Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

O que é que nos deixa tão fascinados pelas narrativas do fim do mundo? Estamos todos desejando tanto ser dispensados ​​de nossos empregos e responsabilidades de merda? Trocar isso por um trajeto diário de caçar zumbis, desviar gás e buscar comida? Não que essa seja inteiramente a situação em Agora Estamos Sozinhos. Del (Peter Dinklage) é o único sobrevivente em sua cidade de 1.600 habitantes; todo mundo meio que caiu morto uma tarde enquanto ele dormia. Ele passa seus dias enterrando corpos e limpando as casas de seus vizinhos, coletando pilhas e livros atrasados ​​da biblioteca. À noite, ele arruma as prateleiras da biblioteca (sua ocupação anterior). Sempre na dele, Del não parece terrivelmente incomodado pelo fato de que todos estão mortos. Bem, talvez nem todos. Quando Grace (Elle Fanning) chega à cidade e decide ficar, isso o irrita, mas ele a contragosto permite que ela participe de suas tarefas diárias.

Reed Morano atua aqui como diretora (a maior parte de sua experiência é na TV, incluindo os três primeiros episódios de The Handmaid’s Tale – O Conto da Aia) e como diretora de fotografia (onde ela tem um currículo muito mais longo). A maioria das cenas é encaixotada em prédios de ambos os lados da rua principal ou corredores de supermercados emoldurados por prateleiras. Há um conforto claustrofóbico nisso. Uma vez que há dois personagens na história, eles são apresentados em um foco nítido, onde os planos de fundo são borrados a um grau que quase distrai. Nada mais no mundo importa além deles. No entanto, há espaço para silêncio e reflexão, e muitas cenas são silenciosamente lindas – até que uma música do Rush toca e interrompe o clima meditativo. A iluminação é natural, proporcionando um brilho escuro que lembra os dias de céu nublado. Há partículas de poeira em todos os lugares. E quando o sol se põe, as suas vidas são escondidas na sombra – o lugar onde talvez estejam nossas verdadeiras intenções.

O filme tece comédia, terror e romance sem se aprofundar muito em nenhum deles. O humor é bastante seco (e completamente orientado pelo diálogo), e o horror é apenas aludido: há algo de assustador em certas coisas que o escritor Mike Makowsky deixa para a imaginação. Em um trecho da trama. totalmente não provocada, Grace diz a Del que estava com um menino quando todos morreram; e é esse um exemplo perfeito de como às vezes só contar pode ser mais eficaz do que mostrar. Isso alonga aquele músculo que usamos quando lemos livros. A história em si é bastante tênue e não se preocupa muito com a logística deste mundo pós-apocalíptico em particular. O tema aqui é a solidão: Del passa pelos movimentos tristes da vida normal, cotidiana, simplesmente porque não há ninguém por perto. É uma paisagem de pesadelo ou o mundo dos sonhos de um introvertido?

Agora Estamos Sozinhos é parte de uma nova onda de filmes que estão reexaminando narrativas pós-apocalípticas e as suposições que fazemos sobre como os sobreviventes deveriam viver; este é um trabalho ousado com muito mais em sua agenda do que simplesmente fazer as pessoas rirem. É também um estudo de caráter comovente com algumas observações particularmente cortantes a fazer sobre as diferentes experiências que as pessoas têm da civilização como forasteiros relutantes.

5 pipocas!

Disponível no Amazon Prime Video.

Em Vingadores: Ultimato, Loki (Tom Hiddleston) roubou o Tesseract – pense em um cubo brilhante com poderes infinitos – e então desapareceu. Nos segundos iniciais de sua nova série de mesmo nome, ele reaparece então no deserto de Gobi, onde diz aos locais confusos que está sobrecarregado com o propósito glorioso de dominar o mundo deles. Mas assim que as palavras saem de sua boca, um punhado de soldados aparece, prendendo-o por crimes contra a Linha do Tempo Sagrada. Loki é levado assim a algum lugar chamado AVT – Autoridade de Variância de Tempo – uma vasta organização encarregada de garantir que todos os cronogramas concebíveis do Universo sejam mantidos em apenas um. Loki – acusado de interromper o fluxo adequado do tempo, tornou-se assim uma variante – por isso, é levado perante uma juiz (Gugu Mbatha-Raw) que está prestes a proferir a sentença, quando o agente Mobius M. Mobius (Owen Wilson) intercede. Loki, ele explica, é necessário para uma missão extra-especial.

O Loki de Hiddleston aqui evoluiu de um megalomaníaco com delírios de grandeza destruidora do universo para um anti-herói que sempre foi amado por Thor com um lado sensível e inclinação para a decência. Em suma, Loki é multifacetado, e os espectadores verão a maioria dessas facetas na série, além de algumas facetas surpresa incluídas. Preso na vasta burocracia da AVT, como um criminoso prestes a ser autuado, ele tem que responder a perguntas idiotas de burocratas, enquanto barganha pelo cronograma que ele acredita ser seu por direito.

Já o Mobius M. Mobius de Wilson o atrai com seus próprios gracejos enquanto Loki tenta atacar impotente. Juntos, não há exatamente um núcleo de uma equipe de comédia vencedora aqui, mas existem os ingredientes potenciais para uma série decente de policiais camaradas.

Sendo assim, agora Loki será ameaçado não por um super-herói, mas por outra versão de Loki cujos truques ele admira apaixonadamente. E a maior ameaça parece ser a própria AVT: ali todos os que Loki encontra na organização parecem um tanto desumanos – estranhos não apenas no estilo de vida, mas na personalidade. Se até mesmo os personagens mais malucos do MCU emanam alguma humanidade, a equipe da AVT permanece estranhamente apática, e até cruel.

Essa é uma ideia provocativa de um estúdio que é conhecido por planejar meticulosamente cada etapa de sua narrativa. E é arriscado: por mais que Loki possa contrariar a tradição, e continuar sendo um show da Marvel assistido por fãs que celebram essa atenção granular ao quadro maior. Um dos produtores, Michael Waldron, também trabalhou no roteiro da sequência de Doutor Estranho, então as chances de que esta temporada de 6 episódios eventualmente se vincule a Linha do Tempo Marvel são altas.

Loki, ao buscar inspiração não no método Marvel estabelecido, mas nas narrativas mais soltas dos quadrinhos, parece um reinício refrescante para a franquia. A série indica aos fãs que pode não ser essencial que tudo esteja completamente conectado. Talvez algumas histórias possam ser apreciadas como, digamos, variantes autônomas.

5 pipocas!

Disponível no Disney+.

Eu não tinha ideia do que era Panic quando li pela primeira vez a descrição do enredo em uma frase. “Uma história de jovens jogando um jogo perigoso na esperança de poder deixar a cidade”. Meu cérebro, incorretamente, decidiu interpretar isso como algum tipo de Jogos Vorazes em pequena escala.

Em vez disso, Panic é um drama adolescente. Tem mistério e intriga e drogas e empreendimentos criminosos e todas essas coisas divertidas, mas também é baseado na realidade. Aqui, temos uma história sobre crianças normais em alguma pequena cidade do Texas que jogam uma espécie de jogo de ousadia que envolve coisas divertidas como pular de um penhasco muito alto em um lago, invadir a casa de alguém e roubar coisas, atravessar com os olhos vendados uma ponte ferroviária velha e assustadora e etc. Quem quer que faça todos os desafios e chegue ao fim, ganha 50.000 dólares. Ninguém sabe como o jogo começou ou quem é o responsável por ele, mas é um bilhete de ouro para uma alma corajosa (e sortuda).

Depois de uma pausa muito necessária do universo cinematográfico de “adolescentes se colocando em situações de vida ou morte”, Panic é um retorno familiar, mas revigorante, ao gênero.

A protagonista Heather (Olivia Welch), não tem planos de participar da versão de sua cidade natal de The Purge. Na verdade, ela está com medo por sua melhor amiga Natalie (Jessica Sula), que está decidida a ganhar o prêmio de 50.000. Mas com grandes sonhos de faculdade e nenhuma perspectiva de emprego real, junto com uma mãe que constantemente rouba dela para fazer suas próprias despesas, Heather decide resolver o problema por conta própria – mesmo que isso signifique arriscar sua vida e sua amizade.

As adaptações de aventuras juvenis de maior sucesso dão a seus protagonistas adolescentes a chance de experimentar uma versão dramatizada da vida fora dos confins do colégio. Embora fundamentados na realidade, os desafios apresentam elementos de alta intensidade que parecerão familiares aos fãs da mídia distópica. No final do dia, essas crianças são forçadas a enfrentar seus medos mais íntimos – o que não só as coloca em intenso perigo físico, mas também tem a capacidade de causar sérios danos emocionais.

A série resolve muitas das queixas frequentemente apresentadas nas adaptações de romances para jovens adultos. Lauren Oliver (a criadora) não apenas teve muito controle autoral na escrita e produção da adaptação, como também fez com que o formato de dez episódios permitisse uma exploração muito mais rica (e mais fiel) dos temas e personagens do romance do que um filme de duas horas poderia permitir.

Panic é uma série de roer as unhas que, mesmo com uma fórmula familiar, vai a lugares inesperados. É tão dramático e empolgante quanto qualquer série adolescente deveria ser, mas o show é baseado em seu elenco de destaque que vai mantê-lo questionando as intenções de todos. Você vai se ver torcendo por um vencedor até o final, mesmo que tenha que assistir por entre os dedos tapando os olhos.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

Após o surgimento de um novo vírus, o nascimento de uma misteriosa enxurrada de bebês híbridos humano-animal e o subseqüente colapso da sociedade como a conhecemos, a história começa.

Um menino-cervo chamado Gus (Christian Convery) é levado para uma floresta que já foi do Parque Nacional de Yellowstone com seu pai (Will Forte). Ele foi trazido para lá como um bebê e criado sem nenhum contato humano, pois as crianças híbridas se tornaram temidas e caçadas pela sociedade em geral. Mas quando Gus faz 10 anos, o mundo exterior encontra ele e seu pai.

Essas circunstâncias, então, o enviam em uma jornada além do estreito pedaço de floresta de Wyoming para procurar a mãe que ele nunca conheceu na companhia do relutante solitário Tommy Jepperd (Nonso Anonzie).

Esta série de oito episódios da Netflix do excelente cineasta independente Jim Mickle é uma adaptação da série de quadrinhos Sweet Tooth de Jeff Lemire. Também é estrelado por Adeel Akhtar e Dania Ramirez como um médico e uma terapeuta, respectivamente, que também são personagens principais com seus próprios enredos. Sweet Tooth (Bico Doce) está no streaming da Netflix.

É claro que é profundamente perturbador assistir a uma série de TV fictícia sobre o surgimento de um vírus desconhecido e reconhecer tantas cenas: médicos cobertos por equipamentos de proteção individual em hospitais lotados; personagens que insistem em usar máscaras em uma mesa de jantar; ou transmissões de TV nas quais dados do governo relatam sombriamente um total significativo de mortes. Mas Jim Mickle nunca se esquiva dos paralelos óbvios com a COVID-19.

Em Sweet Tooth, baseado em uma exibição de seus dois primeiros episódios, o criador inteligentemente empacota esses terrores de uma forma que ao mesmo tempo os confronta com honestidade e os contextualiza de uma forma amigável para jovens adolescentes.

Uma representação inflexível do ódio e preconceito enfrentado por Gus e seus companheiros híbridos – tanto na forma dos caçadores que o perseguem quanto nos equívocos até mesmo das pessoas mais gentis que ele encontra ao longo do caminho – coexiste de forma inteligente com momentos de maioridade que colocam a série bem dentro dos limites das melhores aventuras jovens. A abordagem torna possível ser varrido pelo escopo de tudo isso, especialmente na interação entre as grandes paisagens naturais e o resíduo pós-apocalíptico, enquanto a história permanece focada em verdades assombrosas e nítidas.

Isso significa que há espaço para desenvolver a amizade comovente entre Gus e Tommy, que traz consigo o espetáculo emocionalmente ressonante de um homem sério simplesmente ser incapaz de desligar a bondade enterrada dentro, enquanto a história também envolve alguns dos humanos mais trágicos e imperfeitos.

É perfeito para famílias com adolescentes que procuram entretenimento instigante e adequado à idade. Em suma, Sweet Tooth exemplifica o melhor que pode ser uma narrativa de fantasia, criando um mundo inteiro sem nunca esquecer que o mais importante de todos é o nosso.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

 

Em Eu Sou Todas As Meninas, agora transmitido pela Netflix, as mulheres buscam justiça em seus próprios termos. Passado em várias linhas do tempo na África do Sul – tanto durante os dias de desaparecimento do apartheid quanto no presente – este filme é baseado em fatos reais e mostra os horrores do tráfico humano e da devastação que ele deixa em seu rastro.

Em 1994, a jovem Ntombizonke Bapai é sequestrada com várias outras meninas e levada para o complexo do ministro do Partido Nacional, F.J. Nolte (Deon Lotz), onde muitas delas são vendidas para o tráfico humano. Quando ela está “esgotada”, ela e outras garotas são enviadas para um bordel de baixo custo, onde suas vidas neste mundo sombrio continuam. Anos depois, Ntombizonke (Hlubi Mboya) trabalha com a polícia ao lado de Jodie Snyman (Erica Wessels). Depois de outra apreensão de tráfico fracassada, Jodie é afastada de perseguir esses tipos de casos e, em vez disso, é designada para um caso de assassinato. Ela logo descobre que esse assassinato – que deixou um pedófilo morto em um parque com as iniciais gravadas em seu peito – está conectado aos crimes de tráfico sexual que ela tem investigado por anos.

Conforme Jodie se aprofunda neste caso, mais corpos (com mais iniciais) continuam a pipocar ​​pela cidade, e ela percebe que eles carregam as iniciais de um grupo de garotas que foram sequestradas nos anos 90. Não importa o quão perto ela chegue de expor a verdade e prender os perpetradores, seu trabalho árduo é inevitavelmente interrompido pela burocracia e corrupção. Quando fica claro que o assassino desses homens maus provavelmente está ligado à polícia, as coisas ficam ainda mais complicadas. e, mesmo com seu supervisor ameaçando demití-la e todas as outras reviravoltas, no entanto, Jodie se recusa a recuar.

Eu Sou Todas As Meninas deve lembrá-lo um pouco de Por Uma Vida Melhor, o drama de tráfico sexual nigeriano que apareceu na Netflix no outono passado, bem como thrillers como Busca Implacável, A Informante e com algumas vibrações de O Protetor e Sicario: Terra de Ninguém incluídas.

Ambas as protagonistas fazem um trabalho de tirar o fôlego, mas Hlubi Mboya é simplesmente extraordinária como o anjo vingador Ntombizonke Bapai. Ela é o coração de Eu Sou Todas As Meninas, fazendo uma careta para seus colegas de trabalho no departamento de polícia e derramando lágrimas (e se vingando) a portas fechadas. Mboya tem apenas uma daquelas caras; você não consegue desviar o olhar, e há muito mais entendido com apenas um olhar ou um suspiro. Combine seu belo desempenho com sua química com Erica Wessels e você têm algo verdadeiramente mágico.

O tráfico sexual – especialmente o tráfico de crianças pequenas – é um assunto delicado e difícil de retratar com sensibilidade na tela. Felizmente, Eu Sou Todas As Meninas aborda esse assunto pesado com grande sensibilidade e nuance, deixando as coisas implícitas e permitindo que esses pensamentos horríveis falem por si. Eu Sou Todas As Meninas não funcionaria sem a direção compassiva de Donovan Marsh, e ele consegue contar uma história em partes irritante, emocionante e comovente.

O que realmente diferencia Eu Sou Todas As Meninas do resto é o fato de que duas mulheres estão no centro desta história. Não apenas as jornadas respectivas de Jodie e Ntombi são poderosas, mas sua conexão uma com a outra realmente ressoa. Há um amor tão profundo ali, mesmo antes de as duas parecerem entender, e isso é em grande parte graças à química entre as performers Hlubi Mboya e Erica Wessels, e por causa da boa escrita e direção. Saber o que ambas investiram neste mundo e uma na outra torna cada reviravolta muito mais difícil. Um filme sobre a corrupção que permite a existência de crimes contra a humanidade, como o tráfico sexual, teria sido interessante, com certeza, mas essas protagonistas transformam essa história em algo incrivelmente especial.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Outro ano e outro filme da Disney em que um vilão clássico é retirado dos “cofres” e recebe uma história de origem. No entanto, embora Malévola de 2014 visasse tornar a vilã da Bela Adormecida simpática, Cruella abraça sua loucura e apenas conta a história de como Cruella se tornou a matadora de cachorros que é.

Cruella estrela Emma Stone como a personagem titular quando ela se muda inesperadamente para Londres, conhece os ladrões Horace e Jasper e sobe no mundo da moda, rivalizando com a deusa da costura, A Baronesa (Emma Thompson).

Assim como Glenn Close elevou o papel da Cruella De Vil mais velha na película live action 101 Dálmatas, Emma Stone traz um charme para a jovem Cruella. Apesar de se tornar uma vilã, ela é cativante e exige atenção sempre que está na tela. E, embora ela seja simpática no início como a tímida e inocente Estella (Tipper Seifert-Cleveland), ela eventualmente se transforma na personagem icônica e a abraça totalmente. Suas interações com Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser) também são significativas e consistentes com o que eventualmente ocorrerá. No entanto, minhas interações favoritas foram entre Cruella e o vendedor de moda Artie (John McCrea). Eles tiveram uma química incrível e foi um prazer assistí-los juntos. Enquanto Jasper e Horace aceitavam Cruella, parecia que Artie realmente a entendia. No geral, Emma Stone é fenomenal como Cruella e foi a escolha perfeita para o elenco. Emma Thompson também é fantástica como a estrita e arrogante estrela da moda, A Baronesa. Ela traz uma atitude tão severa e direta ao papel que faria Meryl Streep corar.

Na interpretação de Gillespie, Cruella nasce Estella, um gênio da moda, condenada a ser mal interpretada por muitas das figuras adultas que cruzam seu caminho. Depois de um trágico acidente envolvendo dálmatas, ela ficou sem casa e sozinha em Londres, com apenas seu próprio cachorro de estimação como companheiro. Ela imediatamente conhece dois órfãos, Jasper e Horace. A gangue de crianças rouba para sobreviver e manter o estratagema até a idade adulta, mas para Estella ela sempre anseia por mais, e esse mais, é a chance de trabalhar como estilista.

Cruella é uma mistura maluca de roubo e vingança. Afinal, o que é 101 Dálmatas senão um filme de roubo através dos olhos dos bens roubados? Então, naturalmente, ao girar a câmera para focar no vilão, o foco se volta para as complexidades e o acúmulo para a manobra. A mecânica de assalto estonteante de Cruella se transforma perfeitamente na última metade do enredo de vingança do filme, o que no final das contas funciona devido à química deliciosa quando Cruella finalmente consegue um antagonista digna.

Ao refazer Cruella, a Disney trouxe uma vibe O Diabo Veste Prada às telas. E enquanto o elenco foi incrível, a figurinista Jenny Beaven merece uma ovação de pé por seu magnífico trabalho nos figurinos. Trajes raramente são mencionados em minhas críticas simplesmente porque não são um aspecto que eu realmente entendo nos filmes. No entanto, as roupas são tão personagens aqui quanto o resto dos atores e são excelentes e impressionantes. Eles são todos únicos e diferentes uns dos outros e, como alguém que não tem interesse em moda, eu realmente me peguei querendo todas as roupas da Cruella (se eu fosse mulher usaria). Depois disso, não ficaria surpreso se Jenny Beaven anunciar uma linha de moda.

Há muita qualidade também em termos de enredo: contar aos espectadores sobre sua infância, como ela conheceu Horace e Jasper e depois explicar como ela se tornou Cruella De Vil é empolgante. E com o tempo de execução de 2 horas e 15 minutos, o filme é, estranhamente, curto demais.

Dar a Cruella um adversário foi a bola de ouro mais inteligente, porque reconstrói o vilão atemporal como um anti-herói distorcido. Há acenos bobos para o material original, mas em Cruella você não vai se preocupar com cachorros sendo abatidos na tela pra virar casacos de pele. Em vez disso, prepare-se para uma batalha épica de punk e moda entre duas mulheres perversas com a trilha sonora do incrível Nicholas Britell, cuja trilha sonora com guitarras avança no filme de uma forma cinética e elétrica. A Cruella não é tão perfeita quanto as costuras que Estella faz, mas há algo muito charmoso em seu ser.

5 pipocas!

Disponível no Disney+ e em cartaz nos cinemas.

Army of the Dead – Invasão em Las Vegas é o que acontece quando o desespero bate em meio a um apocalopse de zumbis emocionante. Não chame de estúpido, pois esse último filme de Zack Snyder é exatamente o tipo de filme de ação zumbi barulhento de que precisamos agora. Cada fábula de zumbis se reduz aqui à fome insaciável, tanto no que diz respeito aos mortos-vivos quanto às formas que eles assumem entre os vivos.

Nessa nova contribuição de Zack Snyder para o gênero acentua-se o desespero. E o desespero evocado aqui é de um tipo diferente, que pode ser percebido por todos do lado perdedor da crescente disparidade de riqueza dos Estados Unidos da América.

Esse desespero aflige a quase todos, incluindo o mercenário Scott Ward (Dave Bautista), que com seus amigos Maria Cruz (interpretada por Ana de la Reguera) e seu colega soldado de aluguel Vanderohe (Omari Hardwick) – conhecidos publicamente como Los Vengeance, ganhou alguma notoriedade por salvar o Secretário de Defesa das hordas de zumbis que dominaram Las Vegas. O heroísmo extraordinário dele rendeu uma medalha e pouco mais; só que algum tempo depois, não especificado, ele apenas está conseguindo sobreviver com hambúrgueres. Igual Maria que se tornou mecânica e Vanderohe que trabalha em uma casa de repouso. Ou seja, todos têm empregos honestos, mas o salário é baixo o suficiente para que seja difícil recusar uma oferta de trabalho antiética do bilionário, proprietário do cassino Bly, Tanaka (Hiroyuki Sanada).

Tanaka decide que quer seus R$200 milhões de volta do seu cofre trancado no meio da Zumbilândia, só que o Governo construiu muros em volta de Las Vegas para conter os zumbis e quer explodir tudo com uma bomba atômica. Como então, agora na véspera da explosão eles vão conseguir tal feito? O pior é saber que o ricásso nem precisa da grana; ele só quer e pronto.

Pense assim: os zumbis podem simbolizar uma série de males sociais, mas em Army of the Dead, que Snyder dirigiu, produziu e co-escreveu, o roteiro torna a incerteza econômica o verdadeiro assassino. Independentemente do que aconteça em Vegas, e para eles, os bilionários continuarão enriquecendo enquanto os mais azarados lutam em um campo de quarentena nos arredores da cidade.

Tudo isso faz Army of the Dead soar mais sério do que é, mas na realidade, Snyder e seu parceiro de roteiro, Shay Hatten, criaram uma peça que é fundamentalmente um templo para o cinema pipoca – ou um bacanal balístico e cheio de adrenalina. Nossos mercenários e suas massas de zumbis são meros sacrifícios para esse fim. Da mesma forma que Las Vegas é uma homenagem ao excesso, o longa faz um excelente trabalho em recompensar as pessoas que amam filmes, especialmente aqueles que nadam em oceanos de balas e carnificina.

Army of the Dead – Invasão em Las Vegas é ​​muitos quilômetros mais leve e bobo do que o Liga da Justiça, começando com a natureza da queda de Las Vegas por meio de recém-casados ​​excitados colidindo com um comboio militar carregando, você sabe, um super zumbi (Richard Cetrone). Ele é rápido, atlético e demonstra habilidades organizacionais – como César de Planeta dos Macacos e ele também tem uma rainha zumbi e transforma um do tigre em zumbi. Como eu disse: ridículo.

Mas talvez seja exatamente disso que precisamos. Os candidatos ao Oscar podem não ter se saído bem na era do streaming, mas espetáculos bombásticos como este tiveram um ótimo desempenho, especialmente porque as restrições à pandemia aumentaram e as pessoas estão longe de voltar aos cinemas. A Netflix espera que essa história seja o começo de algo, não o fim; um spinoff animado e ou uma prequela de uma série.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Existem filmes não perfeitos que são agradáveis o suficiente – aqueles que oferecem uma energia sedutora de extremos agitados e uma sensação de experiência extravagante que ajusta com novos modos histórias de filme familiares, e que pelo menos parecem uma quebra de corrente usual de convenções cinematográficas.

A Mulher na Janela que está disponível agora na Netflix é um desses filmes. Seu script é tolo – mas um tolo trazido para a tela com muito entusiasmo. O filme acompanha Anna Fox (Amy Adams), uma agorafóbica beberrona que acredita ter testemunhado um assassinato da janela de sua casa no Harlem, Nova Iorque. Durante a primeira hora, há uma série de elementos de história tenuamente ligados que estarão sendo alinhados como dominós e é isso que tornará o longa surpreendentemente revigorante.

Anna é psicóloga infantil e não sai de casa há dez meses. Ela diz morar separada do marido Ed (Anthony Mackie) e da filha Olivia (Mariah Bozeman), e recusa visitas, exceto pelo psiquiatra Karl (interpretado por Tracy Letts) que vem até sua casa para as sessões. Anna preenche seus dias com filmes do Hitchcock e, ironicamente acaba envolvida num roteiro a la Janela Indiscreta. Espiando na casa do outro lado da rua, ela percebe uma nova família se mudando: um casal, os Russell, e seu filho adolescente Ethan (Fred Hechinger). Logo, a dita mãe do menino, Jane (Julianne Moore), chega e fica amiga dela.

Então, poucos dias depois, Anna olha pela janela e testemunha Jane sendo esfaqueada na casa dos Russell; mas quando Anna chama a polícia, eles e outras pessoas em sua volta – incluindo o inquilino que mora em seu porão, David (Wyatt Russell), a rotulam de maluca. Mas a verdade é que todos parecem estar agitando-a em um conluio entre o marido de Jane, Alistair (Gary Oldman) e com outra mulher (Jennifer Jason Leigh), que se apresenta como Jane e parece muito viva.

A configuração do filme é dominada pela perturbação mental de Anna – sua ansiedade é amplificada pela combinação de álcool e seus muitos medicamentos, levando-a à beira da ilusão. O estado mental de Anna é o elemento que surge com vigor imaginativo. As ambigüidades de sua experiência, a dúvida sobre se suas próprias percepções ou as pessoas ao seu redor não são confiáveis, dão origem à estética incomum do filme. Seu próprio senso de identidade é refratado, difuso e estilhaçado. Oprimida pelos ângulos e ornamentos de seu entorno, ela fica sobrecarregada pelas demandas de sua redução fechada de uma vida e se encolhe na impotência.

O resultado disso é um esforço frenético para transmitir, por meio de recursos visuais, a experiência abstrata de um caos interior atormentador.

A Mulher Na Janela não merece comparação com filmes tão bem-sucedidos de Hollywood de extremos subjetivos como Delírio de Loucura de Nicholas Ray, Not Wanted (sem nome em português) de Ida Lupino ou, por falar nisso , Ilha do Medo, de Martin Scorsese – todos com um senso de personagem e tema tão forte quanto sua evocação expressiva. Mas o filme de Wright serve como um corretivo para a abordagem muito comum pra a produção de filmes, que prioriza a análise de traços de personagens vinculados ao script sobre a composição da experiência audiovisual.

A Mulher Na Janela é como um musical com músicas memoráveis ??adornando um livro estrondoso.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Um terror familiar sólido é mais difícil de encontrar do que se pode pensar; claro, existem títulos animados como Coraline e ParaNorman, mas uma história de fantasmas adequada para os pré-adolescentes em sua casa e que também é assustadora para os adultos? Essas são poucas hoje em dia! O Mistério da Casa Assombrada, um filme de terror austríaco agora em cartaz na Netflix, corajosamente assume o papel e conta uma história que pode causar arrepios na espinha dos telespectadores jovens e velhos.

Quando Sabine (Julia Koschitz) e seus dois filhos Hendrik (Leon Orlandianyi) e Eddi (Benno Rosskopf) se mudam da Alemanha para um pequeno vilarejo na Áustria, parece que eles podem ter uma chance de um novo começo. Embora o adolescente Hendrik não fique nem um pouco satisfeito em deixar seus amigos para trás, ele se anima e começa a tentar se ajustar à nova vida deles. Não demora muito para que fique claro que algo está errado nesta casa; Eddi começa a andar sonâmbulo e a esculpir coisas na parede, uma porta do sótão se abre sozinha e as fotos de família desaparecem de seus lugares na parede e são substituídas por fotos da família que morava lá antes.

Eles logo descobrem que a casa está aparentemente assombrada desde que uma mãe envenenou seus dois filhos com cogumelos (e depois se matou) em 1980. Com a ajuda de novos amigos Fritz (Lars Bitterlich) e Ida (Marii Weichsler), Hendrik e Eddi tenta descobrir os segredos da casa, dos meninos que perderam suas vidas e de como eles podem ser capazes de libertar este lugar de sua história sombria.

Lars Bitterlich é simplesmente adorável como Fritz, o pequeno nerd que é destemido o suficiente para enfrentar valentões, fazer amizade com Hendrik e abordar qualquer pessoa. Você nunca imaginaria que por baixo do corte tigela e dos óculos haveria tanta confiança, mas Bitterlich interpreta Fritz com uma deliciosa sensação de autoconfiança. Ele pode ter aversão a sangue, mas também tem um projetor Super 8 e uma coleção de minerais matadores – e absolutamente nenhum filtro.

Eu estava preocupado que as coisas pudessem acabar indo por um caminho muito familiar, ou que o personagem adolescente pudesse ser um idiota previsível na maior parte do filme, mas O Mistério da Casa Assombrada sabiamente nos mostra desde o início quão grande é o coração de seu jovens. Eles são filhos legitimamente bons, e quando os irmãos unem forças com seus novos amigos, é muito fácil torcer por eles. A Ida de Marii Weichsler não é o objeto sexual estereotipado que poderíamos ver nesses filmes; ela é uma personagem inteligente e desenvolvida, uma garota que tem mais coisas acontecendo em sua vida do que apenas seus sentimentos potenciais por Hendrik. Com os irmãos, Ida, e o ridiculamente engraçado Fritz, nós temos o time ideal de solucionadores de mistérios no centro deste filme.

O Mistério da Casa Assombrada não é necessariamente um filme infantil – existem alguns elementos bastante assustadores – mas é totalmente algo que adolescentes e crianças com fome de terror podem desfrutar totalmente com seus pais. Quando não é assustador ou perturbador, é doce, sem nunca chegar a ser meloso e constantemente trazendo as coisas de volta a um lugar de humanidade ou humor entre os sustos. Se você está procurando por algo assustador o suficiente para proporcionar alguns arrepios, mas não tanto a ponto de não conseguir dormir, esse é seu filme.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

 

 

 

Há uma cena no segundo episódio de Mare of Easttown, a nova série policial da HBO, na qual não consegui parar de pensar desde que assisti. Mare, a detetive da polícia titular do programa (interpretado por Kate Winslet), visita um local rural onde o corpo de uma menina foi encontrado e se prepara para informar o pai da menina junto com John e Billy (primos). Quando Kenny (Patrick Murney) descobre o que aconteceu, ele fecha os olhos, balança a cabeça e explode, esmagando objetos aleatórios ao seu redor e empurrando os outros homens enquanto eles o abraçam e o restringem. Mare os observa à distância com um olhar simpático, mas não surpreso. Ela sabia exatamente como Kenny reagiria, e entendeu, também, que ela não estaria segura com ele e sua dor.

Alguns dos dramas de crime superlativos dos últimos anos têm usado astutamente sua localização para um impacto dramático: pense nas ondas implacáveis de Broadchurch, ou na umidade opressiva do meio-oeste de Sharp Objects, ou nas montanhas primitivas e sombrias de Top of the Lake. Mas Mare of Easttown é outra coisa: um drama que, ao explorar os laços entre seus personagens e a natureza de seus crimes, conta uma história ricamente definida por um lugar.

O assassinato é incomum, mas a violência é previsível, oriunda de um fato da vida que o show explora com especificidade discreta.

Situado na área do oeste da Filadélfia, conhecida como Condado de Delaware, a série expõe sua topografia tão intencionalmente quanto casualmente. Seus atores até imitam o sotaque do pessoal de lá (como se falassem com um sorriso largo e fixo no rosto).

Como personagem, Mare incorpora o ambiente – ela é sombria e estóica, principalmente com uma aparência discreta. Ela conhece melhor do que ninguém as falhas da cidade onde cresceu; seus esconderijos, pontos problemáticos e vulnerabilidades.

Mare é encarregada de investigar a morte de uma mãe adolescente chamada Erin (Cailee Spaeny), e se juntou a Colin, um jovem detetive (Evan Peters) cujos instintos empalidecem em comparação com os dela. Na maioria das vezes, Mare sabe antes de iniciar um caso quem cometeu um crime e por quê, e ela tem sua própria métrica para decidir quais transgressões merecem uma resposta mais feroz. O outro lado da proximidade de Mare com as pessoas que ela policia é que muitas vezes ela se posiciona como árbitro da justiça de uma forma que ultrapassa seu papel, e o programa deixa claro que ela está longe de ser imparcial.

Personagens de detetives como Mare – resolutos, pouco demonstrativos, frequentemente desviados por preconceitos pessoais, e intimamente ligados à sua comunidade – não aparecem com frequência na televisão americana, por isso chama a atenção aqui. Longe de apresentar as ações de Mare como defensáveis, a série acena com a cabeça para as inúmeras maneiras pelas quais os policiais podem abusar de seus poderes. É especialmente surpreendente ver Winslet, com sua habilidade de habitar ingenues rosadas, desaparecer na lama incolor de Mare, com as suas raízes escuras fincadas numa persona inescrupulosa.

Ironicamente, os personagens da cidade são tão bem desenvolvidos, e o sombreamento da fictícia Easttown é tão delicado que alguns dos elementos mais sensacionais da série, ocasionalmente parecem fora do lugar. A mãe de Mare, Helen (Jean Smart), proporciona um alívio cômico ao alfinetar constantemente sua filha; Colin é tão impetuoso e idealista quanto Mare é cínica e cansada; e sua melhor amiga, Lori (Julianne Nicholson), é a folha mais macia das arestas abrasivas de Mare.

Por outro lado, a série se baseia – como muitas séries de crime – na morte ou abuso de mulheres jovens para seu enredo. Mare of Easttown faz um trabalho habilidoso ao contar as histórias de outras mulheres que desapareceram, incluindo como os opioides atrofiaram suas vidas promissoras. Sem fazer do vício seu foco agressivo, o show o pinta como uma realidade arraigada para os locais, tão comum e impossível de evitar quanto armas e punhos.

Mais crucial, porém, é a escolha do programa de apresentar uma comunidade sem julgamento. Para um trabalho sobre um canto negligenciado da América, não há nenhuma crítica sarcástica escondida na série, não. Em vez disso, Mare of Easttown é apenas um retrato sutil e texturizado de um lugar onde algumas pessoas estão sofrendo e uma mulher está fazendo o seu melhor para ajudá-los.

5 pipocas!

Disponível na rede HBO e HBO Go.