Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Em O Culpado ao longo de uma única manhã em um call center de despacho 911, o operador de chamada Joe Baylor (Jake Gyllenhaal) tenta salvar a vida de Emily (Riley Keough), que diz ter sido sequestrada. Mas nem tudo pode ser o que parece.

Quando se trata de filmes sobre policiamento, Jake Gyllenhaal e Antoine Fuqua têm excelente forma. Gyllenhaal tem o fantástico thriller de ação policial Marcados para Morrer em seu currículo, enquanto Fuqua certamente terá Dia de Treinamento anexado a todos os seus trabalhos futuros. Como este último, The Guilty – um remake do drama dinamarquês pré-selecionado do Oscar de 2018 com o mesmo nome – onde ele coloca seu foco em um policial imperfeito. E ele se aproxima do original ao replicar emoções tensas de um único set – há frescor suficiente, junto com um excelente desempenho principal, para justificar esta versão americana.

Mesmo antes do telefonema fatídico que forma sua premissa, The Guilty faz bem em nos colocar no headspace de Joe Baylor (Gyllenhaal).

Entre dores de cabeça dolorosas, uma separação de sua família e uma controvérsia indefinida sobre o porque os repórteres não param de ligá-lo, está claro que ele já está tendo um dia terrível, horrível, nada bom, muito ruim. A situação fica exponencialmente pior quando ele atende a uma ligação da angustiada Emily Lighton (Riley Keough), que afirma ter sido sequestrada por seu marido Henry (Peter Sarsgaard). Em pouco tempo, Baylor jura que salvará Emily e sua filha de seis anos, embora ele só conheça partes do quadro completo.

O filme mostra seu melhor quando Baylor está em uma ligação emocional após a outra e o roteiro de Nic Pizzolatto polvilha lentamente os detalhes importantes enquanto aumenta a urgência da situação. Nesse sentido, mostrar o filme tendo como pano de fundo um incêndio violento em Los Angeles que espalhou policiais é uma das muitas decisões inteligentes aqui. Outro bom serviço é a crítica sobre o policiamento americano – Baylor foi rebaixado de policial da Polícia de Los Angeles para virar atendente despachante, e eventualmente descobrimos o porquê – o que ressoa sem se sentir enfatizado demais.

Nada disso funcionaria sem um ator principal atraente no centro de O Culpado, e Gyllenhaal cumpre isso. Ele se compromete totalmente com a natureza temperamental de Baylor desde o início, e há uma corrente de desespero que cresce à medida que aprendemos mais sobre sua situação pessoal e o caso de Emily. À medida que essas duas narrativas convergem, Gyllenhaal também aumenta seu jogo, e raramente é menos do que emocionante de assistir uma história assim.

Na verdade, nenhuma atuação parece ter sido fabricada. Keough tem uma excelente “sacada vocal” como Emily: é um papel que exige que o ator esteja em um estado de angústia emocional elevada durante todo o filme, mas ela adiciona variações sutis, mas eficazes nisso para manter as coisas interessantes. Semelhante poderia ser dito sobre o Henry de Sarsgaard e o Rick de Eli Goree como parceiro de Baylor na Polícia, e o resto do elenco impressionante, fazem muito para pintar um quadro vívido do que nunca vemos. Gyllenhaal flexiona todos os seus consideráveis ??músculos de atuação neste thriller louco e tenso. Um dos melhores remakes que você verá.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

O novo drama da Netflix, Round 6, está causando alvoroço. Lançada em 17 de setembro de 2021, a série já gerou muita conversa nas redes sociais e muitas críticas positivas e negativas sobre o drama. Há até comparação com o estilo de Jogos Mortais e Jogos Vorazes. Com pouco tempo de lançamento, o drama já está liderando o ranking da Netflix. E já conquistou o recorde de ser a primeira série coreana a estrear nos Estados Unidos.

Round 6 conta a história de pessoas que têm dívidas enormes, impossíveis de pagar e recebem uma proposta misteriosa para participar de uma sequência de jogos em que o vencedor recebe um enorme prêmio em dinheiro, 45,6 bilhões de wons (moeda sul-coreana). Eles recebem o convite de um homem que esbarra neles e os desafia a participar de um jogo aparentemente simples de virar um quadrado de papel do avesso jogando outro quadrado de papel. Quando o homem que o desafiou vence, ele pode dar um tapa em seu oponente, pois não tem dinheiro para nada, mas quando a pessoa endividada vence, ele recebe 10.000 wons.

Após o jogador ver a possibilidade de “dinheiro fácil”, o responsável pela localização dos jogadores para o desafio entrega um cartão com um número de telefone para que, caso o interessado tenha vontade em participar nos outros jogos, possa se inscrever.

O protagonista Seong Gi-hun, interpretado por Lee Jung-Jae, é o primeiro a concordar em participar dos jogos. Mas ele não é o único. Ao aceitar a participação, é definido um ponto de encontro para os jogadores e eles são conduzidos inconscientemente ao local, onde usam uniformes com seus números de inscrição.

Ao todo são 456 jogadores, mas apenas 1 pode vencer. Os jogos são jogos infantis comuns na Coreia do Sul, mas se você for eliminado do jogo, perderá sua vida. O desafio consiste em 6 jogos em 6 dias, o sobrevivente leva o dinheiro. O cofre começa vazio, mas conforme os participantes morrem, 1 bilhão de wons por perdedor é adicionado. Cada desafio tem um tempo cronometrado para ser concluído.

A série Round 6, apesar de ter muito suspense e drama, carrega consigo uma forte crítica social em torno do dinheiro. O filme mostra a que extremos a abundância e a falta de dinheiro podem levar um ser humano. Todos os participantes têm dívidas elevadas adquiridas através de jogos de azar, mau investimento, envolvimento em coisas ilegais, empréstimos para sobreviver e vários outros motivos. E quase todos concordaram em jogar até a morte por um mínimo de conforto.

A crítica pesa sobre a desigualdade social, mostrando que quando devemos a alguém, nos tornamos seus escravos. E mesmo que tenhamos dinheiro, não podemos ter tudo como saúde, vida, apenas um conforto momentâneo.

Também mostra-se que, quando o dinheiro está em jogo, mesmo os mais legais podem cometer atrocidades. E que o ser humano precisa é saber usar as habilidades que possui, como inteligência, agilidade, força física, blefe, tudo isso para que possa garantir a própria sobrevivência.

Rouns 6 é osso duro de roer; essa é a verdade.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Com seu elenco de jovens promissores e fotogênicos, Viajantes – Instinto e Desejo de Neil Burger é erroneamente classificado como adulto sc-fi na Austrália porém se mostra um filme muito mais voltado para um público jovem adolescente do que para fãs de ficção científica. Ainda assim, essa parábola curiosa, mas envolvente, tem seu próprio lado especulativo, baseado principalmente em ciências inusitadas: a sociologia, por exemplo, com uma sugestão do debate natureza ou criação.

A viagem em questão é para o espaço sideral, e Burger não faz nenhum esforço para esconder sua inspiração nos clássicos como Alien e 2001 Uma Odisseia no Espaço. Mas igualmente, ele trata a espaçonave como um dormitório de faculdade de alta tecnologia, permitindo-lhe abusar nos romances e rivalidades de um jovem grupo que vive de perto a fórmula mais antiga de um reality show.

Escrito e dirigido por Burger – o pau para toda obra que nos trouxe a imitação dos Jogos Vorazes, de 2014, Divergente – o filme começa em uma Terra de futuro próximo esboçada às pressas, onde desastres ambientais forçaram a humanidade a buscar um novo lar. Mas mesmo com a aparente invenção da viagem mais rápida do que a luz, a jornada levará cerca de um século, o que significa que pelo menos uma geração de astronautas provavelmente viverá e morrerá a bordo da nave.

E onde encontrar os heróis dispostos a fazer tal sacrifício? A resposta é criá-los em um laboratório, usando material genético doado por ganhadores do Prêmio Nobel e assim por diante. Criados isolados do resto da humanidade, eles são submetidos a um programa de educação intensivo projetado para prepará-los para sua missão. Há algo patentemente monstruoso em todo esse esquema, um pouco reminiscente do tratamento dado aos clonados.

No entanto, a princípio, as questões éticas são um tanto encobertas: somos encorajados a acreditar na decência de Richard Alling (Colin Farrell), o cientista mais velho que escolhe acompanhar seus pupilos em sua jornada para um mundo melhor. Assim que a viagem está em andamento, no entanto, o herói Christopher (Tye Sheridan) e seu amigo Zac (Fionn Whitehead) fazem algumas descobertas desconcertantes. Existe, por exemplo, um misterioso compartimento escondido na nave.

Ainda mais surpreendente, parece que toda a tripulação, exceto Richard, está recebendo medicamentos para reduzir o desejo sexual – o que explica seu comportamento estranhamente calmo, até robótico. Assim que eles param de usar o “remédio”, Christopher e Zac começam a ver o mundo de forma diferente e ambos se apaixonam pela mesma garota, a oficial médica do navio Sela (Lily-Rose Depp), que permanece friamente indiferente.

O retrato do sexo no espaço permanece previsivelmente discreto, em comparação com a abordagem arriscada adotada pela diretora francesa Claire Denis em High Life – Uma Nova Vida de 2018. No entanto, para os padrões de Hollywood em 2021, há uma certa ousadia em levantar a questão. A linguagem visual de Burger cria seu próprio senso de intimidade, enfatizando as texturas da pele e destacando os momentos em que os personagens se tocam fisicamente – o que, para o bem ou para o mal, sempre significa que um limite foi ultrapassado.

Mesmo com o potencial de romance se abrindo, o filme não deixa de parecer um thriller de terror, especialmente pela qualidade de alfinetes e agulhas da trilha sonora de Trevor Gureckis. Por muito tempo, todos os tipos de possibilidades estão em jogo, e grande parte da tensão e da ambigüidade continuam até o clímax.

Mas, apesar de todos os momentos íntimos que nos deixam desajeitados, há uma ideia ressonante no centro de Viajantes – Instinto e Desejo: são homens e mulheres quase adultos, no final da adolescência ou início dos 20 anos, que perderam o aprendizado de como se comportar como adultos. Como visão do futuro, isso pertence muito ao presente. Ou seja, uma boa crítica da sociedade hoje.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

Se soubéssemos coletivamente como uma sociedade que o sucesso e o apelo da série de filmes de John Wick teriam dado início a uma série de filmes de assassinos imitadores, seria possível que tivéssemos dito “não, obrigado” à premissa por completo? Está começando a parecer isso depois de assistir a mais recente oferta da Netflix no gênero de filmes de vingança ultraviolenta, Kate. Apesar da presença da sempre observável e cativante Mary Elizabeth Winstead como a homônima Kate, esta visão liderada por uma mulher sobre a assassina de coração frio que se tornou uma vigilante implacável é visualmente deslumbrante.

Criada no mundo das mortes por encomenda desde jovem por seu manipulador, Varrick, interpretado por Woody Harrelson, Kate é a imagem de uma determinação impiedosa e de olhos de aço. Essa resolução gelada é testada, no entanto, quando durante um ataque em Osaka, ela vacila por um momento ao ver seu alvo, um chefe da Yakuza, com sua filha ao seu lado. Dez meses depois, ainda se recuperando da culpa, Kate tem esperança de que seu próximo trabalho seja o último. Este plano dá errado quando, depois de uma morte desastrada, ela descobre que foi envenenada com radiação mortal e tem apenas 24 horas de vida. Mas ela está determinada a tirar o máximo proveito disso, empilhando corpos e balas por toda Tóquio enquanto tenta descobrir quem a quer morta e terminar o que começou.

Ao longo do caminho, ela pega Ani, interpretada por Miku Martineau, a filha do homem que ela matou em Osaka, e se envolve em algo muito maior e mais confuso do que ela esperava. Mesmo para um fã passageiro de filmes de vingança como este, o resto é fácil de prever. Pelo menos nesse aspecto, você certamente não pode culpar Kate por seguir uma fórmula bem usada. De muitas maneiras, muitas vezes parece uma sequência de um filme melhor que você ainda não viu.

É ótimo o roteiro de Umair Aleem e a direção de Cedric Nicolas-Troyan (O Caçador e a Rainha do Gelo). Já as performances de Winstead e Martineau são divertidas de assistir. Sua química lúdica e natural impede o filme de se arrastar e empresta a leveza e a inteligência necessárias aos 106 minutos do filme. A cidade e a cultura de Tóquio atuam como um cenário elegante. Os japoneses se tornam atores de fundo e depois vítimas, tudo para facilitar a matança de Kate. Os visuais muitas vezes marcantes e das ruas nebulosas e cheias de neon da cidade fetichizado no bom sentido: valiosos pra relação.

Sim, os fãs de filmes como John Wick, Atomic Blonde e The Equalizer, e muitos de nós, serão tentados pela adesão de Kate à fórmula da fantasia de vingança, que oferece violência e brio suficientes para se qualificar para uma exibição na Netflix tarde da noite .

Kate, não é nenhum mistério por que amamos assistir essas mulheres na tela: elas são inteligentes, implacáveis ??e ferozmente capazes de uma forma que o resto de nós nunca será, super-heróis sem as capas e obrigações morais. E eles não precisam da permissão de nenhum homem para pousar.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

A estrela pop nativa e dona da p%$#@! toda Billie Eilish encena Happier Than Ever – Uma Carta de Amor Para LA no palco histórico de Los Angeles, o Hollywood Bowl, apresentando seu segundo álbum em sua totalidade e se transformando em um avatar de desenho animado dela mesma para uma sequência de sequências animadas que a acompanham. Essa coisa com certeza fará sua próspera base de fãs ter um treco, como eu.

Chamada de “experiência de show”, Carta de Amor apresenta todas as 16 canções do recente segundo álbum de Billie Eilish, Happier Than Ever, 56 minutos, apresentado cronologicamente no palco do Hollywood Bowl vazio pela cantora vencedora do Grammy, seu irmão e colaborador musical regular Finneas O’Connell, e convidados especiais incluindo a Filarmônica de Los Angeles regida por Gustavo Dudamel, o violonista brasileiro Romero Lubambo e o Coral Infantil de LA. Acompanhando a filmagem ao vivo, que foi dirigido por Robert Rodriguez, estão cenas animadas de um desenho animado de Billie viajando por LA em um Porsche conversível, adicionando um toque noir ao estilo Jessica Rabbit ao show. O animador afiliado à Disney e vencedor do Oscar, Peter Osborne, cuidou da direção das sequências animadas. Os tons suaves e a autorreflexão lírica do primeiro álbum “Getting Older” ronronam aqui.

A reflexão é a chave para Happier Than Ever; é o recorde em que uma estrela mundial, um fenômeno da música pop contemporânea, e conta com sua fama, imagem, mentalidade e percepção da mídia. Eilish foi forçada entrar no show business aos 18 anos e com uma vida pela frente. Por mais introspectivo que seja, e com seu lançamento promocional limitado pelas restrições do COVID, Love Letter serve como uma espécie de visualizador para o novo material de Eilish. Esse deleite de Eilish chega a zilhões, é claro, então eles com certeza vão comer essas performances com uma colher gigante! O palco do Hollywood Bowl permanece praticamente sem “adornos” no início, com Finneas de um lado nas teclas ou no baixo, um baterista de brinde e Eilish no centro, utilizando o espaço a seu favor. Mas ela usa a câmera também, ocasionalmente cantando diretamente para as lentes com um olhar de alegria e travessura. Pode não haver ninguém nos camarotes do Bowl, mas Eilish está definitivamente agarrando fãs em todos os lugares pelas lapelas.

Quanto à animação de Love Letter, as breves sequências têm uma paleta linda e inerte, misturando livremente entre desenho animado e carro real, ou sangrando na noite animada em fatias de antenas do Hollywood Hills (o bairro dos famos). O toon de Billie examina a paisagem urbana do telhado do Hotel Roosevelt e acelera ao longo da Pacific Coast Highway em seu Porsche. As partes animadas adicionam clima e algumas surpresas elegantes ao show.

Este é o programa de Billie Eilish. Ela pisa e dança, mas principalmente preenche os espaços vazios do Bowl com seu impressionante mezzo-soprano, aparentemente mais forte do que nunca, e um BUM! interpretativo que vai além para estabelecer as músicas de Happier Than Ever. Shots de laranja emprestam a noite um toque de esplendor às harpas, violoncelos e xilofones da Filarmônica. As costelas do Hollywood Bowl piscando para dentro e para fora com sua iluminação total são lindas.

Raios de vermelho vivo atravessando tudo para a pulsação eletrizante de “Oxytocin” deixam esta Carta de Amor está definitivamente acesa.

E embora Eilish seja justamente o ponto central para a direção de Rodriguez, há muitos momentos de destaque. Close-ups e cortes pra instrumentação, por exemplo, ou a forma como o coro das crianças se posiciona como sentinelas ao redor da borda do semicírculo do palco do Hollywood Bowl, alimentam a vibração etérea de “Goldwing”. Carta de Amor corta de forma inteligente a tagarelice e os bastidores tão comuns aos documentários musicais em favor de enfatizar aquela coisa mais ousada: a música.

Como a carreira de Billie Eilish surgiu meteórica, tem sido um procedimento padrão colocá-la no cenário como polêmica. Ela é jovem! Ela tem atitude! E as roupas dela?! É uma narrativa cansativa, e Eilish aborda de frente isso com a cáustico “Not My Responsibility”. O que este filme mais enfatiza é a nuance, o poder e a habilidade estudada de Eilish. À medida que seu trabalho continua a emergir de seu espaço formativo no estúdio de gravação do quarto de Finneas, filmagens de shows como esta – mesmo em sua forma um pouco atrofiada e sem público – se tornam um documento importante de uma artista que continua a provar o quão duradouro e ressonante ela está preparada para ser.

Happier Than Ever – Uma Carta de Amor Para LA pode ser o tributo de Billie Eilish à sua cidade natal, mas é maior do que isso como um filme, servindo para concretizar sua posição como artista ao vivo e emprestar panache visual para um dos maiores álbuns da era COVID-19.

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Disponínel no Disney+.

A guerra acabou. Embora os aliados vitoriosos tenham dividido o controle de Berlim, os verdadeiros vencedores são o povo da Alemanha. Em 1946, a vida está crescendo como nunca e os habitantes locais não poderiam estar mais felizes. Pelo menos, é isso que os noticiários da época os faziam acreditar. E alguns até acreditavam. Outros, porém, sabiam a verdade verdadeira.

‘Berlim é um grande bolo podre dividido em quatro fatias’, disse o cônsul americano Tom Franklin (Michael C. Hall) ao recém-chegado Max McLaughlin (Taylor Kitsch). Este último é um detetive do Brooklyn contratado pelo Departamento de Estado para levar o policiamento da “capital mundial do crime” aos padrões do NYPD para Berlim. Chocado com o estado de seu novo ambiente bombardeado, McLaughlin é imediatamente roubado – sua jaqueta foi levada por dois jovens e o primeiro se dá bem na sua frente.

Tendo se recuperado desse contratempo, ele está então mais do que preparado para o distrito que foi designado. O menor do setor americano, atualmente está alojado em um banco (graças a um incêndio recente apagado). Os interrogatórios acontecem no cofre, um lugar que também funciona como dormitório da vida destruída do membro mais jovem dos oficiais – Gad (Maximilian Ehrenreich), de 16 anos. A chefe da delegacia, Elsie Garten (Nina Hoss), revela a Max que, incapazes de portar armas, eles usam pernas de cadeira como cassetete e que dois tipos de crimes são denunciados – estupros e assassinatos.E o pior ele ouve dela: ‘Não há empregos e as pessoas estão ficando sem coisas para roubar. Com mercados negros abundantes e prostitutas em cada esquina, trapacear e espionar é como você sobrevive. Todo mundo nesta cidade tem um segredo’.

Todo mundo, incluindo Max. Acontece que ele só se ofereceu para o trabalho a fim de encontrar seu irmão mais velho Moritz (Logan Marshall-Green), um oficial do Exército dos EUA que enlouqueceu e sumiu no mundo depois que a luta parou.

No entanto, primeiro, Max terá que lidar com questões mais urgentes.

Perdendo-se em território americano, as forças russas atiraram em vários civis. Então apesar de estar treinando seus novos pupilos sobre como lidar com a cena do crime, Max se vê impedido com o chefe russo Alexander Izosimov (Ivan G’Vera).

Mesmo tendo sido avisado de que ‘em um lugar sem leis, você precisa ter um senso aguçado de certo e errado e reflexos rápidos’, Max não está preparado para a resposta do militar à sua sugestão de que o conflito deve ser um coisa do passado. A guerra não acabara, apenas entrou em outra fase.

Como em suas séries anteriores, The Bridge e Midnight Sun, os roteiristas suecos Mans Marlind e Bjorn Stein fazem um excelente trabalho em estabelecer um senso de espaço e lugar, além de um ótimo uso de todo o potencial dramático da época e enchem sua história de personagens e situações memoráveis.

Às vezes, é frenético, cinético, em outras, mais comedido, mas o aumento da tensão é palpável, e você será pressionado a ser atraído para este conto multifacetado que também inclui as tentativas de Elsie para impedir o perigoso Engelmacher, um homem que pretende ajudar as jovens problemáticas da cidade. Mas a bondade dele é uma armadilha para prender inocentes.

Sombras da Guerra representa efetivamente a Berlim quebrada, mas é o elenco que realmente vende a série. Eles podem não ser tão famosos quanto Taylor Kitsch e Michael C. Hall de Dexter, mas vale a pena passar um tempo com eles. Essas são apenas algumas das inúmeras razões pelas quais você vai ficar colado na tela ao acompanhar ou maratonar.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Em pouco tempo, o jovem Jonas Hansen (Philip Froissant) terá que enfrentar vários golpes do destino. Sua avó morre quando é atacada por um cachorro. Poucos meses depois, ele também perde seus pais em um trágico acidente. Para que possa continuar a viver na ilha do Mar do Norte onde cresceu, ele aceita a oferta de viver com o seu avô Friedrich (Hanns Zischler), pelo menos até passar pela adolescência. Em termos de escola tudo vai bem com ele, sua nova professora Helena Jung (Alice Dwyer) até o incentiva em suas ambições literárias. E o seu ambiente também o apóia da melhor maneira possível, sobretudo Nina Cohrs (Mercedes Müller), de quem é amigo desde a infância e que cultiva profundos sentimentos. Em vez disso, é Helena Jung que se aproxima dele e começa um caso com ele.

Algumas semanas atrás, Céu Vermrlho Sangue se tornou uma sensação. Embora a Netflix já tenha colocado com sucesso algumas séries produzidas na Alemanha no mercado internacional, as coisas pareciam ruins na divisão de filmes até agora. De qualquer maneira, não havia muitos filmes alemães na Netflix. O pouco que estava ali foi ignorado. Agora, com Ilha de Segredos, chega o próximo longa-metragem alemão que pode deslanchar.

O diretor e co-escritor Miguel Alexandre faz uma abordagem diferente dos thrillers alemães comuns. Enquanto uma morte inicialmente acontece fora do contexto, no acidente dos pais você pode ver que Helena Jung estava ao volante e empurrou o carro para morte. Em outros aspectos, Ilha de Segredos nunca faz segredo sobre o fato de que a professora vingativa está perseguindo algum objetivo sombrio. Ela também corteja Jonas de forma tão agressiva que até os outros na classe vão notar. A única pergunta que permanece sem resposta é: por que exatamente ela está fazendo isso? O que ela ganha quando manipula a vida dos Hansen tão fortemente e às vezes até a destrói?

Conforme o esperado, levará algum tempo até que esta questão seja resolvida. Na verdade, leva quase que até o fim. Não está muito bem definido. Teria sido menos enervante se houvesse pelo menos algumas dicas de antemão ou se outras questões tivessem sido incorporadas como alternativa para amenizar a tensão. Tudo está claro em Ilha de Segredos, exceto a resolução.

Ilha de Segredos é um thriller visualmente poderoso, que impressiona por sua complexidade, mas em nenhum momento é realmente brutal ou sangrento. Mesmo assim, o filme consegue acumular uma boa dose de tensão por meio de suas produções cênicas. A roda não é reinventada aqui, mas o filme vale a pena assistir simplesmente por causa das fantásticas fotos da natureza do mar, da ilha e das opressivas mudanças de maré.

Esta recém-adicionada pérola alemã da Netflix fala explícitamente sobre sobre os segredos em uma ilha aparentemente pacífica que ameaçam oprimir um aluno órfão que se aproxima demais de um novo professor. E não há mal nenhum nisso mesma que seja clichê.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Imagine acordar em algum lugar estranho sem saber como você chegou lá, ou mesmo quem você é. Agora imagine que você e um grupo de outros adolescentes atraentes estão na mesma situação. Isso soa como um show confuso para você? Pois é.

Vemos uma jovem dormindo intermitentemente e ouvimos gritos em sua cabeça. Ela acorda de repente. A menina (Maria Wawreniuk) não tem ideia de onde ela está ou mesmo quem ela é. Ela nota uma queimadura feia no braço. Quando ela se levanta para começar o dia, um despertador toca e ela se lembra de si mesma. Seus pais morreram em um incêndio. Ela tem o nome de sua tia, mas ela não sabe qual é o nome dela. Ela tem 17 anos e seu aniversário é 6 de fevereiro. Ela disse que sua mãe costumava dizer que seus dentes cairiam se ela não os escovasse. Ela está lá há quatro dias e, por enquanto, ela se chama NN (sem nome).

Enquanto ela caminha por este enorme prédio antigo, semelhante a um hospital, com móveis e iluminação modernos, ela vê outra pessoa de sua idade dançando. Ela logo se junta a outros adolescentes, todos os quais estão no centro de transtornos de memória da Segunda Chance há algum tempo. Mas Iza (Klaudia Koscista), uma paciente particularmente extrovertida, dá a NN um furo sobre o que esperar lá: uma terapia com o diretor do centro, o Dr. Zofia Morulska (Marta Nieradkiewicz) que consistirá principalmente na tentativa de extrair informações do paciente. Todos passaram pelas mesmas coisas que ela, e todos se lembram de coisas diferentes. No entanto, é um processo lento. O que Iza também sugere é que cultivar um talento geralmente ajuda com a memória.

Durante sua sessão com a Dra. Zofia, NN, lembra que seu pai disse a ela para segurar canecas quentes pela alça e lembra a aparência de sua tia, mas não o nome.

E outras bizarrices irão acontecer a NN; se liguem!

A Saída tem a estranheza de um show como Legion combinada com o tom colegial de algo como Gossip Girl ou Elite.

A série começa lentamente, enquanto observamos Julia tentar “tatear” o início de um dia em que ela sabe tão pouco ou por que está lá. Mas quando ela começa a conhecer seus colegas pacientes, como a dançarina ágil chamada Syzmon (Wojiech Dolatowski), o idiota chamado Pawel (Michal Sikorski) e a garota esperta chamada Milena (Zuzanna Galewicz), o show começa a se transformar em um estranho drama adolescente, um que não temos certeza se tem um controle sobre o que quer ser. Com certeza, há algo acontecendo no instituto Segunda Chance, e Julia descobrirá mais ao reconstituir o acidente que a levou até lá.

Nós recebemos algumas pistas ao longo do caminho e sabemos que o Dr. Zofia sabe muito mais sobre Julia do que Julia sabe sobre si mesma. Mas não tenha a certeza de que a série vá mergulhar profundamente nessa exploração. Só aguarde e assista até o fim.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Beckett serve como um lembrete de que um thriller não precisa de um truque excessivamente inteligente, alguns efeitos visuais espetaculares, várias acrobacias exageradas e / ou muitas sequências de ação estilizadas para ter sucesso. Aqui, o roteirista Kevin A. Rice e o diretor Ferdinando Cito Filomarino retornam ao tipo de abordagem reduzida ao básico que definiu os thrillers por décadas.

Uma pessoa comum, sem nenhuma habilidade ou treinamento exclusivo ou especial, é perseguida e caçada por motivos que não compreende. O enredo é simples, mas a técnica e as performances do filme estão longe de ser simplistas.

A única coisa que chega perto de um conceito aqui é que nosso herói homônimo, interpretado por John David Washington, está de férias na Grécia quando a perseguição começa. Beckett não conhece a geografia – seja o terreno ou onde qualquer coisa está em relação a onde ele está e para onde quer ir – ou a língua – embora pelo menos um bom número de aliados provisórios ou inimigos definitivos saibam inglês.

Tudo parece bem no início. Beckett e sua namorada, April (Alicia Vikander), abandonaram Atenas por causa de um protesto / comício político que está programado para alguns dias (a história se passa durante os estágios iniciais da crise econômica e da dívida do país), para um passeio por aldeias rurais mais calmas. Eles tiveram um pouco de dificuldade, mas estão trabalhando no plano – aproveitando os passeios, as caminhadas por ruínas antigas e tomando café nos cafés locais. Dirigindo para sua próxima parada no meio da noite, April adormece no banco do passageiro e Beckett começa a cochilar. Ele acorda, tarde demais, com o carro saindo da estrada, caindo na beira de uma queda e batendo em uma casa mais abaixo na colina. April pousou, após ser atirada pelo para-brisa. Ela está morta. A polícia oferece condolências no hospital e sonda Beckett com perguntas na delegacia, porém algo parece estranho.

Deve-se ser capaz de prever o fluxo geral desta história a partir daí. Beckett corre, tenta obter ajuda, encontra-se confrontando a mulher ou o policial ou algum outro inimigo anteriormente desconhecido, e continua correndo, com algum inimigo ou inimigos sempre em seu encalço e mais perto – cada vez mais perto. Algumas pessoas o ajudam, incluindo duas ativistas políticas Lena e Thalia (Vicky Krieps e Daphne Alexander) que fazem a mente de Beckett seguir na direção correta sobre o motivo pelo qual ele está sendo caçado. Nem na Embaixada há facilidade e Tynan (Boyd Holbrook) é a prova.

Washington, interpretando um cara reduzido a instintos de sobrevivência e táticas de autopreservação, torna-se um “homem ingênuo” bastante simpático, no sentido hitchcockiano. Também há um pouco mais neste personagem, especialmente quando, por que e como ele decide fazer algo certo, além de só por si mesmo e sua sobrevivência.

Em Becket a simplicidade é freqüentemente rejeitada ou evitada, mas quando funciona, funciona.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

O longa filmado e setado em Pittsburgh, do diretor Brian Andrew Mendoza, estreia na sexta-feira na Netflix. Tudo sobre sua primeira hora ou mais levaria os espectadores a acreditar que é um filme de vingança inteligente, mas relativamente padrão, sobre um homem que toma algumas decisões infelizes depois de ser empurrado para o limite. São perseguições, tiroteios, combates corpo a corpo e até uma tentativa de fuga das autoridades que culmina em cima do estádio de baseball dos Pirates (PNC Park).

Então, assim como Justiça em Família acalma você em uma falsa sensação de segurança de filme de ação, ela puxa o tapete debaixo de você com uma revelação que muda como tudo o que veio antes é percebido e adiciona uma camada emocional extra a uma já sofrida história sobre um pai tentando proteger a única família que lhe resta. É uma das surpresas mais bem executadas que você verá em um filme de ação que, em retrospecto, foi prenunciado apenas o suficiente para não vir completamente do nada. M. Night Shyamalan ficaria orgulhoso.

O filme começa estabelecendo o quão próximo Ray Cooper (Jason Momoa) é de sua filha Rachel (Isabela Merced).

Sua esposa é Amanda (Adria Arjona).

Ela é hospitalizada após um diagnóstico de câncer que mudou sua vida e ela não consegue sobreviver, e tanto Ray quanto Rachel são deixados para lamentar sua perda enquanto também fervem de raiva da empresa farmacêutica que atrasou o lançamento de uma droga experimental e potencialmente salvadora.

Depois de descobrir que pode haver outros motivos pelos quais a droga não chegou ao mercado a tempo, Ray começa a fazer aqueles que ele acredita serem os responsáveis ??pelo pagamento da morte de sua esposa. Isso obriga ele e Rachel a fugir, uma vez que algumas pessoas poderosas descobrem como ele está tentando mudar o modelo de negócios de uma indústria inteira.

Momoa normalmente interpreta figuras gigantescas como Khal Drogo em Game of Thrones e Aquaman no Universo DC. Aquu, ele é apenas um cara da classe trabalhadora de Pittsburgh que por acaso é roubado muito além da conta. É uma rara oportunidade para Momoa se expandir como ator, e ele consegue isso principalmente entre lutas extremamente violentas ou ensinando Rachel a lutar.

Em sua estreia como diretor, Mendoza mostra uma verdadeira autoconfiança ao encenar cenas de ação em grande escala. Pittsburghers apreciarão especialmente a batalha um-a-um que ocorre em um trem em movimento, um duelo até a morte em uma fonte reconhecível no centro da cidade e a perseguição mencionada que começa na Ponte Roberto Clemente e termina com holofotes de helicóptero iluminando Momoa em uma parte normalmente inacessível do estádio do Pirates.

Um dos truques mais legais que o filme usa é garantir que nenhuma ação pareça gratuita. Tudo está enraizado no desejo de Ray de manter Rachel segura e garantir que as pessoas que ele sente destruídas pelas empresas farmacêuticas sejam levadas à justiça. Pode-se julgar os métodos de Ray, mas tudo o que ele faz pelo menos faz sentido para o personagem.

O público pode ficar mais impressionado com Isabela Merced, que é o centro moral relutante de Ray. Ela ama seu pai, mas também sabe que ele está perigosamente perto de ir longe demais. Merced e Momoa têm uma ótima química, e ela prova que pode ter um futuro como heroína de ação em várias cenas de luta.

Há pouca sutileza em Justiça em Família. As empresas farmacêuticas priorizam os lucros em vez de vidas e têm uma relação íntima e desagradável com as empresas de saúde e a política. Embora seja muito pesado, ainda é interessante assistir a um grande filme de ação tentando lidar com temas complexos.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.