELE É o mais qualificado para ser o primeiro Americano no espaço. Além de Glenn e Shepard, há o playboy casado e mulherengo Don Draper Gordon “Gordo” Cooper (Colin O’Donoghue); o áspero Gus Grissom (Michael Trotter) que tem uma rivalidade contínua com Cooper desde seus dias na Força Aérea; o piadista Wally Schirra (Aaron Staton), Scott Carpenter (James Lafferty) e Deke Slayton (Micah Stock) – dois bons pilotos e astronautas, em sua maioria renegados a segundo plano nesta versão.

Tirando o melodrama da vida de casados retratada, que servem como um contraponto de mudança de tom, temos muitas cenas regadas à emoção, aceleradas e envenenadas dos vistosos flyboys em seus óculos escuros de piloto e seus conversíveis chamativos.

Esta é a primeira série com roteiro original de Nat Geo para DisneyPlus e é um lançamento porreta, com o perdão da palavra feia. É sobre o esforço americano tecnologicamente incrível, ousado e, às vezes, imprudentemente apressado para vencer a corrida espacial, criando heróis que mais do que viveram muito bem com a ajuda do exagero de homens políticos interesseiros, mas que também foram incrivelmente corajosos e talentosos.

5 pipocas!

Disponível na Disney+.

Como Liam Neeson em Busca Implacável antes dele, Bob Odenkirk surpreendentemente se juntou à lista de pais violentos do cinema que preferem arrumar briga à comprar um barco para amenizar seu descontentamento silencioso com a vida. De John Wick a esse Anônimo, ambos compartilham o trabalho do roteirista Derk Kolstad. Há um gênero crescente de filmes sobre caras mais velhos aparentemente felizes e casados ​​que são secretamente muito bons em matar mas, que se tornaram patriarcas reais.

Eles são, em geral, divertidos e marrentos. Os filmes, não seu pai – que são brucutus sentimentais. Em um país onde “o cara branco comum se indignou e começou a matar copiosamente” é um segmento de notícias noturnas, as implicações podem ser meio esquisitas. Isso não é para sugerir que filmes como este inspirem ou causem tragédias grosseiras. Não! Eles parecem apenas um reflexo da toxicidade latente sob os dentes cerrados do cara no escritório que diz coisas como “estou vivendo o sonho” quando você pergunta a ele como as coisas estão indo.

Esses filmes sempre começam com a premissa de que o despretensioso que aparece em um cubículo é, na verdade, um “traficante da morte fodão”. Em Anônimo, esse é Hutch (Odenkirk), um corretor introvertido que sempre parece perder o dia do lixo.

Quando assaltantes saqueiam sua casa, ele usa isso como desculpa para revisitar a parte de si mesmo que escondeu em seu porão mental para brincar de casinha com sua esposa (Connie Nielsen).

Logo, ele acaba irritando um mafioso russo de ternos brilhantes (Aleksey Serebryakov) que está disposto a explodir a cidade inteira para caçá-lo onde quer que ele esteja.

A parábola centrada no papai é o soco na barriga do diretor Ilya Naishuller, que implanta jazz e músicas antigas conhecidas em muitas de suas sequências de luta só para lembrar como seu pai costumava ser legal antes de ter que se estabelecer e deixar seus dias selvagens para trás. Hutch é até amigo de um membro do Clube de Uísque!

A violência aqui é principalmente caricatural, o que é um elogio, pois quanto mais realistas as coisas ficam, menos parece fantasia absurda e mais parece uma edição do Jornal Nacional.

Odenkirk atua em Anônimo violentamente, mas há um toque de brincadeira que parece uma oportunidade adquirida. Na verdade, o filme não tem nada de autoconsciente ou inteligente a dizer sobre o padrão de repetição do cinema para um pai assassino, embora pudesse ou devesse ter. Já escolher Christopher Lloyd como o pai de Hutch parece uma chance de refletir sobre a angústia entre gerações sentida pelos homens “de meia idade”.

Para si só, Anônimo é uma cantiga suja que faz o seu trabalho. Não pense muito sobre o que é esse trabalho, você ficará bem. Porque o que parece estar claro é que há um apetite considerável por guerras suburbanas imaginárias, crescendo a partir de uma frustração fundamental e que muitos homens brancos têm com a construção moderna da vida doméstica. Mas, você sabe, contanto que você se sente e apenas aproveite o Mr. Show fazendo coisas de assassino, é divertido.

5 pipocas!

Se você pensou que o pessoal da Marvel Studios iria dar aos fãs uma pausa depois da hora final emocionalmente carregada de WandaVision, a fábrica de super-heróis da Disney trás outras idéias. E se a estreia de O Falcão e o Soldado Invernal servir de referência, eles têm toda a intenção de permanecer na vanguarda do sucesso cultural.

Criada pelo nativo de Berkeley, Malcolm Spellman (de Empire), a nova série oferece uma janela de espaço para seus dois protagonistas – Sam “Falcão” Wilson (Anthony Mackie) e Bucky “Soldado Invernal” Barnes (Sebastian Stan) – depois de passar cinco anos de existência dos eventos de sumiço em Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato. Como vimos em seu predecessor Disney + WandaVision, os eventos dos filmes deixaram o universo com seu quinhão de trauma. Enquanto Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) manifestou isso criando uma elaborada realidade de sitcom manufaturada, os heróis mais íntimos do legado Capitão América ??do MCU, recebem a tarefa de honrar o nome de Steve na nova série limitada de seis episódios.

Em O Falcão E O Soldado Invernal, Sam luta com a responsabilidade que vem ao receber o escudo icônico de Steve Rogers.

Enquanto isso, Bucky está lidando não apenas com o trauma do Blip, mas também com a dor dos seus pecados de uma vida passada como um assassino sofrendo lavagem cerebral.

Há novos problemas para eles também: um grupo de saqueadores mascarados conhecidos como Apátridas e um novo super-herói vestindo o traje Capitão América.

Os Apátridas querem liderar um mundo para todos; mas a um custo mortal. Eles conseguiram, de alguma forma, tomar o soro do super soldado (aquele mesmo que transformou o Steve magricelo no Capitão América). O leste europeu sofre com este mal disfarçado de bem então a sobra do grande herói precisa entrar em ação.

Já no outro drama: o novo dono daquele escudo vermelho-branco-e-azul, John Walker (Wyatt Russell), possuidor do nome mais americano possível, foi recrutado como o novo Capitão América, para grande descontentamento dos antigos companheiros do salvador real. Russell interpreta o personagem com uma mistura delicadamente equilibrada de seriedade e inteligência, embora o fato dele proferir “Fique fora do meu caminho” implique que ele pode não ser o santo que o governo dos EUA pensava.

Ele se tornará um aliado? Ou vai acabar lutando com Sam e Bucky?

Até agora, encontrar a resposta para isso é o principal motivo para continuarmos sintonizados.

Mais uma vez, O Falcão e o Soldado Invernal está apenas na fase de reintrodução, apresentando esses heróis cinematográficos no novo espaço de jogo expansivo de episódios de 45 minutos. Mas esperamos que a série tenha mais novidades à medida que avança – só digo um nome para você se interessar mais ainda: Barão Zemo. A série tem um potencial inerente para ser um momento inovador para a narrativa de ação, contanto que se incline mais para as habilidades únicas de seus personagens ágeis, e não apenas o que os torna chamativos em pequenas explosões.

5 pipocas!

Disponível no Disney+.

A comunidade de equitação que vemos em “Concrete Cowboy” se situa na Filadélfia, mas algumas cenas soarão familiares aos moradores de outras cidades que também abrigam caubóis negros.

Clubes de equitação negros existem há décadas lá e em cidades como Baltimore, Houston e Oakland. O diretor Ricky Staub dá vida a esse mundo em Alma de Cowboy, que é uma história ficcional e profundamente sentimental, baseada nos Estábulos da Rua Fletcher, no norte da Filadélfia. O filme apresenta uma série de recortes da vida real em papéis coadjuvantes, adicionando autenticidade e surrealidade, como às vezes parece a história.

Quando Cole (Caleb McLaughlin de Stranger Things) de 15 anos, entra em outra briga na escola em Detroit, sua exasperada mãe (Liz Priestly) o manda para a Filadélfia para morar com seu pai Harp (Idris Elba), quem ele não vê há anos. Carregando seus pertences em dois sacos de lixo, Cole se sente como se tivesse pousado em outro planeta quando entra na casa geminada em ruínas de seu pai e descobre que dividirá o espaço com um cavalo, Chuck – um cavalo real, vivo e temperamental.

Bem-vindo a Filadélfia, garoto!

Acontece que Harp é o líder não oficial dos Estábulos da Rua Fletcher, um grupo coeso de várias gerações de cavaleiros negros que vivem para cavalgar e cavalgam para viver, com muitos deles dizendo que se não fosse pelo clube, teriam sucumbido às tentações das ruas e estariam na prisão ou já mortos. Quase todas as noites esse grupo se senta em um círculo, bebendo cervejas e contando causos sobre a história dos caubóis negros na América, a experiência do caubói negro de Hollywood e os dias felizes de cavalgar ali mesmo na Filadélfia. Claro, Cole acha que toda essa coisa de cavalo é uma loucura e, claro, Harp o coloca para trabalhar com a pá limpando estrume nos estábulos e, claro, Cole eventualmente estabelecerá um vínculo especial com um jovem cavalo selvagem que só ouve ele.

Já a relação entre Harp e Cole é estranha e distante no início – afinal, Harp foi um pai ausente durante a maior parte da vida de Cole – e seus confrontos constantes levam Cole direto para a vida que sua mãe esperava que ele evitasse. Cole anda com seu primo, um ex-cavaleiro da Rua Fletcher chamado Smush (Jharrel Jerome de Olhos que Condenam) que está metido em um negócio crimonoso envolvendo drogas e armas de um líder de gangue local.

Em grande parte do filme Cole está dividido entre os dois mundos. Mas gradualmente, ele passa a compreender, apreciar e abraçar a vida de caubói, e há até mesmo um flerte dele com uma jovem e bonita chamada Esha (a amazona da vida real Ivannah Mercedes) com uma mecha de cabelo rosa. Mas ele também é atraído pelo dinheiro supostamente fácil de ser ganho nas ruas. Cole encontrará seu caminho com a ajuda de seu pai e seus amigos, humanos e animais? Ou ele estará perdido para uma vida de crime?

Alma de Cowboy é maravilhosamente fotografado, com muitas das cenas de equitação ocorrendo na hora mágica do pôr do sol ou sob as luzes da cidade e na chuva. Elba e McLaughlin são um pai e um filho briguentos mas isso se suaviza com o tempo. Já Method Man oferece um forte trabalho de apoio como um cavaleiro que virou policial e que continua simpático ao clube e à Rua Fletcher. Esta é uma história cordial e construtiva que vimos centenas de vezes antes, mas o pano de fundo para este conto é certamente incomum e muito especial.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.