Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Uma super-heroína – e uma estrela – nasce em Ms. Marvel (Disney+), a mais recente incursão de tela no MCU. A super-heroína é a adolescente paquistanesa-americana Kamala Khan, a primeira manchete muçulmana da Marvel, cuja série solo de quadrinhos estreou em 2014. A minissérie conta sua história de origem, desviando-se um pouco do material original e de alguma forma humanizando-o ainda mais.

A estrela é Iman Vellani, em – incrivelmente, dado seu carisma, timing cômico e golpes dramáticos em cada cena – seu primeiro papel como atriz. Seu segundo será no próximo filme da Marvel, The Marvels (espero que você esteja claro sobre nós estarmos em um universo Marvel durante esta peça), uma sequência de Capitã Marvel e focando nas aventuras de Carol Danvers/Capitã Marvel e nossa Sra. Normalmente, você temeria por uma jovem atriz, mas Vellani parece tão nascida para o roxo que você quase tem que dar de ombros e dizer, como uma anciã faria seu papel de super-heroína nascente em – ah, eu não sei, o MCU talvez – que é o destino dela.

A série em si? Apenas dois episódios foram lançados para revisão, mas são gloriosos. O enredo até agora é leve. No momento, é tanto um amadurecimento da vida real quanto uma história de origem de super-herói. Kamala, de dezesseis anos, é uma artista, vlogger e devota obstinada dos Vingadores em geral, e da Capitã Marvel especificamente. Nós a encontramos com entusiasmo narrando sua última história animada sobre eles.

A maior parte do primeiro episódio mostra ela tentando persuadir seus pais a deixá-la ir à convenção de quadrinhos dos Vingadores em uma viagem de ônibus, refinar sua fantasia de Miss Marvel e aplacar o diretor da escola quando ela é levada ao escritório dele por seus constantes “rabiscos” e sonhos acordada. Embora provavelmente seja engolido pela alegria mais profunda e pelo significado mais amplo de ver um personagem muçulmana ganhar vida, eu só quero notar como é absolutamente maravilhoso ver uma representação precisa, amorosa e irrestrita de um fandom feminina apaixonada, tantas vezes ridicularizada ou ignorada enquanto os garotos(as) geeks herdam o mundo.

Eventualmente, e com a ajuda de seu melhor amigo, Bruno (Matt Lintz) – que também é, com folga, um gênio da tecnologia – Cinderela chega ao baile de cosplay. Quando ela adiciona uma antiga pulseira de família ao seu traje no último minuto, ela se torna investida da habilidade de disparar feixes de energia que assumem uma forma meio sólida e permitem que ela pise em plataformas que ela pode fazer à sua frente no ar, como alternativa ao voo ou supervelocidade.

A pulseira permite que seus poderes sejam ligados à herança paquistanesa de Kamala e ao trauma da partição em particular. Pertencia à sua bisavó, uma das muitas que desapareceram durante esse tempo e que parece estar canalizando de volta para Kamala através de seus poderes.

Há uma boa reviravolta no final do segundo episódio que promete um desenvolvimento satisfatório desse elemento, mas são as cenas domésticas e as relações familiares que são a maior força das parcelas de abertura. A cultura e a religião de Kamala são retratadas sem remorso e sem exageros, em grandes formas (vemos ela e sua amiga Nakia, interpretada por Yasmeen Fletcher, em oração na mesquita – e reclamando sobre o estado do lado feminino em comparação com o masculino).

Alguns podem ver os esforços de Kamala para escapar das restrições de sua família como outro retrato indesejado/injustificado das atitudes repressivas do Islã em relação às mulheres, mas suspeito que para a maioria isso parecerá um simples reconhecimento de que pais de todos os credos e cores vão ser pais e fornecer combustível para qualquer moinho de angústia adolescente.

Os Khans são uma família comum – embora a mãe Muneeba (Zenobia Shroff) tenha um dom para o sarcasmo inexpressivo que muitos gostariam de ter em seu próprio arsenal parental – que existe na rodada de brigas, provocações, amor e perdão.

A coisa toda é cheia de charme (amo o grafite que anima quando Kamala e sua imaginação se ativam), sagacidade, calor, brio e verdade. É apenas – sim, temo que vou dizer – é apenas Marvel-ous.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.

Pela primeira vez em muito tempo, Obi-Wan Kenobi volta a focar Star Wars na história dos Jedi. O Mandaloriano e O Livro de Boba Fett foram passeios divertidos e empolgantes, mas senti falta de ver alguém empunhar um bom sabre de luz.

Situado 10 anos após os eventos de A Vingança dos Sith, Obi-Wan Kenobi encontra o Mestre Jedi muito mais cansado e cínico. Ele se resignou a viver a vida de um eremita nos desertos de Tatooine, cuidando de um jovem Luke Skywalker à distância. No entanto, as maquinações galácticas logo o alcançam, e ele descobre que não pode permanecer à margem por muito mais tempo.

Ewan McGregor retorna como o personagem-título, e a nostalgia ao vê-lo na tela novamente vem pesada. No entanto, nosso Mestre Jedi mudou muito desde a última vez que o vimos. Ele está embalando carne colhida de uma criatura gigante do deserto e segura a língua mesmo diante da flagrante injustiça.

Embora as trilogias anteriores tenham sido frequentemente criticadas, McGregor foi um ponto brilhante na trilogia, e já era hora de ele ter sua própria série. Seu retorno ao lado de Hayden Christensen como Darth Vader já deixou os fãs empolgados, embora ainda não tenhamos visto os dois compartilharem uma cena nos dois primeiros episódios lançados em 27 de maio.

Dito isto, apesar dos tons mais sombrios da série e do clima mais sombrio, definido como é durante o auge do Império, foi iluminado com notas de leveza para torná-lo mais familiar. A jovem princesa Leia, interpretada com grande brio por Vivien Lyra Blair, rouba a cena toda vez que aparece na tela. Com uma inteligência afiada e uma boca ainda mais afiada, ela é a líder da resistência destemida que você sabe que ela se tornará.

Ela também consegue fazer círculos em torno de Obi-Wan, uma dinâmica cativante que lembra aquela entre Grogu e Din Djarin.

Juntamente com as travessuras hilárias de Leia e as brigas de Obi-Wan com os Jawas, a série consegue evocar mais do que algumas risadas antes de rapidamente tomar um rumo mais sombrio. Somos rapidamente lembrados de que os Jedi, uma vez que os protetores da galáxia, foram quase exterminados, e o alcance do Império é longo e implacável.

Embora a classificação 9+ da série seja inferior à de O Mandaloriano, suas sequências de ação e cenas de luta são mais do que emocionantes. Obi-Wan entra em várias brigas, trocando golpes com mercenários com nada além de seus punhos. É muito mais difícil do que estamos acostumados a ver do mestre de Soresu, um sinal de quanto os tempos mudaram (também para evitar que suas habilidades da Força sejam notadas ou sentidas). No entanto, enquanto Obi-Wan continua hesitante em sacar seu sabre de luz, outros empunham impunemente. O brilho vermelho dos sabres dos Inquisidores apresenta uma nova ameaça, que não vai parar por nada até que os remanescentes Jedi sejam completamente exterminados.

A terceira irmã Reva Sevander (Moses Ingram) está atrás de uma presa ainda maior, determinada a encontrar Obi-Wan e entregá-lo a Darth Vader. Reva até agora tem sido um dos aspectos mais polarizadores do show. Enquanto alguns deram as boas-vindas à sua adição como uma nova vilã intrigante, outros criticaram seu retrato como sendo plano e quase bobo.

Dito isto, a maior revelação que os fãs estarão esperando é provavelmente o primeiro encontro de Obi-Wan com Anakin Skywalker como Darth Vader.

A série refaz histórias familiares enquanto traça novos caminhos. Depois de todos os filmes e séries de Star Wars que preencheram a lacuna entre A Vingança dos Sith e Uma Nova Esperança, finalmente estamos prontos para revisitar a história de um dos mais lendários Mestres Jedi da história da franquia.

5 pipocas!

Disponível no Disney+.

Robert Eggers cria contos de fadas antigos encharcados de tormento e loucura, e The Northman prova uma fábula de fogo, sangue e fúria que expande a escala feroz de seu cinema de terror folclórico. Furioso com uma raiva tão temível a ponto de ser de outro mundo, o mais recente do diretor de A Bruxa e O Farol é ao mesmo tempo uma alma gêmea para esses antecessores magistrais e um ponto de virada para o autor de 38 anos, empregando sua estética e marca registrada: atmosfera para uma história mais simplificada e arquetípica sobre um príncipe viking em busca de vingança contra seu tio traiçoeiro. Revestido de sujeira e lama e manchado em faixas de carmesim, é um épico grandioso e horrível de destino e decapitações, malevolência e magia – uma ode do death metal à honra, retribuição e sacrifício que lança a vingança de uma forma surpreendente e emocionantemente positiva.

O Homem do Norte é uma história de vingança clássica antiga da literatura nórdica. Tanto que dizem que inspirou Shakespeare para seu Hamlet (1603).

Amleth (Alexander Skarsgård) é um homem sem casa ou clã, vivendo entre outros saqueadores vikings que acreditam ser bestas licantropos, uivando para a lua como lobos e rugindo para o mar/céu como ursos ao redor de fogueiras em chamas. Quando conhecemos Amleth, já sabemos que o que tornou tão selvagem é cortesia de uma passagem introdutória de 895 d.C. que se concentra na provação sofrida pelo jovem Amleth (Oscar Novak) anos antes, quando seu pai, o rei Aurvandill (Ethan Hawke) retornou para casa da batalha para sua rainha Gudrún (Nicole Kidman) e seu irmão Fjölnir (Claes Bang). Aurvandill é um monarca distante de sua esposa, mas ele demonstra forte afeição por seu filho, levando-o a um templo na floresta onde – sob a orientação do bobo da corte e xamã espiritual Heimir, o Louco (Willem Dafoe) – eles participam de um ritual pagão alucinatório que liga o homem ao animal e permite que Amleth espione a Árvore dos Reis, que reside dentro de sua linhagem.

Embora Amleth seja o herdeiro do trono, seu mundo é destruído quando, após essa experiência alucinante, seu pai é atacado e morto por Fjölnir em um ato de traição que moldará para sempre o caminho do príncipe. O set-up do Northman é puro Shakespeare com Conan, o Bárbaro, repleto de cabeças separadas dos ombros por lâminas poderosas na floresta nevada, e como a joia de John Milius em 1982, o filme de Eggers se comporta como uma lenda, cheio de massa e importância gigantes.

A partir do olhar desolado em seu rosto, é evidente que os dias de matar e pilhar de Amleth são apenas temporários, e eles terminam após um encontro com uma vidente cega (Björk, tão hipnotizante e assustadora quanto o esperado) que profetiza que seu destino é vingar o assassinato de seu pai em um lago de fogo com uma espada de aço mítica, ponto em que um rei solteiro assumirá a coroa. Isso obriga Amleth a se juntar a um grupo de escravos com destino à herdade islandesa de Fjölnir, que, apesar de sua perfídia fratricida, foi reduzida a viver a vida como agricultor. Nesse grupo, Amleth conhece Olga (Anya Taylor-Joy), uma prisioneira que fala em línguas antiquadas com o deus do solo e, juntas, elas conspiram para alcançar os objetivos de Amleth, ao longo do caminho se apaixonando.

Amleth executa sua missão com uma resolução medonha, e se The Northman se orgulha menos da loucura delirante e espiral de The Lighthouse, compensa com uma selvageria de ombros largos e aríete envolta em escuridão bruxuleante. Seus quadros de agonia e admiração aprimorados por CGI inquietante, Eggers tece um fio que tem 1.000 anos e ainda pulsa com ira atemporal, sua história localizando o ponto ideal onde o arcaico e o novo se entrelaçam perfeitamente. Além disso, embora seu filme adere aos princípios de seu gênero escolhido, ele evita a moralização que muitas vezes o define, adotando a noção de que a vingança pode alimentar uma causa justa, em vez de ser apenas uma força aniquiladora que destrói os vingativos. Há horror e insanidade na visão de cálculos predestinados de The Northman, e também beleza em sua afirmação final de que alguns empreendimentos ordenados valem o custo brutal e empolgante.

5 pipocas!

Em cartaz nos cinemas.

Parece que a união sagrada da Warner Brothers com a HBO MAX nos afetou. Entre True Detective e Mare of Easttown, a HBO sabe como fazer um verdadeiro thriller policial que faz com que todos nos sintamos como o Batman pegando o Charada. Literalmente, fazer um filme que pareça uma série da HBO True Crime, onde…Batman pega o Charada.

Às 3 horas, fiquei muito surpreso com o quão investido e alegre o filme flui do início ao fim. Robert Pattinson como Bruce Wayne, também conhecido como Emo Batman ou Kurt Cobatman, já recebeu as piadas do Nirvana graças a um trailer onde ele usa cabelos oleosos, uma mandíbula esculpida e uma careta geral que diz: “Sorrir é dor!” No entanto, houve iterações de Bruce Wayne que foram amargas, sombrias e distorcidas nos quadrinhos também. Pattinson gravita mais para essas interpretações, e é por isso que, de certa forma, você entende como “loucos” como o Charada ou o Coringa são atraídos por ele. Ele não se vê como um vigilante, mas como uma vingança em uma cidade onde as pessoas estão sob o controle do crime e da corrupção, mesmo que sejam participantes dela. Assim, Pattinson faz muito bem em nos servir um novo Batman que, gostando ou não, é totalmente distinguível dos anteriores.

Com trilha sonora de Michael Giacchino (Lost), The Batman se move como uma página de diário dentro da mente de um anti-herói. Este Batman é anti-social e teria mais facilidade em dizer seu próprio nome do que falar com Selina Kyle (Zoe Kravitz). Esse nível de ansiedade e isolamento é palpável, o que torna The Batman estranhamente, mentalmente imersivo, e apenas eleva o desempenho de Kravitz como Mulher-Gato. Como para o Batman, ela se tornou para o público uma explosão de luz, chute e diversão em um filme que é tão fundamentado e gutural. Até mesmo o desempenho excepcional de Colin Farrell como O Pinguim se destaca como um alívio cômico tão necessário e uma homenagem assustadora a Al Capone. Sua capacidade mútua de dominar as cenas contribui para um filme que parece muito real e estranho, uma releitura de quadrinhos dos distúrbios do Capitólio de 6 de janeiro.

Se há uma coisa que bons filmes fazem é refletir o mundo, e The Batman tem uma oportunidade única de revelar sua insanidade e pobreza. Através de Charada, de Paul Dano, o filme mostra como uma criança pobre e abusada pode se transformar em um homem perturbado que acredita que é ELE quem acorda o mundo de sua própria perturbação através da mídia social. Ele está deixando enigmas pela cidade para o Batman, com o Comissário Gordon (Jeffrey Wright) e Alfred (Andy Serkis) pegando-os no caminho, sem perceber que ambos escolheram se tornar um despertador humano simbólico para a sociedade. Portanto, quem está “certo” em fazê-lo é uma questão de sua intuição e seu autocontrole, porque à medida que o filme avança, mais corrupção é desbloqueada, tanto que nossos líderes mútuos ficam se perguntando o que é ter uma personalidade individual e moral em um mundo que mente sobre o que ele realmente carrega.

Pessoalmente, acredito que o mundo está, em última análise, dividido entre pessoas boas e más, mas a sociedade ensina, falsamente, que o bem e o mal têm uma certa aparência, sentimento e status. A verdade é que a sua verdade é o que mais importa para você, mas quando você mente para si mesmo, corre o risco de se tornar mais uma brecha na cadeia de uma sociedade que também o faz. Parte do que atrai o público para The Batman e seu versus com o vilão maníaco e assustador de Dano é que você será atravessado pelas vezes em que ambos fazem pontos válidos. No entanto, mesmo o mal pode dizer a verdade em seu benefício.

5 pipocas!

Disponível na HBO Max.

Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Timothee Chalamet, Jonah Hill e Meryl Streep estrelam esta sátira gloriosamente maluca do diretor e roteirista de A Grande Aposta, Adam McKay, em colaboração com David Sirota. Não Olhe Pra Cima conta a história da luta de dois astrônomos para convencer a humanidade de que um cometa gigante está se dirigindo à Terra.

Inicialmente programado para ser distribuído pela Paramount, o filme foi escolhido pela Netflix no início de 2020. Uma pandemia, uma mudança de administração e uma tentativa de insurreição tardia, a narrativa de Não Olhe Pra Cima tornou-se ainda mais um pressagio do que seus criadores esperavam.

Quando Kate Dibiasky (uma Lawrence hilária) descobre um objeto destruidor de planetas vindo em direção à Terra, a candidata a PhD em astronomia informa seu professor, Dr. Randall Mindy (DiCaprio), que por sua vez alerta a Casa Branca.

Após uma breve reunião com a presidente Orleon (Streep em modo trumpiano totalmente desequilibrada) e seu filho Jason (Hill), Kate e o professor são informados sem a menor cerimônia de que nenhuma ação será tomada, apesar de o objeto estar a apenas seis meses de matar todos no planeta.

Ignorada pela imprensa e ridicularizada pelas redes sociais, Kate se rebela na esperança de forçar a presidente a agir. Enquanto isso, o bilionário Peter Isherwell (Mark Rylance) encontrou uma maneira de lucrar com o objeto que se aproxima e convenceu a presidente a manter seu plano.

Embora o filme não seja explicitamente sobre a pandemia – seus criadores repetidamente se referem a ele como um filme sobre mudanças climáticas – existem alguns paralelos óbvios aqui a serem traçados com a luta atual contra a desinformação nas mídias sociais de anti-vacina e negadores da Covid.

É verdade que muitos acusarão Não Olhe Pra Cima de não ter a sutileza dos filmes anteriores de McKay, mas há algo refrescantemente honesto no filme que inegavelmente se presta à tolice de sua narrativa. Além disso, é um filme sobre o absurdo dos tempos atuais em que vivemos e ninguém pode argumentar que não é loucura negar fatos em favor de invenções bizarras – ou pode?

Há algo genuinamente cativante em um filme que não parece se importar nem um pouco em parecer bobo, desde que sua mensagem seja ouvida pelos milhões de espectadores que até agora o tornaram o filme mais assistido do mundo depois de apenas dois dias de streaming.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Uma coisa engraçada aconteceu no lançamento de Gavião Arqueiro, a nova minissérie Disney + criada para servir de impulso ao herói de Jeremy Renner. A co-estrela Hailee Steinfeld rouba o show de suas mãos.

Talvez fosse pretendido que fosse assim, já que as primeiras duas horas desta aventura de seis horas são dominadas pela configuração da personagem Kate Bishop de Steinfeld. Somos apresentados a Kate na primeira cena como uma menina, experimentando o ataque à cidade de Nova York em 2012 por Loki e seus saqueadores alienígenas. Você vai se lembrar que essa foi a trama do primeiro filme dos Vingadores. Enquanto o apartamento de cobertura de seus pais ricos desmorona ao seu redor, Kate observa Clint Barton, também conhecido como Gavião Arqueiro, derrotar uma série de bandidos alienígenas com suas habilidades de arco e flecha. Sua vida está salva e ela está apaixonada.

Infelizmente, o pai de Kate morre no ataque, mas felizmente, sua mãe Eleanor (Vera Farmiga) sobrevive. E por mais bem-sucedida que seja uma mulher de negócios como a Sra. Bishop, ela não consegue impedir que sua filha se torne uma jovem rebelde. Ao longo de uma sequência de créditos habilmente animada, vemos Kate se transformar em uma bela adolescente, tornando-se uma arqueira especialista, ginasta e criadora do inferno, assim como seu herói Gavião Arqueiro.

Com essa abertura, o show configura Kate para ser o centro de tudo, e quando Steinfeld está na tela, é difícil não se concentrar totalmente nela. Não apenas a atriz de 24 anos é fisicamente convincente fazendo todo o trabalho de dublê, mas ela é muito competente para fazer piadas e elas funcionam.

Steinfeld é tão boa que ela até consegue roubar cenas com um golden retriever caolho chamado Lucky. Vê-la tentar navegar na Times Square com o cão errante na coleira é facilmente um dos destaques das primeiras duas horas do programa. O fato de aquele cachorro se tornar um personagem central na série é uma das reviravoltas mais engraçadas que existe.

Isso é fundamental porque a trama é um tanto louca, misturando mafiosos russos, todos envolvidos em contrabando nefasto e outros crimes.

Clint está em Nova York para o feriado de Natal, mas descanso e relaxamento não combinam com um herói que está envelhecendo. Ele parece um pouco perdido cuidando de seus filhos, ele estremece de vergonha quando os fãs se aproximam dele nos restaurantes para agradecê-lo por derrotar Thanos, e ele ainda não superou a morte de Natasha, a Viúva Negra. Então, quando ele descobre um noticiário na TV mostrando Kate escapando de um leilão subterrâneo que terminou em tiroteio, vestindo sua velha fantasia que estava à venda lá, ele encontra um propósito novamente.

Em breve, ele se juntará a Kate para lutar contra os mafiosos, rastrear pistas sobre quem está por trás de outros crimes nefastos na cidade e tomar conta daquele cachorro maluco que está em sua posse. O enredo promete todos os tipos de reviravoltas da Marvel que aqueles familiarizados com a história dos quadrinhos Gavião Arqueiro vão adorar, mas a diversão da série provavelmente será encontrada principalmente na folia e na graça que Steinfeld traz para o processo.

Veremos para onde a série vai nesse curto prazo, mas parece que este pode ser o canto do cisne para as contribuições de Jeremy Renner para o MCU. Esta é a jornada de Kate Bishop e Steinfeld a acompanha, provando que ela pode muito bem ser uma das atrizes de sua geração. E com a promessa de Florence Pugh aparecendo para combinar seus dons de comédia com os de Steinfeld, esta nova série pode ser um hilariante presente de fim de ano.

5 pipocas!

Disponível no Disney+.

O elogio que tenho para Vingança e Castigo vem de uma miríade de ângulos. O elenco, a trilha sonora, a cinematografia, os sets, e não se esqueça de quão legal é o roteiro. Eu diria que o diretor Jeymes Samuel fez um dos filmes mais legais dos últimos dez anos sobre duas gangues de bandidos, ambientadas na cidade de Redwood, onde um grupo está roubando os lucros do outro, tudo para se vingar, o que leva a um grande tiroteio no oeste selvagem. Vingança e Castigo é um faroeste com estilo, um faroeste com força e um faroeste diferente de tudo que eu já vi antes.

A história começa no passado, onde um pai e uma mãe são assassinados na frente de seu filho, feito por um vigilante chamado Rufus Buck (Idris Elba). O menino fica com uma cruz esculpida em sua testa e cresce para se tornar Nat Love (Jonathan Majors), o líder de sua própria gangue de armas rápidas e cowboys selvagens. Durante toda a sua vida, Nat se concentrou no objetivo de se vingar de Rufus Buck pelo assassinato de seus pais e, infelizmente, não foi capaz de infligir dor porque Rufus esteve na prisão durante a maior parte de sua vida adulta. Agora, dizem que Rufus está saindo, com a ajuda de sua velha gangue, incluindo a feroz parceira de negócios Trudy Smith (Regina King) e o selvagem pistoleiro Cherokee Bill (LaKeith Stanfield). O plano é colocar Rufus de volta no comando, dando a Nat a oportunidade de obter sua justiça e derrubar com razão o homem que deixou uma marca nele desde o início.

Não quero minimizar o quão excelente é o elenco de apoio de Vingança e Castigo, mas os nomes na marquise aqui são Majors e Elba. Os dois gigantes atuantes entregam um trabalho estelar, onde Majors se comporta como o rei da frieza, leve com um sorriso e carismático com seu interesse amoroso por Mary Fields (Zazie Beetz, também todos os tipos de incrível). Certa hora ele entra em um saloon com a arrogância de Charles Bronson em Era Uma Vez No Oeste e o olhar frio de Paul Newman. Já Elba tem a estatura descomunal de um novo tipo de Galo Cogburn, com um lado sinistro de mafioso country western. A entrada de Elba quando Trudy, Bill e a equipe o libertam em um trem de transporte é igual à entrada de um lutador da WWE. Calculado, legal, construído e explosivo com sua grande revelação.

O roteiro é escrito por Samuel e Boaz Yakin, que é simples em estrutura, mas cheio de estilo até a borda. A trilha sonora é repleta de faixas originais de Kid Cudi, Jay-Z e CeeLo Green, todas canções trazendo uma atitude atual que só torna a ação mais legal. A direção de Samuel é igualmente digna de elogio, gerenciando seu uso de câmera lenta para criar o clima, diálogo entre seus personagens que é tanto monólogos de proselitismo quanto profundidade de personagem genioso. É claro que Samuel sabe exatamente como usar seu elenco de apoio, desde o atirador de elite de Edi Gathegi, RJ Cyler como um jovem pistoleiro que fala demais, e Delroy Lindo como o xerife veterano. Para um faroeste com toque moderno, por trás do brilho e da atitude, sabe-se exatamente como fazer o gênero como ele merece.

Não é que Vingança e Castigo esteja faltando em profundidade; são as relações entre os personagens que se tornam sutilmente complexas a cada momento. Ele desenvolve metodicamente, e Nat deve escolher entre proteger as mulheres que ama, descobrir se a vingança vale a pena ou deixar fluir as emoções complicadas de um tiroteio no velho oeste, onde tudo pode acontecer. Vingança e Castigo é simplesmente divertido do início ao fim, parece fantástico em qualquer tela e tem um dos melhores conjuntos que um filme já teve durante todo o ano. O faroeste moderno está de volta e desta vez nos atinge ainda mais forte.

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

Homicídios ao Domicílio é uma série limitada de 10 episódios criada por John Hoffman e Steve Martin que inclui uma variedade de gêneros.

Steve Martin, Martin Short e Selena Gomez estrelam como três vizinhos que vivem em um luxuoso prédio de apartamentos em Nova York, unidos por seu amor compartilhado por podcasts de crimes reais. Depois de acreditar que um assassinato foi cometido em seu prédio no Upper West Side, o trio lança seu próprio podcast com o objetivo de rastrear o assassino.

A série da Star+ parodia o gênero do crime sem se tornar uma paródia. Embora esteja repleto de meta-referências e estereótipos associados a séries de áudio sobre assassinos, nunca zomba do gênero ou de seu público. Pode parecer uma travessura de comédia policial na superfície, mas no fundo é uma história de amizade e solidão.

Steve Martin interpreta o ex-ator de TV, Charles-Haden Savage, que parece ter vivido sozinho por décadas.

Martin Short é o temerário diretor de teatro Oliver Putnam, um homem mais velho pretensioso e excessivamente dramático que luta para pagar suas contas. A muito amada dupla de comédia traz a simpatia e a dinâmica que se esperaria de seus personagens rejeitados. Charles-Haden zomba da pretensão de Oliver, Oliver ri da fama de Charles-Haden se esvaindo mas, apesar das piadas, você não para de torcer por eles.

Já a Mabel Mora de Selena Gomez é o “homem hétero” das travessuras afiadas da dupla de comédia.

A ex-estrela da Disney faz um bom trabalho equilibrando seu tipo de humor. Ela é a personagem com mais segredos, recusando-se a revelar como acabou morando em um edifício tão luxuoso tão jovem. Talvez dar a ela a história de fundo mais extensa tenha sido ótimo e no entanto, tudo o que você vai querer fazer é passar mais tempo com Martin e Short também. É dificil saber quem é melhor.

SPOILERS AQUI

Homicídios ao Domicílio é o show de conforto de fim de ano perfeito, especialmente para aqueles que gostam de colocar os dentes em uma boa rabanada. Apesar de ter uma configuração charmosa de comédia romântica, o piloto começa com uma Mabel ensanguentada inclinada sobre um cadáver. Ela promete que não é o que você pensa, e nós imediatamente voltamos no tempo para saber o porquê.

Esse truque de resolução de mídia, também usado em How to Get Away with Murder, nos permite saber imediatamente que há um drama policial no centro desta comédia de 30 minutos. Depois que um alarme de segurança os força a sair de suas casas, os três estranhos se unem em um café local através de um podcast fictício de crime verdadeiro, Nem Tudo Está OK apresentado por uma Cinda Canning de Tina Fey.

Quando alguém acaba morto em seu prédio, considerado suicídio pela Detetive William (a policial líder interpretada por Da’Vine Joy Randolph), os 3 decidem investigar por conta própria.

O programa gira em torno de uma investigação amadora, que envolve abrir fechaduras, vasculhar o lixo do vizinho e entrevistar a equipe sobre a vítima. A busca logo cai na incompetência cômica, desde uma suspeita de participação especial de rockstar até uma parte envolvendo um gato morto em um freezer. A comédia nunca evolui de uma travessura suave, mas quando executada por dois mestres do gênero, é impossível não gostar. Homicídios ao Domicílio combina de forma inteligente a comédia lúdica que remonta aos filmes de Woody Allen dos anos 1970 e 1980 com a obsessão moderna de quebrar as fronteiras dos outros em nome de fazer mídia.

Quando você pensa que sabe o que está recebendo, Homicídios ao Domicílio distorce as coisas.

FIM DOS SPOILERS

A maior parte da ação ocorre no edifício Arconia. Como um prédio residencial de faculdade, os apartamentos luxuosos têm uma sensação de comunhão, onde cada habitante parece conhecer os negócios uns dos outros. Conhecemos o porteiro e o gerente do prédio ao longo da série, aprendendo lentamente sobre o funcionamento interno por meio de encontros casuais, encontros da comunidade e conversas privadas em elevadores. Este edifício fictício é quase o quarto personagem da minissérie, pairando sobre o trio e suas vidas.

O desenhista de produção Curt Beech e o decorador de cenários Rich Murray garantem que cada apartamento seja único. Cada cômodo em que entramos é como aprender um pouco mais sobre o personagem, precisamente iluminado e decorado, desde o terreno vazio de Mabel até o quarto com papel de parede limpo de Charles e a lareira de Oliver com controle remoto. O guarda-roupa também se aprofunda em cada personagem, ajudando o público a tentar bancar o detetive poltrona e descobrir mais sobre o trio por meio de suas escolhas de design.

Homicídios ao Domicílio é uma homenagem gentil ao gênero do crime e à cidade de Nova York. Além de ser uma brincadeira de comédia sobre verdadeiros aficionados do crime, ele investiga como o passado afeta o presente e como há sempre mais nas pessoas do que parece. Enquanto o trio tenta se esconder de seu passado, está claro que não vai ser fácil ou saudável para eles.

5 pipocas!

Disponível no Star+.

Nunca vou assistir a nenhum tipo de documentário de making of ou curta-metragem do bastidores sobre a Duna de Denis Villeneuve. Não quero saber como esse filme foi feito. Prefiro acreditar na ilusão extremamente convincente de que Villeneuve de alguma forma viajou até o ano de 10.191 e documentou a estranha civilização que encontrou. Duna é cheia de estilização e arte visual, mas o futuro que ela evoca parece tão completo e tátil que alguns segmentos funcionam como um documentário de um mundo por vir – o que é uma façanha especialmente impressionante, já que aquele mundo envolve vermes da areia gigantes que consomem tudo que passa suas mandíbulas semelhantes a esfíncteres.

Os vermes da areia e todos os apetrechos de Duna – telepatia, uma substância alucinógena conhecida como “especiaria”, os “trajes destiladores” vagamente escravos que os personagens usam para reciclar seus resíduos corporais de volta na água – sempre pareceram não pensáveis para mim, alguém que nunca leu nenhum dos muitos romances Dune de Frank Herbert. O mesmo vale para a adaptação cinematográfica desconcertante, mas estranhamente cativante de David Lynch de 1984, que eu gostei apesar do fato de que nunca consigo acompanhar o que está acontecendo nela, mesmo que os personagens expliquem o enredo em quase todas as cenas.

Para minha surpresa e crédito de Villeneuve, este novo Duna é totalmente claro em sua premissa, política e história de ficção científica operística. Também é preenchido com o tipo de grandeza épica de visão que os fãs de Dune sempre insistem que torna o texto original especial. Assistindo a este filme, eu finalmente entendi por que gerações de leitores e diretores caíram no feitiço deste material. Villeneuve pegou um romance que confundiu muitos grandes cineastas do passado e criou algo coerente, atraente e visualmente notável.

O truque, ao que parece, foi apenas adaptar a primeira metade. Como o cartão de título de abertura indica, isso é tecnicamente Dune: Parte Um. Villeneuve queria dividir o livro de Herbert em duas seções e filmar as duas simultaneamente, mas a Warner Bros só colocaria o dinheiro em um filme – mentirinha porque já anunciou o segundo filme. E o que quer que tenham pago por esta metade de Duna, valeu a pena. A palavra que não parava de vir à minha mente durante todo o filme é impressionante. Villaneuve e sua equipe criaram um futuro totalmente crível (embora ainda totalmente maluco) e parece que custou uma fortuna para fazê-lo.

Onde quer que a câmera vá, ela encontra coisas novas e peculiares para olhar, como espaçonaves que permanecem no ar ao bater suas quatro asas como uma libélula gigante feita de aço. Dos cenários aos figurinos e adereços, nada parece ter se originado em nosso planeta; tudo tem formas e contornos curiosos e sobrenaturais. Fiquei esticando o pescoço para tentar espiar pelas bordas da moldura, querendo absorver o máximo possível dos detalhes fabulosamente estranhos.

A figura central da história é Paul Atreides (Timothee Chalamet) o descendente da poderosa Casa Atreides. Esta família real, liderada pelo duque Leto Atreides (Oscar Isaac), governa o planeta Caladan até que seja ordenada pelo imperador a se realocar e supervisionar Arrakis, o mundo limítrofe do deserto inabitável onde a especiaria é encontrada. A missão pode fazer da Casa Atreides a família mais poderosa da galáxia ou destruí-la se não cumprirem seus deveres.

A Casa Atreides também tem que enfrentar seus rivais da Casa Harkonnen, os ex-administradores de Arrakis liderados pelo corpulento Barão Harkonnen (Stellan Skarsgard) e os nativos de Arrakis, os sobreviventes subterrâneos conhecidos como Fremen, liderados pelo misterioso Stilgar (Javier Bardem). Paul, filho do duque Leto e de sua concubina Lady Jessica (Rebeca Ferguson), junta-se ao resto de sua família em Arrakis, onde descobre que pode ser um super-ser profetizado conhecido como “Kwisatz Haderach”. O jovem e franzino Paul parece cético sobre seu grande destino e é atormentado por sonhos bizarros de lugares onde nunca esteve e pessoas que nunca conheceu – incluindo uma bela mulher Fremen, Chani, interpretada por Zendaya.

Todos esses atores são excelentes. Isaac irradia força e tristeza em partes iguais como o carismático duque Leto. Bardem tem apenas um punhado de cenas, mas imediatamente dá seriedade ao sofrimento do povo Fremen subjugado. Os conselheiros e treinadores mais próximos de Paul são dois guerreiros, interpretados por Josh Brolin e Jason Momoa, o último dos quais parece especialmente animado por estar cercado por tanto esplendor de ficção científica. Momoa traz uma energia terrivelmente maravilhosa para um filme que, de outra forma, pode parecer um pouco frio e distante. E Chalamet realmente vende a jornada de Paul de criança inocente a guerreiro endurecido pela batalha.

A luta entre os Harkonnens e os Atreides leva a visuais realmente surpreendentes. Alguns são bonitos, outros são horríveis; todos são muito divertidos de olhar, principalmente em uma tela grande. Duna está nos cinemas e, embora valha a pena assistir de qualquer maneira, não há dúvida de que o filme se beneficiará do tamanho e da imersão de uma experiência teatral. (Ainda não o vi no IMAX, mas gostaria – tenho certeza de que é ainda mais espetacular.)

5 pipocas!

Em cartaz no Cinemark, Cinépolis e UCI.

A Galeria dos Corações Partidos é um tipo diferente de comédia romântica. É aquele que centra sua narrativa no desgosto, na recuperação da perda e em como a bagagem que carregamos conosco literal e figurativamente em nossas vidas amorosas nos influencia. Dirigido e escrito por Natalie Krinsky, o filme é estrelado por um elenco diversificado, incluindo Geraldine Viswanathan, Dacre Montgomery, Utkarsh Ambudkar, Molly Gordon, Phillipa Soo e Arturo Castro.

O filme é capaz de construir seus personagens dinâmicos por causa de sua premissa. O filme segue Lucy (Geraldine Vishwanathan), uma assistente de galeria de arte de 20 e poucos anos que mora na cidade de Nova York e que também é um tesouro emocional. Enquanto algumas pessoas guardam lembranças de grandes eventos em suas vidas, Lucy leva isso a um nível totalmente novo, ao manter pedaços de seus relacionamentos, agarrando-se a eles e se preparando para o inevitável próximo rompimento. Depois que ela foi abandonada por seu último namorado, Lucy se inspirou para criar A Galeria dos Corações Partidos, um espaço pop-up para os itens do amor deixou para trás. Ao longo do filme, a notícia da galeria se espalha, encorajando um movimento e um novo começo para todos os românticos por aí, incluindo a própria Lucy.

Uma boa comédia romântica não se limita a oferecer um encontro fofo e um relacionamento de uma vez e outra, amarrados juntos por uma comédia de erros. Uma comédia romântica verdadeiramente boa é centrada em personagens que crescem por conta própria fora de seus romances. Em A Galeria dos Corações Partidos, é tudo sobre como os personagens crescem com a dor de perder as pessoas que amam. Lucy é uma personagem cuja coleção é uma forma de processar sua perda pessoal. Cada peça de memorabilia – um pneu de bicicleta, uma boneca Barbie desajeitada, uma gravata, tudo serve como uma forma de guardar as memórias que ela teme esquecer. Mas mesmo em suas peculiaridades, Lucy não é a garota maníaca dos sonhos de qualquer diabrete. Ela vive a vida em seus próprios termos e o faz em seu benefício, não por seus interesses amorosos na história.

A melhor parte sobre o filme é que Lucy tem sua própria identidade, seus próprios motivos para salvar seus relacionamentos anteriores em pequenos pedaços para se lembrar e escapar. Embora essa peculiaridade seja um motivo de contenção para seus amigos, ela tem apoio, e ela é capaz de trabalhar através da raiz de sua existência, em vez de apenas tê-la para impulsionar o enredo. É tudo sobre Lucy crescendo como pessoa e não necessariamente se apaixonando, mas em vez disso, desfazendo sua própria bagagem.

Sim, comédias românticas são estereotipadas. Primeiro, um encontro fofo entre dois protagonistas, depois um período de crescimento de romance e conexão, depois a falta de comunicação que leva a uma pausa e, finalmente, um grande gesto que produz um final feliz. É isso. É o mapa que cada comédia romântica ensina e A Galeria dos Corações Partidos não é diferente. Dito isso, o fato de que ele acerta cada nota da fórmula comédia romântica ao mesmo tempo em que cria uma história única que impulsiona o crescimento pessoal de seus personagens e do público é o que o faz se destacar no gênero.

Além disso, existe o fato de que há uma mulher morena como protagonista cujo personagem não gira em torno de sua identidade étnica. É ótimo ver uma mulher negra vivendo seu amor, sua alegria e sua tristeza, sem a pressão da representação de todas as ideias culturais que os espectadores têm sobre elas e suas comunidades. Dito isso, cada personagem cumpre um tropo diferente, mas o faz de tal maneira que alicerça seus arquétipos e os leva por um caminho diferente que se concentra na criação de um personagem holístico.

No geral, A Galeria dos Corações Partidos é uma comédia romântica fenomenal que incorpora tudo o que está certo no gênero e evita muitas das questões problemáticas nele também. Na verdade, este filme é a nova injeção de humor e romance que ajudará a impulsionar o gênero para a frente. Embora existam alguns momentos que o impedem de atingir a perfeição (como tudo), é um filme que recomendo para todos que passaram por um rompimento que não queriam.

5 pipocas!

Disponível na HBO Max.