Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Quando a prova de vida extraterrestre chega às vidas dos heróis oprimidos de Não! Não Olhe!, seu primeiro instinto é encontrar uma maneira de monetizá-la. Essa é a reação mais honesta que já vi em um filme de terror. Também é exatamente o que eu esperaria de Jordan Peele, um cineasta que vê a condição social com uma clareza tão simples que seus filmes sempre parecem uma série documental socioeconômica. É uma ficção científica de pipoca em grande escala com um intelecto afiado. Otis Jr “OJ” Haywood (Daniel Kaluuya) e Emerald “Em” Haywood (Keke Palmer) perderam recentemente o pai em um acidente bizarro. Eles lidaram correndo em direções opostas. OJ se fecha totalmente; Em vive seus dias com uma oportunidade de desempenho excitante após a outra. Mas é fácil uni-los sob uma única frente, ou seja, quando uma oportunidade se apresenta para pegar “a foto da Oprah”, ou imagens de OVNIs concretas e indestrutíveis pelas quais os apresentadores de TV pagariam milhares.

A possibilidade de vida extraterrestre, como explica o garoto da tecnologia, Angel (Brandon Perea), hoje parece menos ligado a questões filosóficas sobre nossa existência e mais sobre à cultura pop como a série Alienígenas do Passado do History Channel. A mensagem subjacente de Peele com Não! Não Olhe! é clara: não há parte restante da galáxia que não possa ser explorada para entretenimento. TikTok, YouTube e o ciclo de notícias local balançam a promessa de fama da noite para o dia na frente dos olhos das pessoas, treinando subliminarmente todos nós para ver todas as experiências – não importa quão traumáticas – como conteúdo em potencial.

E Peele, com a mesma imaginação que trouxe para Corra! (2017) e Nós (2019), sempre encontra as maneiras mais inesperadas de provar seu ponto de vista. Conhecemos também Ricky “Jupe” Park (Steven Yeun, que esconde décadas de tristeza em um sorriso), dono de uma atração do Velho Oeste conhecida como Jupiter’s Claim. Foi totalmente Disneyificado em uma paródia macabra do mito americano, muito parecido com o salão de espelhos do lado do cais em Nós. Jupe, quando criança, estrelou um seriado dos anos 90 chamado Gordy’s Home, que foi rapidamente cancelado após uma terrível tragédia. Ele agora revive aqueles “seis minutos e 13 segundos” de terror para um fluxo constante de visitantes curiosos em seu museu em casa, descrevendo com entusiasmo o subsequente esboço do Saturday Night Live satirizando o incidente. Que honra ter o pior dia da sua vida transformado em uma piada.

Os Haywoods, enquanto isso, assumiram o negócio de cavalos acrobáticos de seu falecido pai. Em cada filmagem eles começam com o lembrete de que, na verdade, são ELES os descendentes diretos do jóquei negro sem nome e esquecido em O Cavalo em Movimento de Eadweard Muybridge – a primeira série de cartões fotográficos amarrados para criar uma imagem em movimento. O precursor de todo o cinema. “Desde o momento em que as imagens puderam se mover, entramos no jogo”, diz Em. E, no entanto, os Haywoods nunca são aliviados do fardo de ter que provar a si mesmos. Assim como Jupe. Tal como acontece com as pessoas de cor em todos os lugares apenas tentando esculpir seu caminho na vida. Eles não têm escolha a não ser se mercantilizar constantemente. Essas frustrações impulsionam o trabalho de Kaluuya e Palmer aqui. Kaluuya é um verdadeiro talento único, que ainda apresenta uma performance intensamente magnética com um personagem explicitamente escrito para ser mal-humorado e pouco carismático. Palmer nos dá o tipo de heroína de terror capaz que é impossível não torcer.

Não parece muito correto dizer que a premissa de ficção científica de Não! Não Olhe! está em “dívida” com Contatos Imediatos do Terceiro Grau ou Tubarão de Spielberg. Ou para as emoções de Hitchcock. Ou ao caos clássico dos filmes B. Em vez disso, a compreensão inata de Peele da história cinematográfica, que pode ter vindo de seus anos satirizando tropos de filmes no programa de esquetes Key & Peele, apenas fornece as bases. Não é sua própria criação. Seu próprio universo. Mas nada pode destruir a ilusão de que o que estamos assistindo é totalmente e “emocionantemente” original. Sempre houve uma confiança imperceptível em como os filmes de Peele se movem, desde a suavidade de seu trabalho de câmera, até a potência simbólica de objetos comuns. Corra é sua xícara de porcelana e Nós sua tesoura. Mas Não! Não Olhe! é ouro.

Há outras imagens, também, que não ouso estragar, mas que são tão elegantemente compostas que minha mente, sem dúvida, as adicionou silenciosamente ao grande cânone cinematográfico das imagens de terror. Não! Não Olhe! é um filme que, acima de tudo, celebra a habilidade de grandes artesãos – não apenas na tela, com os Haywoods, mas com a beleza de tirar o fôlego do trabalho do diretor de fotografia Hoyte van Hoytema (o filme foi rodado para Imax), e uma paisagem sonora , supervisionado por Johnnie Burn, que extrai tanto poder do silêncio quanto do caos. Você poderia, certamente, argumentar que Não! Não Olhe! é o mais direto dos filmes de Peele até agora. Ele trocou a qualidade claustrofóbica e labiríntica de Corra e Nós por céu aberto e puro espetáculo. Mas a genialidade de seu trabalho é que, no final, nada disso realmente faz diferença. Ele ainda obtém os mesmos resultados. Peele, na verdade, é o mágico disfarçado de cineasta. É um truque de mão tão habilidoso que você nunca questionará como o truque foi feito.

5 pipocas!

 

 

Em cartaz no Cinemark DUB 15h05 LEG 18h 21h05 e Cinépolis DUB 18h30.

 

No ataque constante de filmes de super-heróis de Hollywood, pode ser fácil esquecer o capricho e o humor inerentes de muitas histórias em quadrinhos. Frases bregas são necessárias para os heróis da Marvel, que usam fantasias ridículas e muitas vezes têm poderes estranhos. É a justaposição dessa teatralidade com um mundo em constante perigo que os torna tão atraentes. Essa sensibilidade não é perdida no diretor Taika Waititi, que anteriormente dirigiu Thor: Ragnarok de 2017. Enquanto ele pega o manto do deus nórdico novamente em Thor: Amor e Trovão, Waititi aumenta o dial para 11, criando um filme de super-herói taxado como desequilibrado mas que é partes iguais de humor e coração.

O diretor descarta os pontos remanescentes da trama do Universo Cinematográfico Marvel rapidamente quando o filme começa, colocando Thor (Chris Hemsworth) em um bootcamp visualmente hilário para perder seu peso no Endgame. Os Guardiões da Galáxia fazem uma participação especial, mas Waititi envia Thor e seu amigo rochoso Korg (dublado pelo próprio diretor) para sua própria aventura com trilha sonora do Guns N’ Roses sem demora. Embora Thor tenha deixado Nova Asgard, agora como uma próspera atração turística, nas mãos de Valquíria (Tessa Thompson), surge uma nova ameaça que o atrai de volta ao seu povo e o exorta a se tornar digno de seus poderes novamente.

Essa ameaça é Gorr, o Carniceiro de Deus, interpretado por um Christian Bale a todo vapor. Gorr já foi um homem comum que perdeu sua filha em um planeta decadente, mas um confronto com seu deus o levou a odiar todos os deuses. Agora armado com uma necroespada imortal, Gorr está varrendo o universo de divindades todo-poderosas, uma por uma – e Thor é o próximo em sua lista. O vilão vingativo sequestra os filhos de Nova Asgard e cabe a Thor, junto com Valquíria e sua ex-namorada Jane Foster (Natalie Portman) salvar o dia. Jane, por acaso, tornou-se a Poderosa Thor com a ajuda do martelo quebrado de Thor, Mjölnir, tornando-a uma adição valiosa à equipe.

Embora a motivação de Gorr pareça um pouco fraca – um deus foi arrogante com ele e agora ele quer matar todos eles? – Waititi mantém o enredo firme e mantém o tempo de execução em duas horas. O melhor momento vem quando Thor, Jane, Valquíria e Korg se infiltram na Omnipotence City na esperança de criar um exército e imploram a Zeus (um Russell Crowe impetuoso e irritadiço) por ajuda. É uma cena inteligente que exemplifica o quão bobos esses super-heróis realmente são. A ameaça de Gorr é sincera, mas não precisamos levar tudo sobre o Universo Cinematográfico Marvel tão a sério, o que Waititi enfatiza em seus mínimos detalhes.

No meio das piadas literais e piadas visuais, Waititi também atinge um tema central: o amor. O filme é sobre o amor entre um pai e sua filha, o amor entre Thor e Jane, o amor que aprendemos que Valquíria já teve com um par guerreiro, o amor dentro de uma comunidade. Os momentos emocionais são mais fortes porque tudo ao seu redor é tão alegre e engraçado. Thor, apesar de ser muito velho, ainda está em busca de seu propósito, algo que ele parece descobrir no final do filme.

Se houver desvantagens em Thor: Amor e Trovão, elas são exigentes. Apenas um diretor do sexo masculino enviaria Poderosa Thor para a batalha com o cabelo soprando em seu rosto (sério, nenhuma mulher lutaria contra um deus com cachos arrebatadores que não estão pelo menos parcialmente amarrados). Valquíria fica de fora antes da luta climática e a resolução da história de Gorr é esperada.

Mas Waititi produziu dois dos filmes mais divertidos e animados da Marvel até hoje. Ele nos deu um herói complicado – o ego de Thor e a falta de autoconsciência continuam a fornecer alguns dos melhores momentos cômicos – e que se esforça para ser melhor. Uma cena de luta épica, feita inteiramente em preto e branco, é visualmente fascinante e mostra o potencial de futuros confrontos de super-heróis. Embora ainda não esteja completamente claro para onde a Fase Quatro do MCU está indo, uma das duas cenas pós-créditos sugere o que está por vir para Thor com uma revelação que fará o público aplaudir. Em última análise, Thor: Love and Thunder faz o que um bom filme de super-heróis deve fazer: nos diverte.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.

25 anos depois que o bombástico clássico dos anos 80 de John McTiernan nos apresentou a uma raça de alienígenas predadores de alta tecnologia, o Predator está de volta caçando outro bando de guerreiros ferozes. O Predador – A Caçada de Dan Trachtenberg é uma aventura majestosa que leva a amada franquia de volta 300 anos às Grandes Planícies do Norte de 1719. Com base no sucesso de Rua Cloverfield 10, Trachtenberg mais uma vez dá vida a um título popular, invertendo a premissa e expandindo o mundo para contar uma história totalmente diferente. Em O Predador – A Caçada, ele segue uma jovem comanche chamada Naru (Amber Midthunder) e faz uma observação inspiradora sobre a percepção do poder e a realidade da força.

Já habilidosa na arte das plantas medicinais, Naru está determinada a provar que é uma caçadora entre sua família e sua tribo. Ela está procurando seu Kühtaamia, um rito de passagem no qual ela caçará com sucesso um predador que também a está caçando. Mas em vez de um urso ou leão da montanha, Naru se vê caçada por um predador feral de outro planeta, determinado a matar as criaturas que puder encontrar. Usando um tomahawk herdado de seu pai e seu cão bem treinado Sarii, ela caça, rastreia e usa sua engenhosidade para sobreviver em um mundo onde até os guerreiros mais ferozes são vítimas do caçador alienígena. Embora sua confiança seja abalada por um lindo impasse ao luar com um leão da montanha, Naru tem sucesso onde seus companheiros de tribo machos alfa não conseguem e fornece uma lição poderosa sobre representação e coragem diante da vergonha e do ridículo.

O filme original de McTiernan examina a masculinidade e o domínio enquanto o Predador caça uma equipe de comandos de elite liderados por Arnold Schawzenegar em seu auge físico. Eles são visados ??por sua força, mas Naru é capaz de sobreviver porque o Predador a dispensa por sua fraqueza percebida. Ela não apenas usa suas habilidades e ambiente como uma arma inesperada, mas usa as próprias suposições do caçador contra ele, fingindo fraqueza para fazê-lo acreditar que ainda é o predador e não a presa.

Amber Midthunder é simplesmente deslumbrante como Naru, uma jovem ofuscada por seu irmão mais velho Taabe (Dakota Beavers) e descartada como fraca pelo resto da tribo. Navegando habilmente entre vulnerabilidade e força, torcemos por ela enquanto ela se defende de muitos atacantes diferentes, bem como dos membros cruéis de sua tribo. Ela e Beavers iluminam a tela sempre que estão juntos, fornecendo o núcleo emocional da história. Trachtenberg colocou seu elenco principal em um campo de treinamento de quatro semanas, no qual eles foram treinados com armas no estilo Comanche. Este treinamento físico valeu a pena, pois Midthunder e Beavers parecem perfeitamente em casa usando as lanças, arcos e tomahawks que seus personagens empregam. Beavers realizou suas próprias acrobacias para o filme, incluindo uma emocionante cena de batalha a cavalo em que os irmãos enfrentam o Predador.

A dedicação de Trachtenberg à autenticidade permeia o filme e é essencial para capturar as nuances desse mundo maravilhoso. O elenco principal é composto quase inteiramente por atores nativos e indígenas e os povos indígenas estiveram envolvidos em quase todos os níveis de produção, desde a arte que fornece a sequência dos créditos finais até um estágio criado para beneficiar os povos indígenas interessados ??em cinema. O aclamado cineasta e produtor Jhane Meyers, membro das nações Comanche e Blackfoot, usou sua experiência e recursos da comunidade para criar os detalhes impressionantes e a sensação vivida que torna O Predador – A Caçada mais do que apenas um filme de ação de época.

O Predador – A Caçada também estreia o novo Predator, uma versão mais enxuta e primitiva da espécie Yautja do que vimos em filmes anteriores. Embora suas armas sejam menos avançadas do que as iterações anteriores do personagem, ele é tão feroz e indiscutivelmente mais humano enquanto luta com os elementos e animais da floresta traiçoeira. A adição de caçadores de peles franceses o deixa com muito mais corpos para apanhar. O ex-jogador de basquete Dane DiLiegro dá vida ao caçador de troféus de outro mundo em uma mistura de acrobacias físicas e efeitos especiais de cair o queixo. Embora tenhamos vislumbres do guerreiro camuflado nas primeiras cenas, somos oficialmente apresentados ao Predador Feral em uma batalha emocionante com um urso adulto. Tendo matado o animal gigante, ele levanta o corpo eviscerado sobre a cabeça enquanto o sangue jorra sobre ele, iluminando o contorno de sua forma invisível.

Além da ação estelar e do trabalho emocional dos personagens, Trachtenberg usa o cenário da floresta a seu favor com lindas tomadas longas revelando o terreno majestoso. Outra cena impressionante mostra o Predador camuflado perseguindo Naru e seu amigo por um campo aberto visível apenas pela grama que se separa rapidamente em seus calcanhares. A floresta se mostra quase tão mortal quanto o próprio alienígena e os temíveis predadores de animais estabelecem as apostas para uma luta mortal em um ambiente inóspito. Uma bela e dinâmica trilha sonora de Sarah Schachner aprimora perfeitamente as imagens exuberantes do filme.

Trachtenberg habilmente se baseia em temas sociais introduzidos pela primeira vez no filme original em que os comandos abrem fogo e dizimam a selva em busca do Predador apenas para acabar sem nada para mostrar, para sua destruição. Os caçadores de peles franceses são um contraponto vilão ao Predador, tanto caçam por troféus quanto por esporte, simplesmente matando para provar que podem. Eles pegam seus troféus de marca registrada e deixam o resto dos corpos para trás enquanto Taabe e Naru se concentram na sobrevivência, caçando comida e protegendo seus amigos de ataques de animais.

Dado o lançamento do Hulu (Star+ no Brasil), um subproduto da fusão entre a The Walt Disney Company e a 20th Century Fox, e o fato de ser o primeiro da franquia a estrear em telas pequenas pode fazer com que muitos descartem este filme. Mas esta é uma sequência digna e igual ao original icônico de McTiernan. Sua abordagem inovadora leva o conceito em novas direções e revigora uma franquia envelhecida. Apesar das muitas probabilidades contra ele, O Predador – A Caçada é um dos filmes mais emocionantes do ano.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.

Um filme que se poderia esperar ver lançado no final da temporada de prêmios de verão, Um Lugar Bem Longe Daqui, está caindo no meio do outono, onde super-herói, animação e ação dominam os cinemas multiplexes. No entanto, se o público maior do que o esperado na exibição de pré-lançamento deste filme é algum tipo de indicador, há um monte de pessoas procurando algo mais cerebral do que efeitos especiais, cenas de perseguição e humor do banheiro.

Em vários pontos, lembrando elementos de Na Corda Bamba, Inverno da Alma, O Sol É para Todos e as obras selecionadas de William Faulkner (A Cidade), Tennessee Williams (Uma Rua chamada Pecado) e Flannery O’Connor (Sangue Sábio), o longa é a própria definição do clássico sulista. Gótico.

Baseado no romance de mesmo nome de Delia Owens, Um Lugar Bem Longe Daqui (que passou impressionantes 150 semanas na lista de best-sellers do New York Times), o roteiro foi escrito pela floridiana Lucy Alibar, que co-escreveu o criminalmente subestimado (e tonalmente semelhante), Bestas do Sul Selvagem.

A Menina do Brejo

Filmado inteiramente na Louisiana, “ULBLD” se passa no fictício enclave de Barkley Cove, na Carolina do Norte, e abre em 1969 com dois garotos descobrindo um cadáver na base de uma torre de vigilância de incêndio. O falecido é Chase Andrews (Harris Dickinson), o garoto rico e mimado local e herói do futebol do ensino médio que recentemente terminou com Catherine “Kya” Clark (Daisy Edgar-Jones), também conhecida como a A Menina do Brejo.

Por causa de seu status como uma forasteira misteriosa e de possuir uma peça rara que Chase estava usando na noite de sua morte, o xerife prende Kya e ela é acusada de assassinato em primeiro grau. Na prisão, ela é visitada pelo altruíta Tom Milton (David Strathairn), um advogado de defesa aposentado, baseado diretamente no romance de Atticus Finch. Ela lentamente se abre para ele e fornece detalhes de sua infância de pesadelo.

Kya recebeu seu apelido insultuoso e duvidoso do povo esnobe da cidade porque mora em um casebre de telhado de zinco à beira da água. Ela foi abandonada pela primeira vez por sua mãe espancada e logo depois, seus irmãos mais velhos devido ao abuso implacável nas mãos de seu pai alcoólatra volátil, o Pa (Garret Dillahunt). A pré-adolescente Kya (Jojo Regina) é amplamente capaz de evitar Pa, que eventualmente vai embora, deixando-a pra se defender sozinha, o que ela faz surpreendentemente bem.

Os únicos aliados de Kya nos próximos 15 anos são um casal, Mabel e Pulinho (Michael Hyatt e Sterling Mercer Jr.), os donos de uma pequena mercearia e Tate Walker (Taylor John Smith), seu amigo de infância apaixonado por ela que a ensina como ler e escrever. Isso eventualmente leva ao romance entre os dois, que não vai na direção que Kya esperava.

E ainda piora, depois de Tate, principalmente por solidão e charme persistente, o enganoso alter-ego de Chase e promessas de um futuro casamento idílico, Kya sucumbe aos seus avanços. Logo, reconhecendo que Chase é um mentiroso patológico e apenas mais uma versão de seu pai, ela termina o relacionamento e isso não é bem recebido por parte dele.

Técnicas de contar histórias arriscadas

Apresentar qualquer filme com uma narrativa fora de sequência é sempre uma proposta arriscada, e a decisão de Alibar e da diretora de longa-metragem Olivia Newman de lançar flashbacks e narração em off só aumenta as chances de fracasso. Só que, surpreendentemente, os cineastas (que incluem o co-produtor Reese Witherspoon) evitam o desastre, e mantêm o público na ponta de seus assentos até os últimos minutos do filme.

Embora não tenha nada em comum em termos de conteúdo com Pulp Fiction e Amnésia, Um Lugar Bem Longe Daqui segue um caminho labiríntico semelhante que foi perfeito para o material. Além disso, se algum desses filmes tivesse sido apresentado em ordem cronológica, eu acho que nada teria funcionado.

O crédito também precisa ser dado à diretora de fotografia Polly Morgan (Um Lugar Silencioso Parte II) e o veterano compositor vencedor do Oscar Mychael Danna (As Aventuras de Pi), cada um no topo de seu jogo, adicionando textura e profundidade sutis, mas substanciais. Embora seja muito cedo para prever com firmeza, as chances são altas de que cada um esteja concorrendo à consideração do Oscar em Fevereiro próximo.

Não se surpreenda se a assombrosa música tema de encerramento de Taylor Swift, Carolina, receber atenção igualmente pesada na temporada de premiações da indústria.

Um Pensamento Sorrateiro

Um Lugar Bem Longe Daqui não prega, dita ou alimenta o público com uma posição específica ou fornece comentários sobre a lei ou a moralidade. Isso faz você pensar, chegar às suas próprias conclusões e coloca você no corpo, mente, coração e alma de um personagem que a maioria de nós não poderia imaginar ser, muito menos habitar temporariamente.

Seja qual for o lado do argumento que você eventualmente aterrissar (e talvez nunca chegue a esse ponto), isso o deixará mais sintonizado com a condição humana e ciente daqueles em barcos diferentes do que você jamais imaginou.

5 pipocas!

 

 

Disponível nos cinemas e em breve na Netflix.

Há muito tempo, no mundo fictício de Granite City em Samaritan, havia dois irmãos gêmeos superpoderosos. Eles tinham a força dos deuses e a capacidade de suportar danos além do que qualquer mortal poderia suportar. Como qualquer conjunto de gêmeos fictícios, um era bom e o outro era mau. O Samaritano usou seus poderes para ajudar, enquanto Nemesis os usou para machucar. Naturalmente eles tiveram que lutar, e como eles estavam empatados, Nemesis forjou uma arma de sua própria raiva destilada para se dar a vantagem. Ele os explodiu (literalmente) quando eles finalmente começaram a lutar, destruindo os dois homens para sempre.

Ou assim foi amplamente divulgado (e todos acreditaram. Nos anos desde sua queda épica, os moradores de Granite City renegaram os gêmeos a uma mitologia coletiva, com alguns teóricos da conspiração e crianças precoces segurando a noção de que o samaritano ainda estava por aí em algum lugar vivendo uma vida tranquila, escondendo suas habilidades de um mundo quase destruído por eles.

Entra na história Sam (Javon ‘Wanna’ Walton), um menino com uma grande imaginação e muito pouco a seu favor. Sua mãe (Dascha Polanco) está fazendo o possível para manter sua pequena família forte em meio a uma paisagem urbana violenta e, apesar de seus melhores esforços, Sam é constantemente tentado a seguir o caminho errado. Quando suas indiscrições desprivilegiadas o colocam no caminho de alguns criminosos violentos, seu vizinho tranquilo Joe (Sylvester Stallone) intervém para protegê-lo de uma surra severa. A questão é que Joe parece ser invencível, ou pelo menos, desumanamente forte – força de nível Samaritano. Sam encontrou o herói há muito adormecido?

 

O que se segue é uma interseção de três histórias, cada uma das quais poderia ser um filme por conta própria. Temos a luta de Sam com os criminosos que querem derrubá-lo ao seu nível, Joe pensando se o Samaritano deve ou não retornar ao combate do crime, e um líder criminoso, Cyrus (Pilou Asbæk), procurando desenterrar a arma lendária de Nemesis em um esforço para tirar o herói da aposentadoria, com a esperança de inspirar uma população marginal a pegar em armas em nome de Nemesis.

Cada história recebe o mesmo peso, todas eficientemente amarradas pelo roteiro notavelmente saudável de Bragi F. Schut. Sim, o Samaritano é voltado para um público mais jovem, especialmente para um garoto de 13 anos como Sam. É por isso que algumas das mensagens são um pouco piegas no geral, especialmente considerando que Granite City se parece muito com a cidade de Nova York que vimos no final dos anos 80 / início dos anos 90 (completo com membros de gangues coloridos com nomes como Cyrus, Sil e Reza). É pró-vigilante? Anti-vigilante? Está fazendo uma tentativa de comentar sobre o privilégio socioeconômico? Sim e não, mas o que quer que esteja fazendo, está de olho na juventude. Basicamente, toda preocupação moral pode ser resumida em “seja legal, respeite sua mãe, mesmo as piores pessoas do mundo são motivadas pela necessidade e não pela animosidade”. Eu posso cravar isso.

Samaritan é um riff encantador, embora um pouco clichê, em nossa atual onda de cinema de super-heróis que faz com sucesso mais no sentido de personagem do que tantos lançamentos da Marvel tentaram nos últimos anos. Claro, parece que foi arrancado diretamente dos anos 90, mas isso parece tão ruim agora que os anos 90 foram há um quarto de século.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Pinóquio foi concebido há 139 anos pelo escritor italiano Carlo Collodi, e já se passaram 82 anos desde que a versão original animada da história de Walt Disney foi lançada nos cinemas.

Para os jovens de hoje que de alguma forma podem ter perdido o original da Disney, Pinóquio será um deleite. Para todos os outros, é um filme muito bem feito que trará de volta memórias da primeira vez que vimos os personagens icônicos de Geppetto, o entalhador de madeira, Figaro, o gato, Cleo, o peixinho dourado e, claro, a consciência de Pinóquio, Grilo Falante.

A tecnologia de hoje melhora muito a experiência de ver Pinóquio novamente. Zemeckis e seu parceiro de composição Chris Weitz adicionaram cerca de 17 minutos ao tempo de execução original, incluindo várias novas músicas dos indicados ao Oscar Alan Silvestri e Glen Ballard. E um novo personagem, Sofia the Seagull (dublado por Lorraine Bracco) é introduzido.

Há muito debate sobre os esforços de alguns para refazer os clássicos animados da Disney em filmes de ação ao vivo. Para o diretor vencedor do Oscar Robert Zemeckis, um novo Pinóquio era um projeto que ele queria muito abordar. O original de 1940 de Walt Disney é o “favorito de todos os tempos” de Zemeckis, que ele considera “o mais belo longa de animação” já concluído.

Quando Tom Hanks soube que Zemeckis estava pensando em transformar Pinóquio em uma versão live-action, ele imediatamente convenceu o famoso diretor, com quem já trabalhou outras três vezes, a interpretar Gepeto. Honestamente, é um ótimo papel agora que Hanks envelheceu no papel. E com uma peruca grisalha, bigode e maquiagem, ele se parece muito com o Gepeto do filme de animação.

O próprio Pinóquio, que é criado em CGI, é dublado por Benjamin Evan Ainsworth, que faz um trabalho realmente maravilhoso.

Zemeckis tinha ele e os outros dubladores no set todos os dias para interagir com os artistas ao vivo, que incluem, além de Hanks, Cynthia Erivo como A Fada Azul, Luke Evans como O Cocheiro, o ator italiano Giuseppe Battiston como Stromboli e Kyanne Lamaya como Fabiana, uma jovem marionetista com uma perna “ferida”.

Mas o que seria de qualquer versão de Pinóquio sem o amado personagem Grilo Falante, também em CGI, dublado aqui por Joseph Gordon-Levitt? Fornecer a Pinóquio uma consciência antes que ele ganhe a sua sempre foi a primeira e principal responsabilidade do Grilo.

Gordon-Levitt está bem ciente da importância de sua tarefa – e sempre dizendo a verdade – para que seu nariz não cresça como o de Pinóquio. Talvez dado o estado atual de nosso clima político, devêssemos tornar a exibição de Pinóquio um requisito para ocupar cargos públicos, embora eu não tenha certeza de que os membros de determinados partidos entenderiam o ponto.

Keegan-Michael Key está disponível para dar voz ao conhecido raposo vermelho João Honesto, que vende Pinóquio para Stromboli, o dono de um espetáculo de carnaval. E Zemeckis, que co-escreveu o roteiro com Chris Weitz, adicionou outro novo personagem, Sofia, A Gaivota, dublado por Lorraine Bracco.

Este Pinóquio apresenta todas as experiências angustiantes que associamos ao original, desde as marionetes no circo, a Ilha do Prazer e os burros, até e incluindo o gigantesco monstro marinho que engole Gepeto, Pinóquio, Cléo e Fígaro, barco e tudo. Enquanto a Disney é conhecida pela ocasional imagem aterrorizante, Zemeckis também não decepciona, com várias cenas assustadoras que podem causar pesadelos para o set infantil. Então, pais cuidado!

E por último, sendo este um clássico da Disney, a música é para sempre memorável. A vencedora do Oscar “When You Wish Upon a Star” é lindamente cantada pelo vencedor do Tony. Cynthia Erivo, como A Fada Azul, em vez do Grilo Falante. Outros notáveis ​​de 1940 incluem “I’ve Got No Strings” e “Hi-Diddle-Dee-Dee (An Actor’s Life for Me)”. Alan Silvestri, que juntou forças com Zemeckis em 19 filmes, compôs a trilha sonora e colaborou com Glen Ballard em algumas músicas novas. A música é encantadora como sempre.

Não importa qual seja sua opinião sobre a discussão em torno dessas adaptações live-action, a atualização de Zemeckis parece nova e inovadora. E falando sério, quem não quer ver Hanks interpretando o tão amado Gepeto?

5 pippocas!

 

 

Em cartaz no Cinemark DUB 16h10 18h25 Cinépolis DUB 17h e UCI DUB 14h30.

Disponível no Disney+.

A Amazon gastou o equivalente ao PIB de uma pequena nação para reviver O Senhor dos Anéis, e os frutos dessa despesa (US$ 465 milhões apenas na primeira temporada) são adequadamente magníficos. Uma saga original ambientada milhares de anos antes dos eventos de O Senhor dos Anéis. Os amados épicos de Tolkien (baseados nos apêndices de O Senhor dos Anéis), Os Anéis de Poder, do Prime Video, é um espírito estético afim às trilogias de filmes de Peter Jackson, ao mesmo tempo em que traça um novo caminho de prequel projetado para se desenrolar em várias temporadas extensas. É uma fantasia escrita empolgantemente grande, embora no início. O que é tão impressionante sobre esse esforço de streaming dos showrunners J.D. Payne e Patrick McKay é o equilíbrio entre o glorioso e o vil, o romântico e o brutal, o eufórico e o desesperado, e o grandioso e o íntimo.

No rescaldo de O Hobbit de Jackson, parecia que a franquia da Terra Média de Tolkien tinha – em termos de adaptações para a tela – seguido seu curso. Porém, Os Anéis de Poder, desmente tais noções, retornando ao universo do autor com um talento e ferocidade que se mostram instantaneamente encantador. Um breve prólogo estabelece a tensão entre céu e inferno, transcendência e condenação, que assolam Galadriel (Morfydd Clark), a guerreira elfa de cabelos louros que um dia crescerá para ser a rainha retratada, nos filmes de Jackson, por Cate Blanchett .

Encarnada por Clark com uma determinação de aço e força de vontade desafiadora que é tão imponente quanto suas habilidades de luta com espada, esta Galadriel é uma jovem resoluta convencida de que, embora o malévolo Morgoth tenha sido derrotado, seus orcs ainda vagam pela terra sob o comando de seu cruel e astuto lacaio, Sauron. Além disso, desde que o cadáver de seu irmão retornou da batalha com o brasão de fogo de Sauron, Galadriel procura o feiticeiro sinistro por um desejo ardente de vingança.

A obstinação de Galadriel faz dela uma lutadora temível. No entanto, após uma batalha com um enorme troll em uma cidadela abandonada e gelada que pode ter sido o lar de orcs, ela descobre que seus compatriotas não estão dispostos a segui-la até os confins da Terra para acabar com Sauron, especialmente porque não há provas de que ele (ou a ameaça apocalíptica que ele representa) existe. Os Anéis do Poder, portanto, colocam Galadriel em desacordo com seu próprio povo élfico, incluindo Elrond (Robert Aramayo), seu amigo diplomata que trabalha em seu nome para poupá-la da ira total do Grande Rei (Benjamin Walker), que força Galadriel a aceitar uma viagem de aposentadoria antecipada pelos portões celestiais que a levam de volta à sua terra natal. É um destino que parece a Galadriel semelhante à morte, e essa atitude imediatamente a coloca em águas (literais) tempestuosas, repletas de um encontro com uma gigantesca serpente marinha.

Galadriel é a alma de Os Anéis de Poder, embora longe de seu único foco. Guiado pela mão hábil do diretor de Jurassic World: Reino Ameaçado, J.A. Bayona (que dirige os dois primeiros episódios), a série também apresenta indivíduos díspares que, com toda a probabilidade, acabarão se cruzando com sua heroína. Nori (Markella Kavenagh) é uma Pé-Peludo, uma raça de hobbits que vivem em segredo entre a natureza e se apegam à sua própria espécie – algo que vai contra a fome de exploração e emoção de Nori. Ela é o outro lado de Frodo e tem a oportunidade de aventura quando uma estrela em chamas dispara pelo céu e, ao cair, e revela-se um misterioso gigante barbudo cujos rugidos geram ciclones.

Simultaneamente, com a campanha de Galadriel, o bonitão arqueiro élfico Arondir (Ismael Cruz Córdova) descobre que seu dever está cumprido, potencialmente encerrando seu relacionamento desaprovado com a curandeira humano Bronwyn (Nazanin Boniadi) – pelo menos, isto é, até que eles tropeçam em uma ameaça crescente correndo sob a vila de Bronwyn que também, talvez, tenha algo a ver com a adaga de Sauron que o filho de Bronwyn, Theo (Tyroe Muhafidin), possui.

Os Anéis do Poder criam esses personagens e reinos – incluindo o reino subterrâneo dos anões, a quem Elrond logo visita – com graça garantida, delineando suas personalidades e dinâmicas de forma limpa e envolvente enquanto se entrega a panoramas majestosos e zooms aéreos através de encostas e cumes de montanhas, e através de passagens úmidas e abismos profundos. Há uma varredura emocionante nos procedimentos, auxiliada por uma paisagem sonora cheia de buzinas e sussurros demoníacos ao vento, e uma partitura de Bear McCreary que cresce empolgante (repletos de alaúdes abundantes). Os Anéis de Poder é majestoso durante momentos de contentamento feliz e presságio ameaçador, e seu diálogo tem uma riqueza floreada.

Como convém a um projeto com tal preço, o trabalho de CGI de Os Anéis do Poder é de alto nível, seja no que diz respeito aos seus enormes ambientes, arquitetura fantasiosa ou criaturas monstruosas, que mesmo quando espiadas na sombra, ostenta um nível de detalhe impressionante. O diretor Bayona está, até certo ponto, fazendo uma “imitação” de Jackson nas duas primeiras parcelas do programa, mas é triunfante, provoca euforia enquanto prepara o palco para um confronto entre as forças da luz e das trevas. Tal conflito não é exatamente novo, dada a campanha de poucos contra muitos de O Senhor dos Anéis contra Sauron, mas ainda assim, a série não ressoa como uma repetição; Payne e McKay habilmente revivem personagens e locais do passado ao mesmo tempo em que giram seu vasto e colorido material em torno de uma heroína carismática, Galadriel, cujo coração vingativo é ao mesmo tempo sua maior força e sua potencial maldição.

Apesar da natureza lotada de seus episódios iniciais, Os Anéis do Poder sugere um mundo mais amplo – de lugares, rostos e tradições fascinantes – na periferia de sua ação. Ao fazê-lo, parece expansivo, ao mesmo tempo em que se fixa na luta pessoal de Galadriel para reconciliar sua lealdade com seu povo élfico e consigo mesma e sua convicção inescapável de que a desgraça está logo acima do horizonte. A conclusão desta lenda (com a derrota de Sauron nas mãos de Frodo e companhia) já foi, é claro, escrita. No entanto, ao contrário de outros prequéis, parece fresco e vivo – e pronto, consequentemente, para ser aquele que governa todos eles.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

 

A Princesa começa do modo clássico, acompanhando um rio clichê ao som de flautas medievais nos arredores de um castelo em CGI. Então começa a ficar assustador quando voamos até uma janela no alto da torre para encontrar A princesa (Joey King) deitada na cama, no estilo da Bela Adormecida. Mas o estratagema acaba rapidamente, e o filme mostra suas verdadeiras cores com uma violência extrema e excitante.

Dois guardas brutais descobrem da maneira mais difícil que esta princesa não está esperando por um príncipe encantado. Uma King diferente entra em ação e mostra habilidades de luta divertidas que são tudo menos ponto final, mas quem se importa? O filme se mostra intenso ganhando sua classificação 16 anos, e a esse propósito, King age de acordo: a princesa pode empunhar uma espada, girar e chutar como um artista marcial, mas ela é pequena e menor que seus inimigos, e assim King enraíza esses momentos em uma realidade consistente.

A princesa foi prometida em casamento ao odioso Lorde Julius (Dominic Cooper) por seu tradicional pai, O rei. Papai a ama, mas precisa casá-la para garantir o futuro do reino. Quando a princesa diz que uma vida planejada de submissão a um marido cruel e indigno é “como algo saído de um conto de fadas”, fica claro que ela não está falando de um final feliz.

O longa é uma ação-aventura descaradamente feminista na qual a personagem central se levanta de sua dormência para acabar com o patriarcado. Não poderia ser mais oportuno, e é um bom momento também.

Quando a princesa rejeita seu pretendente inadequado, ele a captura (daí os dois brutamontes) e invade o castelo de sua família. Uma vez que ela escapa de sua cela, o filme assume a forma do clássico de artes marciais Operação Invasão, com a protagonista tendo que lutar por toda a torre, através de nível após nível de oponentes variados. Ela ganha uma ajuda considerável da amiga e treinadora de combate Linh (Veronica Ngo), levando ao confronto final com Julius e sua cúmplice mais assassina, Moira (Olga Kurylenko).

Então, é uma história medieval de donzela em perigo que se parece menos com Rapunzel e mais com Operação Invasão e John Wick? É dirigido por Le-Van Kiet, um cineasta vietnamita formado na UCLA, cujo filme de artes marciais Fúria Feminina (2019) se tornou o maior bilheteria de seu país. É produzido por Neal Moritz da franquia de Velozes e Furiosos e, Derek Kolstad da franquia John Wick. A Princesa nunca atinge os níveis de Valente ou do absurdo de Velozes e Furiosos, mas desfruta da ação sangrenta e esmagadora que ilumina os fãs de John Wick.

Isso não quer dizer que não seja nada além de zombarias e cortes. As mensagens políticas começam na exposição: O pecado do rei bom aos olhos dos bandidos é sua inclusão. A inclinação pró-imigrante e multiculturalista também serve ao enredo, pois explica as habilidades de artes marciais da princesa.

Como Linh, Ngo impressiona bastante. A veterana atriz e cantora norueguesa-vietnamita estrelou Fúria Feminina e o recorde anterior de bilheteria O Rebelde. Ela apareceu em algumas grandes produções dos Estados Unidos como The Old Guard, Destacamento Blood e Star Wars: Os Últimos Jedi, mas esta provavelmente será a primeira boa olhada da maioria dos espectadores americanos sobre ela e suas consideráveis ??habilidades físicas. Ela projeta força e foco e se move com intenção. Cada golpe tem propósito e poder.

Já o desempenho de King é comprometido e ela ostenta um sotaque inglês finamente detalhado. O filme fecha descaradamente com um cartaz a propósito dos anos 80 que você pode se divertir adivinhando.

A Princesa é um filme de arrasar Girls Kick Ass com mensagens sociais aparentemente sinceras. Elas às vezes são astutas: quando ela é repreendida como uma esquisitice terrível e que contraria a tradição, a princesa (que está indo muito bem sem um homem) diz: “Eu nasci assim”. As mensagens também podem ser contundentes como um porrete, como quando um oponente diz, num duelo á beira da morte: “Eu subestimei você”, e a princesa ensanguentada, mas não derrubada, responde: “Tudo bem. Estou acostumado com isso.”

5 pipocas!

 

 

Disponível na Star+.

O lance:

E se houvesse uma mulher que também fosse um Hulk? E também uma advogada? Sim, Mulher-Hulk: Defensora de Heróis praticamente diz exatamente o que é o show desde o início. Literalmente, na verdade, a mais nova série da Marvel a ser lançada no Disney +, apresenta a recém-criada meta-humana, Jennifer Walters (Tatiana Maslany) falando diretamente ao público sobre como sua vida recentemente foi revirada por uma exposição acidental ao sangue de seu primo Bruce Banner (Mark Ruffalo).

Como Jen e Bruce estão relacionados, Jen é capaz de sobreviver à súbita infusão de partículas gama em seu sistema, e ela também consegue lidar com o fato de ser um Hulk com um cérebro humano funcional de forma relativamente rápida. Mas enquanto ela está aprendendo a controlar sua nova personalidade (com as vantagens e desvantagens que a acompanham), ela também ainda está tentando viver algo próximo de sua vida pré-Hulk – trabalhando como advogada, passando tempo com seus amigos e até namorando. Uma Mulher-Hulk pode ter tudo na cidade grande? Talvez? Assite, cara!

Louvado seja o caso da semana!

Desde o início da era Disney + para o Universo Cinematográfico da Marvel, as séries mais emocionantes não são aquelas descritas com muita facilidade como “um filme de seis horas” (tô falando de você, Falcão e o Soldado Invernal). Em vez disso, são as que usam o formato episódico para contar histórias que não se encaixam no molde convencional de blockbusters, sejam os riffs de comédia em constante mudança de WandaVision ou a anarquia semanal de Loki.

Mulher-Hulk: Defensora de Heróis se alinha muito com seus episódios de meia hora e abordagem de comédia para contar histórias do MCU. Isso lhe dá as vantagens que vêm com episódios independentes – uma capacidade de brincar com formatos e ideias de histórias enquanto traz novos personagens a cada semana. Isso não é Law & Order com super-heróis – em vez disso, está muito mais próximo dos dias de Ally McBeal (essa é uma referência muito datada, mas também é a comédia legal liderada por mulheres mais conhecida feita para a TV desde os anos 80).

A questão é que cada episódio apresenta um novo caso da semana (às vezes mais!), dilemas legais leves e divertidos infundidos com humor.

No geral, há uma energia pateta nesta série que pode não combinar com o gosto de todos, e a coisa de se comprometer tanto com a abordagem cômica do programa é que quando uma piada não funciona, realmente não funciona. Mas há muito mais acertos do que erros, com uma apreciação alegre de referências da cultura pop que fazem sentido dentro da estrutura do MCU.

Além disso, há uma certa discussão sobre a vida sexual de um Vingador ser estragada para você no momento em que você lê esta resenha, mas enquanto a descrição dela pode parecer, entre outras coisas, fan-service crasso, no contexto do episódio (especialmente combinado com a entrega perfeita de Maslany e Ruffalo), é genuinamente um dos momentos mais engraçados de uma propriedade da Marvel Cinematic Universal até hoje.

Quem é essa garota?!

Maslany foi especulada para o papel de Mulher-Hulk pelo que parece anos antes de ser realmente confirmada (depois de muitas negações emitidas por parte de Maslany). Mas há uma razão pela qual o primeiro sussurro de seu envolvimento incendiou a internet: Maslany é uma atriz incrivelmente talentosa que ganhou um maldito Emmy pelo incrível alcance exigido pelo drama de clones da BBC America, Orphan Black. Mas, além de Orphan Black, ela lutou para encontrar papéis que mostrem totalmente suas habilidades, fazendo com que seu papel principal aqui pareça uma revelação pela segunda vez.

Há alguma estranheza nas interações de Jen em CGI com o mundo, mas de fora ou não, Maslany traz mais do que a quantidade necessária de coração e humor para Jen, deixando sua estranheza e raiva feminina inata ajudar a completar o retrato de um novo protagonista totalmente definido. O primeiro episódio em particular coloca uma forte ênfase na ideia de que, como uma mulher adulta vivendo no mundo de hoje, Jen não tem falta de experiência em controlar sua raiva por medo das repercussões – algo que pode parecer óbvio demais para ser mencionado, exceto que é uma ideia que talvez os membros masculinos da platéia não achem óbvia.

E um detalhe legal: o relacionamento de primos não é mais importante da série, mas como alguém com um razoável número de primos, esse crítico ficou satisfeito em ver a conexão entre Bruce e Jen parecer autêntica a esses laços – não tão próximo quanto um irmão, mas mais solto e amigável como resultado disso.

Amigos e Confidentes

Quando se trata do resto do elenco, os destaques do conjunto incluem Benedict Wong mais uma vez roubando cenas como o amado Feiticeiro Supremo – está ficando claro que, em vez de dar a Wong sua própria série de destaque, a Marvel decidiu garantir que Wong esteja em todas as propriedades do MCU daqui para frente, e honestamente? Sem queixas, mantenha esse doce conteúdo de Wong chegando.

Nikki é a melhor amiga de Jennifer e assistente legal na GLK&H. Ramos está sempre disposta a ajudar Walters a superar as suas dificuldades, seja na vida pessoal, ou profissional.

Enquanto isso, Josh Segarra como o colega de trabalho de Jen, Augustus “Pug” Pugliese, não tem muita chance de se destacar nos primeiros quatro episódios, mas dada a natureza deliciosa de suas leituras de linha no criminalmente sub-assistido The Other Two (stream em HBO Max!), há motivos para ficar empolgado por ele ter uma plataforma maior aqui.

Também emocionante de ver é Jameela Jamil (The Good Place) como Titania, embora suas aparições nos quatro primeiros episódios sejam limitadas – sua personagem parece pronta para assumir um papel maior na segunda metade da temporada.

O veredicto

Embora oficialmente uma comédia, cada episódio até agora apresenta alguma ação superpoderosa significativa, o que não é necessariamente a especialidade do diretor piloto Kat Coiro (e há uma edição bastante estranha como resultado, especialmente no primeiro episódio). Mas, embora definitivamente haja dores crescentes nessa frente, She-Hulk é a primeira série do MCU que parece que realmente poderia prosperar sem suas conexões com o MCU em geral, em grande parte por causa de seu tom fresco e engraçado.

Onde o verdadeiro potencial de She-Hulk emerge está na oportunidade de explorar o que significa viver em um mundo onde os super-heróis são apenas uma parte normal da vida cotidiana, do ponto de vista de alguém que pertence a ambos os mundos. Jen não é tanto uma super-heroína relutante, mas uma advogada muito dedicada, e a justaposição é uma premissa suficiente para tornar esse programa envolvente, não importa as estrelas convidadas do MCU (nenhum sinal de Charlie Cox como Demolidor ainda, mas isso é apenas algo para se esperar).

As coisas no MCU podem ser terrivelmente sérias, na maioria das vezes. Se o resto da temporada seguir a promessa dos quatro primeiros episódios, com a força de sua voz clara e única brilhando, She-Hulk pode provar ser exatamente o tipo de divergência de luz que essa franquia precisa. Dito de outra forma: Ally McBeal chegou a 112 episódios, e esse show não teve nenhum Hulk. Talvez She-Hulk, com seus múltiplos Hulks, possa pelo menos fazer algumas temporadas,

 

5 pipocas!

 

 

Disponível na Disney+.

 

 

Game of Thrones, da HBO, foi um fenômeno vencedor do Emmy, sério e muito intenso em suas temporadas finais, além de ter milhares dde fãs hardcore. Portanto, a perspectiva de retornar a este universo de fantasia pouco mais de três anos após sua partida vem com bastante expectativa inerente. Isso é apenas uma moda? Uma maneira de a HBO lucrar com a ainda gigantesca base de fãs do mundo de Westeros? Ou é um dos legados artísticos mais valliosos da história baseado nos amados romances de George R.R. Martin? A resposta um tanto óbvia é o quanto ela tem sucesso, usando seu enorme orçamento para apresentar aos espectadores uma das séries de fantasia mais notavelmente bem produzidas, e até mesmo dando a eles novos personagens que um dia podem rivalizar com a popularidade de Tyrion Lannister, Jon Snow e Daenerys Targaryen. O relâmpago deve cair duas vezes, e por isso é fácil imaginar House of the Dragon tomando o mundo da TV tanto quanto Game of Thrones já fez. Este é um drama surpreendentemente divertido, criado por pessoas que claramente saber jogar com os pontos fortes do show original, ao mesmo tempo em que esculpe sua própria identidade. Às vezes, pode parecer até mais ambicioso do que as primeiras temporadas de ‘GOT’, pois esta é uma narrativa de fantasia robusta de um pedigree que não vimos desde então,

House of the Dragon acontece 172 anos antes do nascimento de Daenerys Targaryen, detalhando a batalha interna pelo Trono de Ferro que acabaria por impactar parte da ação da série original (e extrai algum material da prequela de Martin de 2018 Fogo & Sangue). O Eddard Stark desta era é o rei Viserys Targaryen (Paddy Considine), cujo legado foi manchado por sua incapacidade de produzir um herdeiro masculino. O fato de sua filha Rhaenyra (Milly Alcock) carregar o cromossomo errado não a tornou menos teimosa, mas Westeros não está pronta para uma líder feminina. O irmão de Viserys, Daemon (Matt Smith), afirma que ele deveria ser o herdeiro do trono caso algo aconteça com seu irmão mais velho, mas muito de House of the Dragon é sobre as facções em guerra tentando apelar ao rei para tomar seu lugar — é muito mais uma versão fantasiosa de “Succession” se você pensar sobre isso.

Por exemplo, Lord Corlys Velaryon (Steve Toussaint) tem um plano para casar sua filha com o Rei em um ponto, mas é principalmente uma jogada política para casar suas duas casas. Otto Hightower (Rhys Ifans), a Mão do Rei, prega lealdade ao seu mestre, mas até seus motivos começam a se tornar questionáveis, especialmente quando se trata de sua filha Alicent (Emily Carey). Assim como em Game of Thrones, o conjunto se espalha a partir daqui para incluir outros moradores de Westeros presos nessa luta política, embora House of the Dragon seja mais focado em sua narrativa pelo menos no início, conteúdo para realmente centralizar a batalha de vontades entre Viserys/Daemon/Rhaenyra na primeira metade da temporada antes de dar um salto grande o suficiente no tempo que exige reformulação de alguns personagens principais e a segunda metade da temporada parece ter uma energia diferente e mais sombria.

Com o foco mais rígido em mente, os produtores devem ter considerado cuidadosamente quem escalar para esses papéis-chave, e as decisões tomadas acabam sendo alguns dos maiores ativos do programa. Matt Smith ronda os elaborados cenários de Castle Targaryen com uma energia animalesca, cortando o tipo de presença cativante que provavelmente fará dele o favorito dos fãs deste show, mas a verdadeira descoberta é Milly Alcock, que nunca exagera nos clichês em potencial de seu personagem e encontra algo relacionável em vez disso sem ir muito longe na modernidade. Foi amplamente divulgado e, portanto, não é spoiler revelar que o programa avança vários anos após a conclusão de sua primeira meia temporada, substituindo Milly Alcock e Emily Carey por Emma D’Arcy e Olivia Cooke, respectivamente. Mas o impacto que Alcock causa nesses primeiros cinco episódios parece essencial para o sucesso a longo prazo deste programa.

Quanto a Paddy Considine, ele entende que seu papel não é tão chamativo quanto alguns dos outros membros do elenco, e por isso é sutil e subestimado na maioria das vezes, assim como o Rhys Ifans, que poderia ter jogado Otto com um rosnado, mas sabe que uma cadência calma, mas forte, é mais apropriada. Há tantos momentos nessas performances que se pode imaginar os erros que atores menores teriam cometido – e que foram vistos em tantos programas de fantasia menores – mas realmente não há um elo fraco neste elenco, algo que ajudou a tornar Game of Thrones um sucesso também. Eles tomam todas as decisões certas, que não podem ser subestimadas aqui.

Claro, outra razão pela qual o ‘GOT’ se tornou um gigante da indústria foi seu valor de produção. Desde o início, parecia um filme de sucesso de Hollywood na TV toda semana. Embora House of the Dragon tenha um escopo mais limitado para começar, os aspectos técnicos do programa ainda podem ser de tirar o fôlego. Não são apenas os cuspidores de fogo CGI que são mais prevalentes, mas a maneira como essa equipe equilibra o escopo das cenas de batalha épicas com o enquadramento rígido dos debates do conselho. Mais uma vez, a trilha de Ramin Djawadi, que ecoa muito propositalmente o original em momentos-chave, é uma beleza, junto com o design de produção e a cinematografia. Com tanta série moderna parecendo que veio de uma fábrica de conteúdo – especialmente alguns programas recentes que provavelmente não existem sem Game of Thrones – é revigorante ver um programa com criadores que claramente consideraram coisas como enquadramento, ritmo e detalhes.

House of the Dragon pode ficar mais do que um pouco falado, especialmente para as pessoas que preferiram as temporadas finais mais cheias de ação de seu antecessor. Na verdade, assim como os debates sobre a linhagem da coroa estão chegando ao auge, os escritores realmente deixariam Vays falar pelos espectadores dizendo que ele está “sufocado por toda essa porra de politicagem” E, no entanto, é realmente essa escolha de não voltar à dinâmica política que ajuda House of the Dragon a escapar da sombra do final de Game of Thrones. É um mundo em que motivos conflitantes não têm tanto poder quanto uma espada. A menos, é claro, que você tenha um dragão.

5 pipocas!

 

 

Disponível na HBO todo domingo e HBO Max.