Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Sempre quis bater em um gerente intransigente? Socar um misógino com vontade? Xingar um médico rude? Não é educado admitir, especialmente para mulheres, mas negar que pensamentos violentos podem fazer parte da condição humana é negar o que significa ser humano e até, talvez, o que significa ser mulher (com o dever ser “fofa”). É por isso que o inteligente e agradável filme de ação Jolt de Tanya Wexler é tão divertido: permite que o espectador se entregue ao prazer de fantasias sangrentas, enquanto explora as maneiras pelas quais a raiva e sua repressão culturalmente imposta podem ser parte integrante da experiência feminina.

Nossa heroína letal, a grosseira e charmosa Lindy (Kate Beckinsale) é um “espécime único”, como descobrimos em uma expositiva sequência de abertura. Ela tem um “problema de controle de reações” impulsionado por sua raiva e combinado com uma infância traumática e anos de isolamento e testes de laboratório, além de treinamento militar. Ela evoluiu para uma supermulher máquina de luta com terríveis habilidades sociais. O único tratamento que ela encontrou para manter seus impulsos violentos domados, e que lhe permite viver como um membro funcional da sociedade, é um colete de eletrodos através do qual ela administra a si mesma choques elétricos, levando suas fantasias à submissão.

A situação dela tornaria um namoro ainda mais desafiador do que já é, por exemplo, então, quando um encontro às cegas com um contador de boas maneiras chamado Justin (Jai Courtney) fica quente, isso abala o mundo de Lindy. Tanto é que, quando Justin aparece morto, ela quer vingança e está levando tudo até níveis extremos. Você não pode culpá-la, depois de uma noite como a que ela teve com ele. É difícil encontrar um bom homem, né?

Escrito por Scott Wascha, o roteiro é simultaneamente rude e inteligente. Dirigido por Wexler, o filme é um ataque rápido de escaramuças altamente estilizadas e ação combinada. A iluminação é particularmente agradável: géis em tons de joias abundam, um brilho de néon rosa permeia o apartamento de Lindy e um clube da luta subterrâneo é iluminado apenas por uma lanterna.

No centro desse redemoinho está Beckinsale, que já provou suas habilidades de ação como a guerreira vampira Selene nos filmes Underworld. Aqui, ela pode chutar um traseiro, mas também ser uma Lindy tagarela, sarcástica, bem-intencionada e selvagem, que só quer ser amada apesar de toda a sua raiva.

Jolt não é Marvel, mas é muito mais inteligente do que suas armadilhas de exploração. Wexler e Beckinsale realmente fazem uma refeição da mudança de gênero que está enviando uma mulher para causar estragos sangrentos em vingança pelo assassinato de um doce homem. Além disso, em uma reviravolta de acontecimentos, Lindy não precisa ser fortalecida por meio de armas, uque é um dispositivo barato que os cineastas costumam usar para as estrelas de ação. Ela raramente toca em armas, derivando seu poder de sua própria raiva, tristeza e dor, canalizando-as em suas mãos e punhos (e sim, às vezes com explosivos).

Lindy pode ser emocionalmente (e fisicamente) tímida, mas ao aprender a lutar em nome do amor (ou pelo menos de uma noite divertida), ela aprende que embora a maioria das pessoas seja terrível, existem alguns caras legais que valem a pena.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Com esse O Esquadrão Suicida, James Gunn se torna o segundo diretor de alto nível da Marvel a entrar pro Universo DC. Felizmente, o resultado de Gunn é significativamente melhor do que a virada mortal de Joss Whedon com a Liga da Justiça. Gunn, temporariamente despedido pela Disney de Guardiões da Galáxia 3 (ele já foi recontratado), tinha uma vaga em sua agenda que a Warner Brothers estava disposta a preencher. O resultado é uma melhoria tão vasta em relação ao Esquadrão Suicida 2016 de David Ayer que é difícil conciliar a existência de uma conexão entre eles.

*Nota: Ayer rejeitou a versão teatral do filme, alegando que não representa sua visão.

Embora tecnicamente uma sequência, O Esquadrão Suicida apresenta apenas três personagens que retornam. Não é necessário ter visto o primeiro filme para apreciar este.

De uma perspectiva de puro entretenimento, O Esquadrão Suicida é um dos filmes de quadrinhos mais divertidos dos últimos anos. No balanço geral, Vingadores: Guerra Infinita foi um filme mais profundo, mais instigante e totalmente melhor, mas O Esquadrão Suicida é pelo menos tão divertido quanto, se não até mais. É quase certo que o motivo seja Gunn: o roteirista/diretor (que recebeu carta branca da Warner Brothers) infunde neste filme a mesma atitude peculiar e alegre que tornou Guardiões da Galáxia e Guardiões da Galáxia 2 compulsivamente assistíveis. O Esquadrão Suicida é muito longo – cortar 20 minutos do tempo de execução teria sido “suicídio e a ação se tornaria repetitiva.

Há muito mais para gostar do que não gostar sobre a produção.

Como na história em quadrinhos que o inspirou, O Esquadrão Suicida segue as desventuras da Força-Tarefa X, um grupo de supervilões encarcerados que recebem reduções de sentenças em troca de se unirem e seguirem missões black ops com patrocínio do governo. Cada um deles tem um explosivo implantado na parte de trás de seus crânios que pode ser detonado remotamente – isso garante que eles não se tornem desonestos. A diretora do programa é Amanda Waller (Viola Davis) e, em muitos aspectos, ela é mais implacável do que os vilões que trabalham para ela.

O enredo é direto. A Força-Tarefa X é enviada a um território hostil (a ilha de Corto Maltese) para destruir Jotunheim, uma estrutura que abriga o misterioso Projeto Estrela-do-Mar, que é considerado uma grande ameaça à segurança dos EUA. Duas equipes são enviadas. A primeira é basicamente uma piada. A maioria dos membros deste grupo são mortos no ataque inicial, com apenas dois sobreviventes: Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman) e Arlequina (Margot Robbie), a romântica maníaca homicida que parece ter finalmente superado a perda de Coringa. O Time B é liderado por Sanguinário (Idris Elba) e conta com Pacificador (John Cena), Caça-Ratos 2 (Daniela Melchior), Bolinha (David Dastmalchian) e Nanaue O Tubarão Rei (voz de Sylvester Stallone). Depois de resgatarem e se reunirem com Arlequina e Flag, eles focam na missão principal: capturar O Pensador (Peter Capaldi) e “persuadi-lo” a colocá-los pra dentro de Jotunheim para que possam explodir tudo. Mas nenhum deles está preparado para o que encontram lá dentro: o conquistador Starro.

Gunn faz uso máximo da liberdade proporcionada pela classificação R-Rated (16 anos), apresentando o filme mais violento (até o momento) feito a partir de um título da Marvel ou DC (passando Deadpool, Logan e Liga da Justiça de Zack Snyder). É um festival sangrento bem-humorado e encontra a comédia na carnificina. Embora grande parte da ação em O Esquadrão Suicida seja normal, este é um filme engraçado – mais engraçado, na verdade, que a maior parte do que está sendo vendido como uma “comédia” atualmente.

Como aconteceu com os dois filmes anteriores em que ela interpretou Harley Quinn, Margot Robbie está no elenco perfeito. Ela é habilmente assistida por Idris Elba, que se juntou a alguns poucos selecionados para aparecer nos filmes da Marvel e DC (embora seu papel aqui seja mais substancial do que suas aparições em vários filmes de Thor). Já John Cena, que parece estar em toda parte hoje em dia, tem uma falta de noção atraente. E o monossilábico Rei Tubarão de Sylvester Stallone é a versão deste filme de Groot, renderizado por captura de movimento para ser mais assustador do que fofinho.

Agora que os filmes da DC estão finalmente indo além da perspectiva sombria e cínica oferecida por Zack Snyder, eles entraram em um território mais palatável. Com O Esquadrão Suicida, Gunn mostra que há maneiras de manter as coisas nervosas e, ao mesmo tempo, oferecer humor e ação suficientes para manter os elementos agradáveis ??ao público. Após a liberação do Esquadrão Suicida de Ayer, fiquei em dúvida sobre outra saída para os membros da Força-Tarefa X. Com Gunn nas rédeas, essas dúvidas foram apagadas e, se o diretor ficar por perto, espero outra aventura com esses personagens.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz nos cinemas Cinemark, Cinépolis e UCI; e em 35 dias na HBO MAX.

O Jungle Cruise é um passeio que muitos amantes de parques temáticos incentivam os visitantes de primeira viagem à Disney. Mas o novo filme, estrelado por Dwayne Johnson, Emily Blunt, Édgar Ramírez, Jack Whitehall, Jesse Plemons e Paul Giamatti, é muito mais divertido.

Jungle Cruise — dirigido por Jaume Collet-Serra a partir de uma história de Glenn Ficarra e John Requa e um roteiro de Michael Green é uma aventura baseada na famosa atração da Disneylândia estrelada por dois dos atores mais carismáticos do negócio: Dwayne “The Rock” Johnson e Emily Blunt.

Lily Houghton (Blunt) é uma botânica idealista em busca das Lágrimas da Lua, uma antiga planta indígena do Brasil com poderes curativos. Seu objetivo é obter uma pétala da árvore na esperança de salvar vidas, então, junto com seu irmão Macgregor (Whitehall), ela viaja para a América do Sul com nada além de uma ponta de flecha sagrada e um mapa.

Na chegada, a dupla conhece Frank Wolff (Johnson), um capitão que engana os visitantes com passeios de barco no rio Amazonas. Lily está procurando um barco, Frank tem um barco, e depois de um pouco de manobras e mentiras, o trio concorda em ser companheiros de viagem.

Infelizmente, eles não são os únicos que procuram a pétala: o Príncipe Joachim da Alemanha (Plemons) e o Conquistador Aguirre (Ramírez), de 400 anos, tornarão a viagem mais complicada.

Jungle Cruise é tão divertido e hilário quanto suas inspirações, e as faíscas entre os atores principais injetam vida neste filme. Individualmente, o Rock e o Blunt já são incrivelmente charmosos, mas como uma dupla, eles criam um ritmo de movimento e som que faz com que sua química de dinamite salte para fora da tela e acerte você no rosto. Isso é reforçado pelo fato de que os dois são distrativamente atraentes, com os sorrisos mais elétricos, o que me manteve sorrindo o tempo todo.

O destaque cinematográfico é a fotografia de Flavio Martínez Labiano. Cada cena é perfeitamente iluminada e colorida de uma forma estranhamente inebriante que dá ao filme aquele visual cinematográfico da Idade de Ouro de Hollywood dos anos 1950.

Muita coisa mudou em nosso mundo politicamente desde que a atração do parque temático foi inaugurada em 1955. A Disney World atualizou recentemente a atração para abordar as críticas à maneira como a atração retratava os nativos como selvagens, e o filme responde na mesma moeda, fazendo com que The Rock imite um guia turístico brinca enquanto acena com a cabeça para os atores “dentro da piada” que interpretam os nativos para entreter seus passageiros pagantes.

Há mais nesta história do que um simples passeio pelo rio. Elementos de fantasia trazem magicamente um conquistador centenário de volta à vida. O inimigo sobrenatural é habilmente nomeado de Aguirre e seu visual é bastante derivado do vilão Piratas do Caribe, mas também eficaz.

Se você curtir o conquistador em CGI, vale a pena comprar uma passagem neste passeio pelo rio. Há ação, há romance e, se você gosta de trocadilhos e muita comédia aqui tem. Você pode até se inspirar para inventar seus próprios trocadilhos, percebendo que Jungle Cruise se passa em um stream gigante da Amazônia que não está sendo exibido na Amazon.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Disney+ no Premier Acess.

 

Uma configuração aparentemente típica: cinco estranhos perdidos na floresta, e uma presença sinistra que os cerca – dando lugar a algo mais subversivo no terror italiano da Netflix. Apesar de todas as falhas propositais de Um Clássico Filme de Terror (incluindo um título que ela não cumpre), há muito para os fãs de terror desfrutarem, digo.

Quando você dá ao seu filme um nome como Um Clássico Filme de Terror, você está se estabelecendo uma tarefa bastante assustadora – e, alguns podem dizer, azarando a coisa antes mesmo de começar. É um risco que os diretores Roberto de Feo e Paolo Strippoli estão dispostos a assumir com seu novo Netflix Original, graciosamente intitulado, que segue um grupo desorganizado de estranhos caronas juntos em um velho trailer rumo ao sul da Itália.

Entre eles está Elisa (Matilda Lutz), uma jovem problemática que viaja com relutância para fazer um aborto; Sofia (Yulia Sobol) e Mark (Will Merrick), um jovem casal de turistas a caminho de um casamento no destino; Ricardo (Peppino Mazzotta), um moderado médico de meia-idade; e o motorista deles, Fabrizio (Francesco Russo), um cineasta desajeitado, mas bem-humorado (ou não).

O grupo está no caminho quando um Mark motorista bêbado de madrugada vê o trailer sair da estrada e bater em uma árvore. Acordando na manhã seguinte, no entanto, eles descobrem que não estão mais perto de onde bateram – e o veículo está agora no meio de um campo, cercado por uma floresta assustadora, estacionado preocupantemente perto de uma cabana abandonada assustadora. Com a recepção do telefone celular desligada, o trailer se recusando a ligar e uma sinistra parafernália pagã pipocando por toda parte, o grupo começa a perceber o quão sinistras suas circunstâncias parecem.

Dado que este também é o título do filme, dificilmente é um spoiler que as armadilhas de livro de sua situação não sejam uma coincidência. Na verdade, De Feo e Strippoli têm algo muito maior em mente do que essa configuração simples sugere – culminando em uma reviravolta que aparentemente denuncia não apenas um público voyeurístico, mas o estado do cinema italiano moderno. É audacioso; é irreverente; e também é um pouco bagunçado.

O que não quer dizer que Um Clássico Filme de Terror falhe inteiramente em suas ambições – como você esperaria, De Feo e Strippoli têm um forte domínio dos vários componentes necessários para um bom filme de terror. Da iluminação vermelho-sangue às máscaras ultra-assustadoras usadas pelos agressores do grupo, aos momentos dolorosamente viscerais de extrema violência.

Enquanto muitos o estão comparando ao amado folk-horror Midsommar – O Mal Não Espera a Noite de 2018 (que ele invoca deliberadamente), Um Clássico Filme de Terror muito mais se assemelha a outros meta-horrores como Pânico e O Segredo da Cabana. Quando De Feo e Strippoli tentam desviar sua atenção para além da superfície e tentam articular sua crítica, eles revelam lindamente um forte senso de estilo sobre a substância.

É improvável que os aficionados do gênero considerem Um Clássico Filme de Terror um desperdício de tempo. Agradavelmente irreverente, alegremente sangrento e marcando 95 minutos administráveis, é uma tentativa totalmente útil e acima da média de algo interessante – e, suponho que você não irá perder.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Não tem sido fácil fazer filmes ultimamente, então é compreensível que ainda não vimos muitos recursos notáveis ​​que lidam diretamente com a pandemia. Na verdade, ainda é uma questão em aberto: o cinema COVID é algo que alguém realmente deseja? Ou o assunto é exatamente o tipo de realidade sombria da qual vamos ao cinema para escapar?

O estranho, mas muito admirável Locked Down, de Doug Liman, fornece uma resposta possível. Como o recente Malcolm & Marie de Sam Levinson, é um projeto de hobby de Hollywood construído em torno das limitações práticas impostas pelo distanciamento social, e aparentemente concebido como um meio de manter o elenco e a equipe ocupados durante o tempo de inatividade forçado.

Também como em Malcolm & Marie, que não era sobre a pandemia, esse é um estudo de um casal estranhamente par: neste caso, o motorista de van Paxton (Chiwetel Ejiofor) e a CEO de uma empresa de beleza Linda (Anne Hathaway), que acabaram de terminar seu o relacionamento de um ano. Mas estamos no início de 2020, quando o Reino Unido acaba de entrar em bloqueio, e por isso eles são obrigados a continuar compartilhando seu apartamento em Londres.

Isso seria uma situação embaraçosa para qualquer um, mas é especialmente duro para esses dois, que educadamente poderiam ser descritos como “muito tensos”. Paxton mostra sinais imediatos de doença mental, combinando ideação suicida com diatribes maníacas. Linda é mais composta na superfície, mas seu verniz tende a rachar no momento em que ela fecha o Zoom.

Por mais sombrio que tudo isso possa parecer, Locked Down é uma espécie de comédia romântica – e também, eventualmente, uma espécie de filme de assalto. Mas não se deixe enganar pelo elenco de grandes nomes, ou pelo fato de que Liman dirigiu há muito tempo A Identidade Bourne: o que ocupa a maior parte das 2h do filme é muita conversa.

Essa é fornecida pelo roteirista Steven Knight, baseando-se no conjunto particular de habilidades que ele anteriormente exibiu em seu similar intitulado Locke, um show solo cinematográfico consistindo inteiramente de Tom Hardy num viva-voz. Aqui está toda uma linha de estrelas convidadas como celebridades, que aparecem principalmente em chamadas do Zoom. Mas todo mundo é prolixo de uma maneira muito britânica, incluindo americanos como Linda.

Por um bom tempo, Locked Down parece não estar indo a lugar nenhum, mas Knight está gradualmente preparando as bases para o clímax, que depende de uma série específica e extremamente improvável de coincidências. A improbabilidade é o ponto, reconhecendo a transição gradual de uma versão estilizada do cotidiano para a fantasia romântica completa.

Ao longo do caminho de Locked Down, a COVID-19 é reduzido a pouco mais do que um artifício da trama, ou uma metáfora para o mundo moderno opressor e corrupto: ninguém mostra muito um medo literal de pegar a doença. Mas o filme é uma experiência surpreendente e inesperada – e antes de chegarmos ao final fantástico, a longa acumulação transmite uma sensação reconhecível de parar no tempo.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBO MAX.

Depois de entregar um par de assustadoras e divertidas aventuras de terror, a trilogia Rua do Medo conclui-se esta semana com um capítulo final, Rua do Medo – 1666 Pt. 3. A primeira parte no atingiu fortemente com sustos no estilo Scream e grande quantidade de nostalgia dos anos 90; na segunda caminhou-se de volta para matanças selvagens em acampamentos de assassinos dos anos 80 e, agora, o co-roteirista/diretor Leigh Janiak nos leva de volta ao ponto em que essa saga de terror começou com uma história de bruxas, demônios e suspeitas que se destaca por si só como um passeio divertido e assustador e também traz a série uma conclusão emocionante.

Continuando de onde a história de Deena (Kiana Madeira) parou, nossa Final Girl, última vítima que sobra pra acabar com o mal, estava reunindo os ossos da bruxa morta há muito tempo, Sarah Fier, com sua mão decepada. Só assim Deena acaba empurrada de volta ao passado. Desta vez, não é através da triste história de um sobrevivente – como foi o caso em Rua do Medo – 1978 Pt. 2 – mas sim através de um flashback de corpo inteiro que coloca Deena no lugar de Sarah Fier.

É 1666 na colônia chamada Union, que será dividida na amaldiçoada Shadyside e na próspera Sunnyvale. Como os adolescentes que conhecemos em Rua do Medo – 1994 Pt. 1 e sua sequência, Sarah e suas amigas trabalham muito e se divertem muito. Em meio a suas árduas tarefas agrícolas, eles sussurram animadamente sobre os planos da meia-noite para se divertir ao redor de uma fogueira com maçãs e algumas frutas especiais que são drogas de festa do século 17. Além da frivolidade, Sarah encontra felicidade na floresta, ficando com a filha do pastor, Hannah (Olivia Scott Welch). Mas na manhã seguinte, Sarah não só tem de lidar com uma ressaca, mas também com uma aldeia repleta de pestes e paranóias.

O diabo desceu sobre sua cidade? O suposto pecado dela é a causa?

Leigh Janiak habilmente reformula seus conjuntos dos dois filmes anteriores para interpretar os protagonistas neste capítulo culminante. Isso sugere que as vítimas da Maldição Shadyside – como Kate (Julia Rehwald), Simon (Fred Hechinger), Ziggy (Sadie Sink) e Cindy (Emily Rudd) são parentes dos primeiros que sofreram. Além disso, porém, permite a Janiak mergulhar duas vezes no poder de estrela de um elenco de prodígios, cujos sorrisos maliciosos aquecem nossos corações, mesmo que saibamos que estão destinados à destruição! Mais inteligente, porém, é lançar Madeira no lugar de Fier. Quando visto em flashes nos filmes anteriores, Fier foi interpretado por uma Elizabeth Scopel uivante. Mas, ao deixar Kiana Madeira assumir o papel no estilo Contratempos (1989), nossa conexão e preocupação com Deena são mantidas, mesmo enquanto deslizamos para a história da bruxa infame. Da mesma forma, o romance entre Mary e Hannah é instantaneamente eletrificado pelas memórias da paixão compartilhada de Deena e Sam, e isso prova uma pista pungente de por que Sarah escolheu esses dois para contar sua história inteira.

Em Rua do Medo – 1994 Pt. 1, a homofobia assolou-se no limite da narrativa de Deena e Sam. A mãe de Sam fez uma careta. As conversas sobre se assumir foram codificadas, mas claras, e as calúnias foram reduzidas ao mínimo. Em 1666, no entanto, Sarah é chamada de “abominação” por sua luxúria de ser lésbica, e lá as meninas são publicamente culpadas por essa maldição que transforma comida em podridão e homens justos em assassinos. O único adulto que vai ouvir Deena é o Solomon Goode, um fazendeiro viúvo que é o ancestral do xerife Nick Goode de 1994 (ambos interpretados por Ashley Zukerman). No entanto, Nick traiu Ziggy ao rejeitar suas alegações de uma maldição em 1978. Aqui, aprendemos que a maçã podre não cai longe da árvore genealógica.

Sem mergulhar fundo em spoilers, Rua do Medo – 1666 Pt. 3 não apenas revela a história completa de Sarah Fier. Ele também expõe o comentário político pulsando no coração da trilogia. Este nunca foi apenas um assassino de bruxas. Janiak e sua equipe de escritores (Phil Graziadei, Zak Olkewicz, Kyle Killen e Kate Trefry) estavam nos levando a um labirinto com uma alegoria sangrenta sobre a opressão sistêmica em seu centro. Os Shadysiders não sofrem por causa da má sorte. Eles não estão condenados à pobreza e à violência por não se erguerem com seus passos. Há algo mais sombrio em jogo. Janiak propositalmente focou sua trilogia em uma Final Girl gay e negra, que se recusava a jogar limpo em um mundo que parecia decidido contra ela. A cineasta então cercou sua heroína com pessoas de cor e personagens complicados que nem sempre existem em terror de terror ou são mortos tão rapidamente que mal conseguimos conhecê-los. Como tal, Janiak fez uma trilogia de slasher desafiadora para nossa era moderna, enquanto olha para trás com firmeza, no passado.

Os dois primeiros filmes receberam críticas mistas por inclinar-se para a nostalgia, quedas de agulha e alguns clichês. Mas eu estou entre aqueles que acharam esses toques uma caminhada proposital – e divertida – pela estrada da memória assassina do gênero slasher antes de ir para algum lugar novo. Em 1666, a nostalgia foi arrancada por séculos. Um design de produção dedicado pinta um mundo que parece antigo, mas vivo. As luzes de néon de 1994 foram trocadas pelas lanternas de 1978 e agora trocadas pela luz do fogo de 1666. Os ecos existem por meio de gestos repetidos, visuais, pontos de trama e – é claro – o elenco. A era do colonialismo e seus males são desmistificados, com o elenco já amarrado em nossas mentes aos tempos mais modernos. Então, quando o cara zombeteiro de Sunnyvale dos anos 94 (Jeremy Ford) começa a espalhar medo falando sobre Satanás e as mulheres selvagens que garantem o desastre; é fácil ver como esse personagem pode aparecer hoje, provavelmente gritando suas asneiras no YouTube ou em um podcast. No entanto, a história de Sarah não termina em 1666. Depois de ser linchada, Deena está de volta ao presente (1994) em seu próprio corpo, deixada para lutar contra algumas realizações pesadas e um confronto final que exige uma equipe e uma viagem climática para o centro comercial.

Como 1666 é encerrado pelo enredo de 1994, o ritmo é reconhecidamente chocante, mas parece apropriado. Nós, como Deena, temos muito o que processar e pouco tempo para isso. Então respinga-se dd CK One e prepara-se para uma batalha real que colocará ela e nossos heróis contra um clã mascarado de assassinos. Em meio a respingos de sangue e tinta reativa à luz negra lançada junto com matanças espalhafatosas, as coisas ficam complicadas em termos de trama. Ainda assim, é difícil se incomodar quando Janiak e sua equipe estão tendo um banho de sangue final tão espetacular e inventivo. É uma indulgência, mas bem-vinda e merecida.

O Veredito

Quanto mais nos aprofundamos nessa franquia, mais difícil se torna separar esses filmes como peças individuais. Como mostra o capítulo final, essas partes foram feitas para serem consideradas como um todo. Eles contam uma história que se estende por séculos, amarrando as narrativas das mulheres de Shadyside que ousaram ser diferentes, que ousaram sonhar e que ousaram desafiar as regras feitas por aqueles que nunca poderiam entender. No final, é muito mais do que slashers e Sarah Fier. Rua do Medo torna-se um caminho para explorar os horrores que ainda assombram os marginalizados, que são vítimas culpadas pelas tragédias que se abatem sobre eles em um sistema montado para derrubá-los.

Rua do Medo – 1666 Pt. 3 torna-se a peça final do quebra-cabeça que se encaixa, tornando o quadro geral mais claro. Por si só, é divertido assustador, revelandor das sombras, das suspeitas e com plot-twists distorcidos. No contexto mais amplo, é um clímax que é sensacionalmente ousado, emocionante e surpreendentemente divertido…e talvez não apenas um fim, mas sim um novo começo.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Há 1 bom motivo para alguém querer descartar Space Jam: Um Novo Legado.

1. Você é apenas um fã incondicional de Michael Jordan e o pensamento de LeBron James estrelando em uma sequência do filme de sucesso é impensável.

Só que aqui nessa continuação você realmente pensará que este filme com os Looney Tunes está competindo por qualquer consideração ao Oscar. E se você estiver apenas procurando se divertir um pouco, Space Jam – Um Novo Legado deve fornecer baldes (e mais baldes) dignos de risos.

LeBron estrela como ele mesmo, o homem que reina na NBA nas últimas 2 décadas. Só que, embora domine o basquete, LeBron ainda não descobriu como ser um pai vencedor na trama. Seu filho mais novo, Dom (Cedric Joe), tem um leve interesse por basquete, mas sua verdadeira paixão é o design de videogame. LeBron não se toca de que sua vontade de ajudar Dom a ser tão bom no basquete quanto ele está afastando-os. Então o algoritmo criativo da Warner Bros., Al G. Rhythm (Don Cheadle) explora essa rachadura na unidade familiar e traz LeBron e Dom para seu mundo virtual. Al apela para a necessidade de Dom por apoio e incentivo de seu interesse por videogame e convence Dom a lutar contra seu pai em um jogo de basquete sem barreiras. Para empilhar mais as probabilidades a seu favor, Al ajuda Dom a criar um esquadrão baseado em jogadores da NBA e WNBA com habilidades especiais baseadas em seus respectivos jogos.

Mas LeBron está animado com a possibilidade de se associar a alguns dos pesos pesados ??da Warner Bros. Só que isso não é o que está acontecendo, galera! O Pernalonga (Jeff Bergman) recruta a equipe e, em vez de chamar King Kong e Superman, explica que a equipe é composta por seus amigos Looney Tunes: Gaguinho, Eufrazino, Coyote, O Galo, Taz, Vovó, Piu-Piu, Frajola e a Coelhinha Lola (Zendaya). E Patolino percebe que o verdadeiro poder está na prancheta e é do treinador.

A Warner Bros. usa Space Jam – Um Novo Legado como uma desculpa para fazer sua versão de Uma Cilada Para Roger Rabbit usando uma série de participações especiais de várias propriedades do estúdio, como os personagens de Hanna Barbera, da Liga da Justiça, de Game of Thrones, Matrix, Harry Potter e até mesmo It, A Coisa apareceram para assistir o Jogo do Século.

LeBron é claramente um jogador de basquete melhor do que ator e, muitas vezes parece que ele está lendo as falas em vez de pronunciá-las de maneira natural. Mas o que lhe falta em talento natural para atuar, James compensa com seriedade e compromisso com as anedotas sem levar isso muito a sério. Afinal, ele está metido na armadilha e até faz piadas bem-humoradas sobre sua carreira e legado para provar que não está isento de ser o alvo de uma boa piada.

Há uma mistura estranha de realidade e ficção aqui. Será que um jovem LeBron realmente jogou seu Gameboy no lixo depois de errar a chance da vitória de um jogo? Talvez não.

O diretor Malcolm D. Lee incorporou algo para fãs de todas as idades aqui. Há a animação 2D tradicional feita no estilo dos desenhos animados antigos dos Looney Tunes e um CGI moderno que contabiliza cada pedaço de pele dos personagens do Looney Tunes. Space Jam – Um Novo Legado apareceu em boa pra botar pra quebrar com algumas gargalhadas, patetices da melhor safra, trechos famosos dos personagens e um senso geral de diversão.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz na HBO Max e nos cinemas (Cinemark, Cinépolis e UCI).

Uma das estreias do Mês do Orgulho do Amazon Prime é Manhãs de Setembro, uma série curta e doce em cinco partes estrelada pelo cantor de soul brasileiro Liniker – famoso com Liniker E Os Caramelows – como uma mulher trans cuja vida virou de cabeça para baixo quando o filho que nunca soube aparece em sua porta. A O2 Filmes do cineasta Fernando Mereilles produziu a série, que leva seu protagonista a reconsiderar a rejeição de sua paternidade diante do preconceito que enfrentou quando era mais jovem e ainda enfrenta até hoje. Se isso soa como uma premissa dramática convincente, bem, você pode estar certo.

Cassandra (Liniker) roda de motocicleta. Ela é uma motoboy. Ela toca a campainha, entrega uma garrafa de vinho a um homem que olha para ela, se recusa a se dirigir a ela verbalmente e bate a porta na cara dela. Ela sobe na moto e seu telefone toca. É uma classificação no aplicativo de correio: uma estrela. Ela dá de ombros e chuta a cabeça a decoração do jardim: uma Branca de Neve.

Cassandra encontra seu namorado, Ivaldo (Thomas Aquino), e o leva para seu novo apartamento. Seu quarto cabou de ser pintado e o cheiro é tão forte que eles não podem passar a noite lá. Não é ótimo, mas Cassandra tem 30 anos e finalmente tem seu próprio lugar, um relacionamento sólido e alguma independência há muito desejada.

Corta e ela desaba no sofá de sua amiga Roberta (Clodd Dias). Roberta dirige o clube de drag onde Cassandra canta. Ela não vai cantar Vanusa de novo, vai? Roberta pergunta. Cassandra é apaixonada pela música de Vanusa, mas não cái bem com o público. Cassandra então concorda em cantar algo da Pabllo. Prometeu.

Num outro dia Cassandra coloca a faixa Manhãs de Setembro de Vanusa no toca-discos. A música termina; então a campainha toca. É Leide (Karine Teles), com um menino de 10 anos, Gersinho (Gustavo Coelho). Cassandra os trata com frieza, ainda mais depois que Leide se refere a ela como ele. Cassandra uma vez foi Clovis e teve um caso de uma noite com Leide. Antes de partirem, Gersinho escreve um endereço e desenha um carro na palma da mão de Cassandra. É onde ela pode encontrá-los.

Por enquanto, Cassandra esconde a verdade de Ivaldo. Ela está preocupada e profundamente perturbada enquanto faz uma entrega e conserta sua motocicleta que quebrou no meio da rua. Já Leide vende pacotes de batata frita e fones de ouvido na rua e Gersinho calcula que precisam vender 300 pacotes de batatas fritas para conseguir uma vaga na pensão a noite. Só que isso não acontece e eles dormem no carro novamente. Cassandra aparece no clube e Ro consegue arrancar a verdade dela. De jeito nenhum que Cassandra não vai cantar Vanusa esta noite. Sem chance. Ela cantou.

A criadora de Manhãs de Setembro, Josefina Trotta, definiu a premissa de maneira agradável, capturando o sabor e a textura de São Paulo e estabelecendo o caráter de Cassandra dentro de sua dicotomia social. Ela está à beira de um novo dia brilhante em sua vida, apesar de seu apartamento empoeirado e sujo; não é muito, mas é dela. Compare isso com o homem estátua de Branca de Neve, que vive em uma casa espaçosa sob a luz do sol idílica, mas existe moral e espiritualmente na sombra escura do preconceito.

A complexa mistura de emoções de Cassandra às vezes sai como uma petulância taciturna. Mas não é um obstáculo – vamos torcer pela felicidade e aceitação de Cassandra porque temos empatia com sua história, que certamente se aprofundará à medida que a série continua. E, claro, ela arrasa nas sequências musicais, quando Cassandra canta com toda a força, expressando sua dor por meio das canções de Vanusa. Dizer que o mundo precisa de mais histórias representativas sobre indivíduos trans é um eufemismo, e isso automaticamente nos atrai para as Manhãs de Setembro, no conceito. Já em execução, é cuidadosamente filmado e escrito, exatamente como precisa ser.

Manhãs de Setembro é um gancho suficiente com seu episódio de estreia para nos atrair. A forte premissa tem potencial suficiente para nos levar a um ou dois solavancos e aprofundar a série, que tem o potencial de abordar questões universais da perspectiva de uma mulher negra trans . Esse é exatamente o tipo de representação de que o mundo precisa.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Estou de saco cheio do suspense de terror. Eu gosto do meu pavor sorrateiro e dos meus sustos nascidos mais de ângulos de câmera astutos e, imagens perturbadoras, do que de pulos de susto. Quero um filme que é tão assombrado pelos traumas de seus personagens quanto por seus assassinos, fantasmas e almas penadas.

Confesso que senti uma sensação de alívio ao perceber que o filme inicial de Rua do Medo não era sobre mais do que diz na embalagem.

Rua do Medo 1994 Pt. 1 é sobre assassinos desagradáveis e eficazes caçando um grupo de adolescentes que entram em contato com uma maldição que assola sua cidade Shadyside, Ohio, há três séculos – algo que tem a ver com uma bruxa acusada, Sarah Fier, que foi enforcada em um assentamento na área em 1666. Em nenhum momento durante o filme, que é a primeira parcela de uma trilogia que a Netflix lançará ao longo das próximas duas semanas, haverá uma sugestão de que a maldição é uma metáfora para sexualidade reprimida, ou “industrializada”, ou qualquer outra coisa dessas. Às vezes, uma maldição é apenas uma maldição, mas esta tem periodicamente desencadeado uma onda de assassinatos em Shadyside, que está esfarrapada e lutando, enquanto a comunidade vizinha de Sunnyvale prospera.

– Eita! Conta mais, Pedroka!

Não é realmente um spoiler eu te dizer que Maya Hawke (a filha da Uma Thurman mesmo) não dura muito aqui. É que Rua do Medo 1994 Pt. 1 é um festival de respingos adolescentes, inteligente, divertido e sangrento que não tem medo de mostrar sangue jorrando depois de uma machadada na cabeça. O terror é trash aqui.

Deena (Kiana Madeira), é uma estudante do ensino médio na Shadyside, Ohio, “a cidade sombria atormentada por uma história de assassinatos violentos”. E esse trauma não é nada comparado com o drama dela que é apaixonada, mas está em maus lençóis por causa do rompimento com sua ex, Sam (Olivia Welch), que se mudou para a vizinha Sunnyvale.

O assassinato de uma adolescente no shopping local (desculpe, Maya) significa que outro assassino está à solta na cidade então, o irmão mais novo de Deena, Josh (Benjamin Flores Jr.), reune pistas sobre os assassinatos (é início dos anos 90, então ele foi um dos primeiros usuários da internet) e junto com um pequeno grupo de amigos decide acabar com a maldição da cidade de uma vez por todas.

Rua do Medo 1994 Pt. 1 vale a pena assistir e estou definitivamente ansioso para as próximas duas partes que serão, esperançosamente, mais assustadoras e tão bem produzidas quanto essa. Eu acho que se eles se desviarem do rótulo Stranger Things, então isso pode se tornar mais perturbador ainda. Embora seja um filme de terror com mortes explícitas e uma história intrigante, por baixo da máscara é realmente sobre como superar o medo do seu verdadeiro eu e se apegar aos seus entes queridos. Mesmo quando está passando pelo inferno, um indivíduo ainda pode se sentir feliz sabendo que há uma chance de estar com a pessoa que mais ama depois que o pesadelo termina, semelhante à nossa experiência durante e depois de um filme de terror com as pessoas de quem gostamos.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

As duas continuações já chegam a partir de 9 de Julho.

 

Qualquer pessoa que espera por alguma vasta expansão ou escavação profunda no subtexto inexplorado provavelmente ficará um pouco desapontado com a sequência do fantástico filme de terror de 2018 de John Krasinski, Um Lugar Silencioso, sobre um mundo que não ousa nem tossir audivelmente com medo dos ET’s assassinos que ouvem tudo. Mas, como continuação do original, dificilmente pode ser criticado. As configurações estão tão tensas quanto antes. O elenco continua a se lançar ao material com admirável entusiasmo e; Cillian Murphy se prova uma excelente adição à equipe. “Mais do mesmo” raramente foi levado com tanto ímpeto.

A mudança de tom mais significativa vem em uma sequência de abertura soberba que nos leva de volta ao dia da invasão. Ao longo do ano passado, todos nós ficamos desconfortáveis com filmes que juntam atores em pequenos espaços sem ventilação mas aqui essa é a melhor idéia.

Em um dos vários acenos acidentais às nossas crises atuais, tudo estava muito bem até que, uma catástrofe está acontecendo e, durante um jogo de beisebol, bolas de fogo arranham o céu. Pronto! Essa é a mais impressionante invasão alienígena que já foi filmada. A jogada é arriscada para os cineastas porém, começar o filme “in medias res” (latim para “no meio das coisas”) foi um golpe de mestre.

O perigo e a inquietação aumentam ao filtrar a ação por meio dos esforços dos pais para tranquilizar seus filhos de que não há nada para se alarmar. Está tudo bem. Emily Blunt, volta como a assediada Evelyn, e murmura de forma pouco corajosa enquanto os policiais têm suas cabeças arrancadas. O ritmo aqui ainda é frenético. A confusão é nauseante.

De volta ao presente do filme, Evelyn está vagando com sua filha surda Regan (Millicent Simmonds), seu filho corajoso Marcus (Noah Jupe) e seu bebê recém-nascido. Como antes, Regan está usando o feedback em seu aparelho auditivo como um mecanismo de defesa anti-alienígena, mas isso não pode fazer muito para ajudar. Nisso, pra completar, Marcus pisa em uma armadilha violenta. Eles mancam e então, no caminho em direção a uma fundição de ferro abandonada, encontram Emmett (Cillian Murphy), um velho amigo, que construiu para si uma fortaleza solitária. Uma jornada emocional familiar então começa. Agora, nas profundezas do desespero egoísta, Emmett, que perdeu toda a sua família, é empurrado de volta para cuidar da humanidade.

Embora John Krasinsky forneça lastro psicológico a seus personagens – algo mais fácil de fazer quando o elenco é tão forte – Um Lugar Silencioso 2 é, na verdade, sobre trabalhar novos chiados com a fórmula existente. A engenhosidade nunca vacila durante os implacáveis 97 minutos da continuação. Emmet e Regan embarcam em uma jornada em direção a um farol no deserto, enquanto mãe Evelyn e os filhos restantes procuram tirar o melhor proveito do isolamento perigoso.

Ah! E os cineastas seriam realmente tão cruéis a ponto de colocar um bebê em perigo? Sim! Eles fariam isso, e o fazem.

Um Lugar Silencioso 2 é desconcertante; e é tão bem ajustado quanto um relógio de $10.000 dólares. Os deuses do mundo aqui são criaturas comedoras de gente. No que isso vai dar? Sem querer estragar o fim, só posso dizer que teremos parte 3.

5 pipocas!

Estreia dia 15 de Julho nos cinemas.