Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Você tem que agradecê-lo ao diretor americano Ron Howard por resistir à tentação de “Hollywoodisar” a verdadeira história do resgate da caverna tailandesa. Mas quando um conto é tão extraordinário e tão conhecido quanto o resgate de 12 crianças e seu treinador de futebol de uma caverna inundada em 2018, qualquer truque barato de filme para exagerar nos eventos teria sido óbvio.

Todo mundo conhece pelo menos os traços gerais desses 18 dias intensos. Mais importante, todo mundo sabe o final, então você não pode injetar falso suspense, especialmente quando os reais já eram tão insanos.

Como dramatização, Treze Vidas segue um excelente documentário da Nat Geo, um filme independente de menor sucesso e precede uma minissérie da Netflix. O filme de Howard é uma releitura contida, mas ainda assim emocionante, liderada por um compromisso com o realismo e um profundo respeito por todos os envolvidos. Você pode sentir essa crença no melhor das pessoas no pior momento possível correndo nas veias do filme, e isso fortalece o poder de Treze Vidas sobre o público.

Estrelando Viggo Mortensen, Colin Farrell e Joel Edgerton, a narrativa é construída principalmente em torno dos dois mergulhadores britânicos Richard Stanton (Mortensen) e John Volanthen (Farrell), que localizaram os meninos desaparecidos mais de uma semana depois de terem sido vistos pela última vez.E a do mergulhador e anestesista australiano Richard Harris (Edgerton), que foi recrutado para a missão por causa de sua habilidade especializada.

Treze Vidas investiga os dilemas éticos e as hesitações sobre uma decisão agonizante para que os meninos possam ser resgatados através de um sistema traiçoeiro de túneis en um mergulho de 5 horas de duração. Embora saibamos que, em última análise, o resultado da missão, o custo pessoal para os envolvidos tem um impacto particular nas mãos de atores talentosos e nas habilidades constantes e instintos sólidos de Howard como diretor.

Essas cenas, embora tranquilas e quase ruminantes em comparação com as sequências de mergulho, são o que distingue Treze Vidas do melhor documentário sobre os eventos. O Nat Geo doc The Rescue é um trabalho fascinante, mas há algo distinto – não melhor, apenas diferente – em uma dramatização.

Claro, a parte de assinatura de Treze Vidas são essas sequências de mergulho. Não está indo para a verossimilhança documental, mas há um realismo nas cenas subaquáticas. O diretor de fotografia tailandês Sayombhu Mukdeeprom, colaborador frequente do estimado cineasta Apichatpong Weerasethakul, faz um belo trabalho ao evocar a intensidade desses momentos. A água é turva, as correntes são fortes e às vezes você não consegue ver o que está acontecendo, recriando efetivamente as condições desafiadoras em que todos os mergulhadores operavam, destacando o quão quase impossível era sua missão.

Treze Vidas centra as experiências de Stanton e Volanthen porque eles são os heróis que os cineastas têm. Mas, apesar disso, o filme evita em grande parte qualquer narrativa complexa e desagradável do salvador branco, ampliando sua rede ao dar tempo às muitas, muitas pessoas envolvidas no resgate.

Isso inclui os SEALS da marinha tailandesa, incluindo Saman Kunan (Sukollawat Kanarot), o homem que morreu durante a missão, Narongsak Osatanakorn (Sahajack Boonthanakit), o governador que coordena a operação e Thanet Natisri (Nophand Boonyai), o engenheiro de água que lidera uma grande grupo de voluntários no topo da montanha na tentativa de conter a água que flui para as cavernas.

O filme captura a escala da operação e a força dessa cooperação, mesmo que não consiga dar atenção suficiente a cada experiência. E a perspectiva dos meninos será o foco da próxima minissérie Thai Cave Rescue depois que a equipe fechou um acordo com a Netflix por seus direitos à vida.

Treze Vidas não é a história completa, mas é uma parte fascinante de um momento fenomenal.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Ao pensar sobre os temas de programas de TV e filmes para adolescentes, não posso deixar de pensar no discurso final que Drew Barrymore faz em Nunca Fui Beijada. Sim, o filme de 1999 é problemático (com seu enredo sobre uma jovem repórter disfarçada de colegial que se apaixona por sua professora), mas quando Josie espera no montinho do arremessador para tentar fazer as pazes com o homem que ela ofendeu, ela fala sobre crescer de uma maneira que muitos de nós sabemos ser verdade. Sobre o ensino médio, ela diz: Ainda existe aquela professora que marcha ao som de seu próprio baterista. Essas garotas ainda estão lá, aquelas que, mesmo quando você crescer, continuarão sendo as garotas mais bonitas que você já viu de perto. … E ainda existe aquele cara com sua misteriosa confiança, que parece tão perfeito em todos os sentidos – o cara para quem você acorda e vai para a escola de manhã.

Em última análise, ela diz que o ensino médio nunca muda e que há alguma universalidade na adolescência. Porque todos nós tivemos 16 anos e experimentamos graus variados de emoções de 16 anos, é parcialmente por isso que ainda nos apegamos ao entretenimento teen, mesmo muito depois de nos formarmos.

Se você está confiante de que pode obter um 10 na história do cinema adolescente ou é bem versado no cânone teen, pode achar que o último lançamento da Netflix é como uma carta de amor ao gênero. Boo, Bitch, que é estrelado pelas veteranas da TV adolescente Erin Ehrlich (Awkward., Crazy Ex-Girlfriend) e Lauren Iungerich (Awkward., On My Block), é uma série limitada que se baseia em muitos tropos adolescentes – de meninas más ao sobrenatural – para criar uma história deliciosa e compulsiva.

Como Nunca Fui Beijada, a série de oito episódios é uma história de transformação de garota nerd para Rainha do Baile. Lana Condor, dos filmes Para Todos os Garotos que Já Amei, estrela ao lado de Zoe Colletti (Histórias Assustadoras para Contar no Escuro) como Erika e Gia, duas melhores amigas solitárias que decidem que devem tentar se expor para não se formarem com arrependimentos . Depois de reunir coragem para ir a uma festa onde Erika acaba sendo a MVP da noite, seus sonhos sociais de borboleta são rapidamente postos de lado quando as duas sofrem um acidente que mata Erika – ou melhor, a transforma em um fantasma. com negócios inacabados (ou seja, mais novidades do ensino médio para marcar sua lista de desejos adolescentes).

De muitas maneiras, Boo, Bitch parece um retorno amoroso para outros títulos e temas icônicos. Em primeiro lugar, toda a sua premissa da heroína morrendo, apenas para acabar presa em uma espécie de meio-termo, recentemente se tornou uma trama clássica de adolescentes. (Veja o filme Esticando a Festa de 2021 da Netflix ou o livro que virou filme de Zoey-Deutch, Antes que Eu Vá) Mas por causa disso, o programa se presta a tocar em histórias-pontos-de-referência como O Poder Mágico e Sabrina, Aprendiz de Feiticeira, já que os fantasmas, obviamente, têm poderes sobrenaturais.

O que é mais divertido sobre a comédia, porém, é sua popularidade. Enquanto as crianças populares na realidade não usam necessariamente rosa às quartas-feiras, e as garotas más podem ser qualquer um, desde sua melhor amiga até a rainha do baile, Boo, Bitch puxa dos tropos do gênero adolescente que vimos antes com uma brincadeira desagradável.

Como um fantasma sem nada a perder, Erika se torna a vadia má que nunca foi quando estava viva. Então, pelos padrões da Geração Z, ela não é apenas a garota mais popular da escola, ela também é uma influenciadora – mas como Josie Nelson e Cady Heron de Meninas Malvadas antes dela – com uma nova atitude, namorado e melhor amiga. Porém significa se perder a cada postagem. Boo, Bitch respira o filme cult Um Crime Entre Amigas de 1999, sobre uma multidão que acidentalmente mata seu amigo e um espectador desajeitado que se oferece para ficar de boca fechada em troca de uma reforma e um assento no almoço. Enquanto Boo, Bitch não é tão sombrio quanto Um Crime Entre Amigas, há uma escuridão nele. Afinal, uma garota morre (!) e passa os últimos momentos de sua alma na Terra tentando fazer com que outras pessoas pensem que ela é legal, em vez de com aqueles que se importavam com ela antes que ela tivesse 100 mil seguidores.

Embora o programa da Netflix certamente deva muito aos seus antecessores, isso não quer dizer que não se mantenha por conta própria. Na verdade, ele tem seu próprio respingo colorido e peculiaridade da Geração Z, e ambos os ganchos são únicos para assistir. Há um certo apelo sobre como a TV adolescente é, no entanto. Há simplesmente um conforto familiar de ver que a escola é mesmo como Drew Barrymore mais ou menos proclama no clássico adolescente dos anos 90. Poucos podem querer reviver a adolescência novamente, mas pelo menos há programas como Boo, Bitch que ajudam a manter viva nossa afinidade com histórias de amadurecimento.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Paper Girls (Amazon Prime Video) é um bom enredo fora de época. Esta adaptação da série de quadrinhos de Brian K Vaughan e Cliff Chiang começa em 1º de novembro de 1988, um dia após o Halloween e uma data conhecida pelos moradores de Stony Stream – um subúrbio fictício de Cleveland – como Hell Day. Às quatro e meia da manhã, quando as nossas protagonistas se levantam para a rodada de jornais, elas estão menos preocupadas com os espíritos que acabaram de fugir de onde vieram do que com os malandros mascarados e bêbados que ainda não voltaram para casa.

É a primeira vez da chinesa-americana Erin (Riley Lai Nelet), de 12 anos. Quando ela é confrontada com um cliente enfurecido e racista, a moleca beligerante Mac (Sofia Rosinsky) vem em seu socorro e rapidamente a apresenta ao resto da gangue de entregadoras: KJ Brandman (Fina Strazza), cujo nome de família está na maioria dos prédios públicos da cidade, e Tiffany Quilkin (Camryn Jones), que gosta muito de dispositivos eletrônicos portáteis.

É Tiffany quem fornece os walkie-talkies que permitem que elas se separem e permaneçam em contato – até que uma seja roubada por um misterioso homem desfigurado. Enquanto elas o perseguem, o céu fica roxo, as luzes se apagam, vozes falando em uma língua estranha começam a vir pelo rádio restante – e Mac pega a arma de seu pai para autodefesa mas, acidentalmente atira em Erin no estômago. Então elas são agarradas por estranhos mais misteriosos ainda e levadas para uma nave steampunk que as deixa em uma floresta…em 2019.

Pessoas em trajes metálicos empunhando armas a laser perseguem os homens bizarros e um enxame de vespas robóticas curam a ferida de Erin. Então um dos tripulantes da embarcação steampunky entrega a Tiff um dispositivo danificado para protegê-lo antes que ele seja morto, e as meninas escapam para a casa de Erin. Lá elas conhecem Erin, de 43 anos e muito perturbada por ser confrontada com seu eu pré-púbere.

As meninas se envolveram em uma guerra do tempo. Os soldados metálicos – The Watch – estão de um lado, tentando preservar a linha do tempo em que a viagem no tempo é proibida e eles permanecem no poder. Já as pessoas steampunky são a resistência. Há mais, mas essa é a premissa básica.

É uma tremenda diversão. Tem uma grande energia de Stranger Things (ou deveria ser a energia The Goonies e Stand By Me?) mas tudo parece fresco. Em parte por causa da gangue só de mulheres, ainda uma raridade, e o sentimento de fraternidade genuína entre elas. Elas se unem primeiro diante da agressão dos homens, e essa consciência dos perigos comuns que as conectam, mesmo quando diferem superficialmente e desafiam uma a outra, dá a tudo uma base incomumente firme. Na melhor das hipóteses, até se aproxima do feminismo onipresente tácito de Buffy, a Caça-Vampiros.

Há momentos em que você se pergunta se poderia ter funcionado ainda melhor ajustado para um público mais jovem (a linguagem sendo atenuada, por exemplo), que se identificaria mais diretamente com o excelente elenco jovem. Mas isso pode desaparecer à medida que o quarteto se espalha no futuro, encontrando seus eus e parentes mais velhos, e as grandes questões do destino e da liberdade se impõem. Do jeito que está, tudo é bom para o que o aflige, independentemente da idade.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Por que ainda não houve uma grande cinebiografia de Elvis? Bem, porque Austin Butler não estava por perto para estrelar como o Rei do Rock ‘n’ Roll.

No centro do épico pop de Baz Luhrmann, Elvis – um filme tão opulento e descomunal quanto o talento e o gosto do rei, Butler oferece uma virada totalmente transformada, comprometida e estelar como Elvis Presley. Os rumores são verdadeiros: Elvis vive, em Austin Butler.

Girando em torno da performance de bravura de Butler está uma cinebiografia musical maníaca, maximalista, verdadeira e fod@%&!, na qual Luhrmann localiza Elvis como o ponto de inflexão tremendo entre o antigo e o moderno, um carnaval na tela de TV, e uma figura de puro espetáculo que ameaçou obliterar o status quo – e o fez. Luhrmann pega o legado de Presley, já renegado a uma piada de Las Vegas, e nos lembra o quão perigoso, sexy e revolucionário ele já foi. Ele torna Elvis relevante novamente.

Butler deixa tudo em tela, incorporando o carisma sexual bruto e desenfreado de Elvis no palco. Ele é de cair o queixo, quase selvagem em seu retrato das performances musicais mais memoráveis ​​​​de Presley, desde seus primeiros dias até seu especial de retorno em 1968 e seus shows em Las Vegas, e Luhrmann filma e edita essas cenas para capturar não apenas a performance de Butler de perto, mas também o poderoso impacto que Elvis teve em seus fãs.

Escrito por Luhrmann, Jeremy Doner, Sam Bromell e Craig Pearce, o filme resume toda a carreira de Elvis em duas horas e 39 minutos de filmagem de tirar o fôlego, concentrando-se na energia e nas batidas emocionais da jornada de Elvis, bem como sua exploração nas mãos de seu empresário, o coronel Tom Parker (Tom Hanks, fortemente maquiado em próteses).

Luhrmann editorializa em cima disso, usando uma mão pesada para nos lembrar continuamente das raízes e motivações de Elvis, e a importância cultural de sua carreira inovadora. A música contemporânea na trilha sonora liga a performance de música negra de Presley à popularidade do hip-hop moderno; trechos de sucessos de Michael Jackson e Amy Winehouse nos lembram que Elvis abriu caminho para ídolos adolescentes e que sua história também é um conto de advertência.

A primeira parte do filme, focando em sua estreia como um lindo garoto branco de Memphis, Tennessee, que cantava blues, é rápido, solto e dinâmico, um turbilhão de honky-tonks, revivals de tendas, blues da Beale Street e música country. O ritmo é frenético; não pode ficar parado da mesma forma que Elvis não consegue ficar parado quando está cantando, dominado pela música. A câmera da diretora de fotografia Mandy Walker nunca para de se mover, nos puxando para esse turbilhão de fama recém-descoberta com as rodas de uma máquina girando mais rápido do que Elvis consegue acompanhar.

A velocidade e a superestimulação são inebriantes e interessantes, um forte contraste estético e emocional com os capítulos posteriores da carreira de Elvis. Os dias de Hollywood são uma montagem de cor e figurino, uma fachada inautêntica, enquanto ele se vende para corporações e para o lucro. Na última seção, Elvis é embrutecido e oprimido, despojado de cor e vida, isolado em sua “gaiola dourada” no International Hotel em Vegas.

A história é contada da perspectiva de Parker, uma escolha curiosa, embora sirva a um propósito narrativo maior. A partir de sua perspectiva, entendemos o espetáculo que é Elvis; o coronel quase lambe os beiços ao ver esta mais nova atração de carnaval: um jovem bonito, erótico, que cruza as fronteiras raciais, com uma voz áspera e um topete preto que pode fazer as adolescentes gritarem. Com visões de mercadorias dançando em sua cabeça, o coronel transforma Elvis em um ícone global, mas como o filme argumenta a cada momento, o coronel domou a indisciplina e astúcia do cantor, forçando-o a filmes musicais bregas e turnês implacáveis – apesar dos avisos de Priscilla (Olivia DeJonge).

Parker é o arquiteto da queda de Elvis, extraindo tudo o que pode, cortando suas asas, lixando essa força de mudança de cultura e oferecendo-o como um pedaço excitante de entretenimento, a alma por trás do talento jogado na máquina de fazer dinheiro e no chão ao pó.

A narração do coronel e a performance caricaturalmente maligna de Hanks servem como uma confissão assinada de culpa, já que Luhrmann nos dá Elvis como uma figura semelhante a Cristo, um santo mártir do rock ‘n’ roll crucificado na cruz do capitalismo e da ganância.

Enquanto Butler humaniza Elvis, Luhrmann o deifica e argumenta que ele possuía um potencial muito mais radical, tanto musical quanto politicamente, do que lhe era permitido. Seus quadris giratórios e joelhos balançando não eram apenas um presságio de boy bands e ícones pop – “Elvis the Pelvis” também ameaçou inaugurar a revolução sexual e desagregar o Sul de uma só vez, empurrando o rock ‘n’ roll para o mundo mainstream ao iniciar a primeira “guerra cultural” da história.

Elvis não é apenas um revigoramento do mito de Elvis. É também uma ressurreição do próprio Rei.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBO Max.

 

 

 

Baseado no romance de Mark Greaney, Agente Oculto, de Anthony e Joe Russo, é um filme de ação montado nos esteróides, uma produção que contém acrobacias suficientes para preencher cinco filmes. Nesta era de filmes de aventura inchados, isso significa algo. Para crédito de Russo, com o poder das estrelas e a destruição desenfreada em exibição, você pode dizer que cada centavo de seu orçamento de US $ 200 milhões está na tela. Uma luta corpo a corpo acontece logo após uma elaborada perseguição de carro que é rapidamente levada para fora da tela para dar espaço a uma sequência no ar que desafia a morte – náuseas a vista na sala. É tudo muito espetacular; e também é bastante exaustivo, pois o grande número de cenas de ação começa a se confundir em uma fuzilaria de movimento que, em última análise, atinge o espectador diretamente em sua labirintite.

A trama, do jeito que é, envolve Seis (Ryan Gosling), um agente da organização Sierra, uma agência super, super secreta montada por Fitzroy (Billy Bob Thornton), que está longe de qualquer suspeita que ao menos exista. Seis é o tipo de cara que… bem, você conhece esse cara! Ele é aquele que você envia quando ninguém mais pode fazer o trabalho, o cara que deixa um rastro de corpos em seu rastro, o cara que emerge de um arranhão horrível após o outro sem nenhum corte ou mancha nele. Você sabe – ESSE CARA!

Em uma missão que dá errado, ele fica com a posse de um pen drive que contém informações incriminatórias que o diretor da CIA Carmichael (Rege-Jean Page) precisa desesperadamente recuperar. Então, ele envia a agente Dani Miranda (Ana de Armas) para trazer Seis e protege suas apostas contratando também Lloyd Hansen (Chris Evans), um contratado independente psicopata, que emprega vários mercenários para fazer sua oferta. E no meio disso tudo uma garota de uns 10/12 anos, Claire (Julia Butters) é sequestrada. O caos se instala…

Eu esperava que as bigornas da ACME começassem a cair do céu com todas as armadilhas mortais fúteis que foram colocadas em jogo e a falta de dano causado aos alvos pretendidos. Apesar de tudo ser insano, há alguns momentos de destaque. Uma sequência que encontra nosso herói tentando evitar um grupo de soldados de elite a bordo de uma Fortaleza Voadora com um grande buraco na lateral e um Humvee rolando nele é executada de forma imaginativa e bastante contagiante. No entanto, o destaque é um set de 15 minutos que encontra Seis algemado a um banco de um parque, evitando centenas de balas, apenas para escapar para um bonde de rua abandonado e vários bandidos em perseguição. As elaboradas brigas de armas e socos que acontecem neste trem desgovernado são tão emocionantes quanto um jogo de futebol americano.

Ainda assim, é demais e a única coisa que torna tudo melhor ainda são as performances de arco dos três protagonistas. A recusa de Gosling em reconhecer qualquer sentimento de dor, não importa o quanto Seis seja submetido, fica mais impressionante à medida que a quantidade de abuso que ele sofre aumenta. Ele está se divertindo muito como Evans, interpretando Hansen ao máximo, empregando tudo, incluindo um bigode girando e risada maníaca para rasgar sua personalidade de mocinho em pedaços. Não tenho certeza se algum dos atores executa tanto quanto a postura. Quanto a Ana de Armas, com base em sua longa participação em 007 e sua aparição aqui, se um estúdio não oferecer a ela uma franquia de ação própria, todos em Hollywood estão dormindo ao volante.

O fato de estar na Netflix nega ao telespectador ver esse espetáculo na tela grande, o que é uma pena. No entanto, prova ser uma vantagem, pois poder pausar o filme periodicamente é uma vantagem. Você precisará recuperar o fôlego de vez em quando.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Sempre Em Frente (C’mon C’mon) é um grande abraço de urso envolto em celulóide. Mike Mills, o cineasta por trás de Mulheres do Século 20, é um mestre da emoção íntima e não forçada e do tipo de sabedoria simples que sempre soa melhor quando vem da mente das crianças: elas criam o tipo de ouro que os roteiristas passariam muitas noites sem dormir tentando perseguir.

As crianças em questão estão sendo entrevistadas por Johnny (Joaquin Phoenix), um jornalista de rádio que é muito bom em fazer perguntas, mas não tão bom em respondê-las. Ele e sua irmã Viv (Gaby Hoffmann) se separaram nos meses desde a morte de sua mãe, mas agora ele se vê pai temporário de seu sobrinho, Jesse (Woody Norman), depois que ela é chamada para ajudar seu ex-marido, Paul (Scoot McNairy) a procurar ajuda psiquiátrica. Jesse é um menino curioso, com um elmo de cabelo ondulado e olhos escuros aguçados.

Quando ele faz a Johnny o tipo de perguntas que parecem fáceis para os jovens, do tipo “Por que você não se casou?” ou, à menção de uma ex-namorada, “Por que você terminou?”, as respostas voltam todas embaralhadas. Não que a vida fique mais difícil, como Mills sempre parece argumentar, mas é que cada ano traz consigo um pouco menos de clareza. Em Mulheres do Século 20, Dorothea de Annette Bening lamenta ao filho que “eu te conheço menos a cada dia” e esse mesmo medo assombra tanto Viv quanto Johnny. A irmã não sabe dizer ao irmão que a mãe nunca foi tão atenciosa com ela. A mãe não sabe como dizer ao filho que seu pai está com problemas desesperados. O tio não sabe dizer ao sobrinho que sente muito por não estar tanto por perto.

Às vezes a arte auxilia. Ao longo de Sempre Em Frente, Mills faz seus personagens lerem passagens dos livros e ensaios que os ajudam a processar como se sentem – seja The Bipolar Bear Family de Angela Holloway, escrito para ajudar as crianças a entender o transtorno, ou Mothers: An Essay on Love and Cruelty de Jacqueline Rose. De vez em quando, eles abandonam completamente as palavras e se comunicam simplesmente tamborilando os dedos na mesa com Jesse.

É muito fácil, à luz da vitória de Phoenix no Oscar por Coringa, pensar no ator como alguém capaz de negociar apenas miséria e loucura. Mas você não pode construir um bom vilão sem vir de um lugar de profunda humanidade – e Phoenix está sempre no seu melhor em um papel como este. Ele é brincalhão e vulnerável, sem uma pitada de vaidade. Eu gosto quando suas frases são longas e respiram fundo. Ele soa um pouco como o Ursinho Pooh. O diretor de fotografia Robbie Ryan captura Phoenix e Norman em um rico preto e branco que às vezes evoca a fotografia de rua de Lee Friedlander – familiar e um pouco mágica. Os dois podem se sentar em uma mesa e ser cercados pelas luzes de um balcão de delicatessen (loja de petiscos) próximo. Assistindo Sempre Em Frente, você vai querer desesperadamente se juntar a eles.

Sempre Em Frente não vai a lugar nenhum em particular. É uma experiência sinuosa, mas propositalmente. E é o tipo de filme que te dará vontade de sair do cinema e fazer as perguntas grandes, bregas e sinceras a estranhos, família ou qualquer pessoa.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Você definitivamente vai querer sempre deixar seu telefone no silencioso depois disso. Se você ouvir aquele som familiar tocando e tocando e tocando, todas as vibrações arrepiantes de O Telefone Preto voltarão correndo, e você pode se encontrar olhando para coisas estranhas.

Dirigido por Scott Derrickson, o filme de terror atmosférico e enervante não tem apenas sustos literais, ele efetivamente explora nossos medos primitivos sobre predadores ameaçadores em todas as formas. É por isso que ele se enterra em sua consciência.

O bicho-papão com a máscara é aterrorizante, sem dúvida, mas também é um personagem claramente humano e o que ele é e o que ele representa é o tipo de coisa que atrapalha o sono. Porque não há nada mais assustador do que as piores coisas de que os humanos são capazes. O que não quer dizer que O Telefone Preto é apenas um filme que parece causar cicatrizes e traumas, porque no centro dele está uma história sobre as melhores coisas de que os humanos são capazes. A trama de Derrickson desse conflito, essa eterna luta entre o bem e o mal, se você quisesse ser prosaico, é o que sustenta e impulsiona o filme. E é uma narrativa brilhantemente equilibrada com a quantidade certa de trauma e redenção.

Baseado no conto de Joe Hill, mas também inspirado em sua própria infância, Derrickson co-escreveu o roteiro com C. Robert Cargill (a dupla já havia escrito A Entidade e A Entidade 2).

É o toque pessoal de Derrickson que eleva esse longa porque, embora a história seja centrada em um serial killer que sequestra e assassina crianças, há muita textura neste mundo que é quase tão assustadora. Essas são as coisas que Derrickson coloriu – os pais abusivos, ausentes e negligentes, o bullying desenfreado e a violência. As crianças aqui estão sempre sangrando ou machucadas por serem chutadas e amarradas, e isso é antes de O Sequestrador aparecer.

Situado em uma cidade americana na década de 1970, O Telefone Preto se ancora em uma comunidade sitiada por uma série de crianças sequestradas. Há cartazes desaparecidos colados em todas as cercas de arame, rostos sorridentes olhando para trás de fotos congeladas no tempo.

Finney (Mason Thames) e sua irmã Gwen (Madeleine McGraw) vivem com seu pai alcoólatra (Jeremy Davies), que tem um temperamento violento quando bebe. Sua casa é governada pelo medo, enquanto Finney também sofre bullying na escola. Quando Finney é levado pelo Sequestrador (Ethan Hawke), ele acorda em um porão trancado com nada além de um colchão sujo e um telefone desconectado na parede. Quando o telefone toca inexplicavelmente, Finney atende e fica mais do que surpreso. Enquanto isso, Gwen está correndo por aí tentando encontrar seu irmão, estimulada por seus sonhos psíquicos, tentando juntar pistas opacas de seu subconsciente. Ela é espirituosa em mais de uma maneira, uma rabugenta que não tem escrúpulos em desafiar a autoridade adulta (fora de sua própria casa).

Derrickson infunde nesses dois jovens personagens a esperança de que existe um caminho melhor e que você não precisa aceitar a mão ruim que recebeu – tal é o otimismo simbolizado pela juventude. É por isso que O Telefone Preto tem mais nuances do que o filme assustador comum. Ele arma o medo que vem de ser impotente e o derrama não apenas no vilão mascarado assassino com a voz assustadora e intenção ainda mais terrível, mas mostra uma saída, uma maneira de recuperar seu poder.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz nos cinemas.

Cinemark DUB 17h20 21h10 LEG 22h10, Cinépolis DUB 14h15 16h45 19h15 21h45, UCI DUB 19h20 LEG 22h20.

 

 

 

 

A Lista Terminal segue o tenente-comandante James Reece (Chris Pratt) enquanto ele lidera sua unidade de elite para capturar um terrorista de armas químicas, Kahani. Eles estão seguindo uma informação confiável da comunidade de inteligência mas, as coisas dão errado, muito errado. A equipe Navy SEAL cai em uma armadilha ao se mover secretamente pelo esgoto subterrâneo. A maioria das saídas está bloqueada por insurgentes armados, e a água na altura do joelho é uma teia de fios de bombas. Quando Reece e Boozer (Jared Shaw) encontram uma saída, um soldado de apoio entra em pânico e foge. Ele ignora os apelos do Comandante para vigiar o arame. Uma bomba explode e Reece é nocauteado. Ou foi o soldado? A história muda quando Reece passa por um interrogatório e recebe o relatório de danos. O áudio pegou um de seus membros da equipe SEAL, Donny Mitchell (Patrick Schwarzenegger), entrando em pânico e detonando a bomba.

O que exatamente aconteceu? Na volta para casa da base, ele diz a seu amigo Ben (Taylor Kitsch), um agente da CIA que não gosta de trabalhar, que foi uma armação. O problema é que ninguém acredita nele. Ben é cético. Seu chefe, Almirante Pillar (Nick Chinlund), acha que ele está fora de controle, e sua esposa, Lauren (Riley Keough), está preocupada. Ela conhece a história de veteranos com TEPT. Lauren vê a raiva, fadiga, medo, paranóia, problemas para dormir e mudanças em sua personalidade. Reece está distante, ruminando sobre a emboscada, e não se envolve, mesmo com sua filha de nove anos, Lucy (Arlo Mertz). Enquanto Lauren tenta convencer seu marido a pedir para um profissional médico examiná-lo, uma correspondente/repórter de guerra, Katie Buranek (Constance Wu), se aproxima dele em busca de uma história.

A série é baseada no thriller político mais vendido do New York Times de Jack Carr. Na adaptação, escrita pelo showrunner David DiGilio (O Viajante) e produção executiva de Pratt e Antoine Fuqua (Dia de Treinamento), a equipe fez questão de diminuir o aspecto de suspense político do livro e aumentar a ação em um grau substancial. Tendo assistido a série inteira, você está assistindo a um thriller de vingança bem tramado. O narrador não confiável também tem um elemento adicional, que pode ser exagerado nos últimos tempos. Ainda assim, eles o usam de uma maneira que aumenta o mistério e um elemento humano tocante e inesperado. A subtrama mais eficaz é quando Reece combina pesadelos com uma memória abordando a morte de um estorninho com sua esposa e filha.

O show pode ser cheio de ação às vezes, e o último episódio coloca Reece de Pratt em uma luz fria particular com aspirações por temporadas adicionais (há cinco livros na série). No entanto, Pratt carrega The Terminal List com uma surpreendente quantidade de profundidade e ressonância tocante no topo das cenas de ação de alta octanagem. Os episódios de destaque para Pratt, incluindo Transição e Reivindicaação, repito, é o melhor desempenho de sua carreira. A estrela, no registro, tem apoiado muito homens e mulheres do serviço militar. Pratt garante que temas de trauma, transtorno de estresse pós-traumático e a pressão que ele exerce sobre a família e a saúde mental sejam tratados com empatia e cuidado.

Claro, uma grande revelação no final da temporada é evidente para qualquer crítico que se preze, mas valerá a pena para o público em geral. Além disso, o enredo pode ser muito técnico para a história de encobrimento aqui. No entanto, The Terminal List é um entretenimento de grande sucesso. Ao contrário do seriado Halo, a série consegue manter um alto nível de produção e ação durante toda a execução e o piloto, dirigido por Fuqua, é uma emocionante hora de streaming de televisão.

5 pipocas!

Disponível na Amazon Prime Video.

De Operação Crossbow (1965) a Enigma (2002) ou de O Jogo da Imitação (2014) a Até o Último Homem (2016), vimos vários filmes destacando heróis da vida real, muitos deles não muito conhecidos, da Segunda Guerra. Repetidamente, quando pensamos que não pode haver uma história da Segunda Guerra Mundial feita para Hollywood que ainda não foi contada, descobrimos que há mais. Muitos, muitos mais.

Aqui está um para você: O Soldado Que Não Existiu (Operation Mincemeat). Isso soa como o título de uma comédia adolescente dos anos 1980 sobre um valentão da escola que ameaça transformar nosso herói em picadinho, mas esse era na verdade o codinome para um absolutamente insano e totalmente maluco, plano que passa de uma missão inventada pela inteligência britânica para enganar as forças de Hitler a acreditar que as forças aliadas estavam prestes a invadir a Grécia quando na verdade estavam prestes a descer sobre a Sicília e tomá-la das potências do Eixo.

Qual era o plano, você pergunta? Simples! Os britânicos iriam encontrar um cadáver recente, dar-lhe uma identidade falsa elaborada, vesti-lo como um oficial da Marinha Real, colocar falsos papéis “Top Secret” na maleta acorrentada ao seu pulso, despejar o corpo no mar e esperar que as informações plantadas no corpo do cadáver eventualmente cheguem às mãos da inteligência alemã, fazendo com que o inimigo negligencie a Sicília em favor de reforçar suas defesas na Grécia.

Vou dar-lhe um momento para absorver tudo isso. Demorei mais do que isso para processar que essa não era apenas uma missão real da Segunda Guerra Mundial, mas foi bem-sucedida, e não, isso não é um alerta de spoiler porque estou falando de eventos de mais de 70 anos atrás e realmente não acho que a Netflix estaria nos dando um filme sobre uma missão secreta bizarra que deu terrivelmente errado e resultou em um grande triunfo para Hitler.

Baseado em um livro de não-ficção de Ben Macintyre, dirigido com estilo de peça de época de John Madden (Shakespeare Apaixonado, O Exótico Hotel Marigold) e repleto de design de produção impressionante, O Soldado Que Não Existiu nos dá nossa segunda representação cinematográfica desta operação (depois de O Homem que Nunca Foi de 1956). Colin Firth volta no tempo sem esforço para desaparecer no papel do oficial de inteligência naval britânico Ewen Montagu, que em 1943 viu sua carreira descender e sua esposa e filhos partirem para a segurança da América, talvez para nunca mais voltar.

Quando um grupo de oficiais de inteligência se reúne para traçar um plano para de alguma forma convencer o inimigo de que as Forças Aliadas NÃO estão prestes a invadir a Sicília, o ex-tenente da RAF e despretensioso agente do MI5, Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen) apresenta um plano absurdo que ele chamou de Operação Cavalo de Tróia e quase fez a sala toda rir – porém Ewen acha que Charles está certo em alguma coisa, e os dois oficiais se unem para colocar em movimento a renomeada Operação Mincemeat, mesmo com o Diretor de Inteligência Naval John Godfrey (Jason Issacs) acreditando que o plano é uma perda de tempo mas fornecendo aos homens apenas uma pequena equipe e poucos recursos.

O Soldado Que Não Existiu não foge das maquinações limítrofes de Um Morto Muito Louco que levam à missão, com Ewen e Charles vasculhando cadáveres em busca de alguém que poderia ter sido um oficial da Marinha Real. Um vagabundo galês chamado Glyndwr Michael, que se matou com veneno de rato, recebe a identidade póstuma de um capitão William “Bill” Martin, completo com uma história de fundo que inclui sua amorosa noiva Pam. Uma secretária chamada Jean (Kelly Macdonald) oferece uma foto sua e assim se torna parte da equipe – e o centro de um triângulo amoroso envolvendo Ewen e Charles. O diretor Madden e a roteirista Michelle Ashford não têm escrúpulos sobre o melodrama tipo Casablanca, com Ewen e Jean especulando sobre o romance fictício entre Bill e Pam enquanto flertam com a atuação da história. Em outro floreio dramático feito para o cinema, nosso narrador é Ian Fleming (Johnny Flynn) – sim, Ian Fleming, que na vida real era o assistente pessoal de Godfrey e é creditado por alguns como o primeiro a apresentar o conceito da Operação Mincemeat em uma missiva que ele chamou de Trout Memo. (Fleming comparou o engano do inimigo à arte da pesca com mosca.)

Firth e Macfadyen são ótimos juntos como dois homens que realmente não gostam um do outro, não confiam um no outro e têm maneiras diferentes de tentar se conectar com Jean. Quando Ewen e Charles estão na tela, a gravidade está na ordem do dia e as trocas acaloradas geralmente acontecem – mas O Soldado Que Não Existiu tem uma abordagem decididamente diferente do material quando a missão dá uma reviravolta absurda após a outra. (Na verdade, este mesmo material é a base para uma paródia musical de sucesso atualmente em produção no Riverside Studios em Londres.) As mudanças no tom funcionam porque, embora a Operação Mincemeat tenha sido um plano brilhante que salvou milhares de vidas aliadas, também foi completamente ridículo – e graças a Deus havia espaço suficiente para o ridículo em certas salas de guerra.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Quando foi a última vez que você viu a loucura? O Mestre das Artes Místicas retorna para mais intromissões multiversais em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, um filme de super-herói que vê o aclamado Sam Raimi retornar ao gênero pela primeira vez em 15 anos. Depois que o Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) acidentalmente abriu um portal para o multiverso em Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, ele deve manter uma jovem, America Chavez (Xochitl Gomez), a salvo das ameaças que a enfrentam nos universos. Este filme é uma potência cinematográfica que não faz rodeios, fazendo de tudo para criar uma experiência de super-herói diferente de qualquer outra.

Estamos vivendo uma era de ouro do cinema de super-heróis. Nos últimos meses, vimos os mundos do Homem-Aranha colidindo, as emoções do Batman, e vimos Jared Leto se transformar em vampiro por algum motivo ímpio. Enquanto a Marvel facilmente poderia ter alcançado seu pico com Vingadores: Ultimato, Kevin Feige provou ter mais do que alguns truques na manga para manter o público colado em seus assentos. Como a maioria dos filmes da Marvel, este é um filme em que você não pode desviar o olhar quando começa, pois a cena de abertura nos leva direto para o multiverso.

Desde o início, Doutor Estranho no Multiverso da Loucura é visualmente incrível. O Doutor Estranho original foi uma desculpa para a Marvel mostrar seus efeitos visuais impressionantes. Com um herói que pode viajar por diferentes dimensões e um diretor conhecido por seu estilo visual soberbo, Raimi e Strange são uma combinação perfeita. Os poderes do Feiticeiro Supremo tornam-se os poderes do diretor de Hollywood, pois temos material feito sob medida para o conjunto de habilidades de Raimi como diretor de filmes de super-heróis, filmes de terror ou, neste caso, o intermediário.

Uma classificação PG-13 não poderia impedir Raimi de entrar em suas raízes de terror com algumas cenas de terror incríveis. Enquanto o espetáculo de super-heróis supera o festival de sustos, e este não é de forma alguma um filme de terror, Raimi brinca com sequências que têm as emoções sobrenaturais de Arraste-Me para o Inferno e as mortes imparáveis ​​de Spartacus: Sangue e Areia. Este é o universo cinematográfico da Marvel no seu mais sangrento, ultrapassando os limites de uma classificação PG-13 com alguns momentos brutais projetados para o público mais velho. Felizmente, este filme funciona menos no sentido de um apelo amplo e, em vez disso, visa proporcionar ao público um tempo incrível.

E que momento incrível é este filme com o brilho puro de Raimi. Desde Oz: Mágico e Poderoso, de 2013, ele não fez um novo filme e seu estilo fez muita falta. Com um retorno arrasador, ele joga tudo o que pode na tela, desde giros e movimentos de câmera vertiginosos até gradação de cores vibrantes para um mundo expandido com mais feiticeiros e visões mais espetaculares. Seu design continua a impressionar, e ele é dono de cada momento do filme, infundindo sustos, mortes e tiros no globo ocular no MCU.

O escritor Michael Waldron, que trabalhou anteriormente em Loki, se sai muito bem com os personagens. O filme começa com a vida pessoal do Doutor Estranho e seu relacionamento com Christine (Rachel McAdams), explorando como as coisas mudaram entre eles desde os eventos do primeiro filme. É sempre maravilhoso quando um herói poderoso como ele fica enraizado em emoções cruas. A Marvel sempre conseguiu fazer seus heróis humanos primeiro e os super-heróis depois. Isso volta ao jogo com excelentes momentos com o Doutor Estranho ao longo do filme.

O filme também traz de volta Elizabeth Olsen como Wanda Maximoff, a Feiticeira Escarlate. após os eventos de sua minissérie, WandaVision. Os eventos desse programa informam seu objetivo neste filme, pois o Doutor Estranho pede sua ajuda para navegar no multiverso. Apesar dos comportamentos antagônicos de Wanda, ela continua sendo uma pessoa simpática o tempo todo. Em sua essência, Doutor Estranho e Feiticeira Escarlate são duas pessoas incapazes de estar com as pessoas que amam enquanto viajam por um multiverso onde tudo é possível.

É fascinante como esses dois heróis não são apenas semelhantes em suas motivações, mas também são duas das pessoas mais poderosas do MCU. Ver sua força em exibição é algo para se contemplar, pois o filme faz pleno uso de suas habilidades e mostra como o imenso poder pode ser usado pelos motivos errados. Com um conceito inerentemente fascinante em torno de universos alternativos, este filme tem algo para quase todos que o assistem.

Enquanto o filme evita se tornar um filme de terror completo, Doutor Estranho no Multiverso da Loucura redefine a aventura itinerante saltando de globo em globo em um passeio cheio de ação. Este filme é um banquete visual para os olhos, enquanto a história continua, as escolhas diminuem e as apostas aumentam. O filme oferece algumas aparições surpresa de personagens novos e antigos Esta é uma montanha-russa sem parar de um filme de super-heróis com Olsen dando seu melhor desempenho no MCU até agora. Pode ser o melhor filme de super-herói ou o melhor filme multiverso do ano, e tem pelo menos uma cena tão agradável que eu gritei audivelmente; uma loucura, de fato.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.