Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

Há poucas apostas mais seguras do que ser fã de Guillermo del Toro. Seja dando vida a um boneco de madeira, fazendo Sally Hawkins se apaixonar por um peixe ou defendendo Martin Scorsese online, ele é uma fonte aparentemente infinita de prazer. No período que antecede o Halloween, ele continua a dar frutos com seu O Gabinete de Curiosidades, uma série de oito partes que é tão elegante quanto grotesca. Embora se suponha que em qualquer série de antologia haverá acertos e erros, nada neste gabinete vale a pena descartar.

Del Toro escreveu dois dos episódios, mas “cuidou” de todos eles e reuniu oito diretores para criar pesadelos independentes. Ele aparece no início de cada um, não muito diferente de Rod Serling em Além da Imaginação. Mas Del Toro aparece como uma figura mais sinistra, com uma expressão firme e séria, enquanto ele apresenta cada episódio como se fosse um objeto amaldiçoado. Um armário aparece ao lado dele, uma estrutura de madeira ornamentada que lembra uma mansão de muitos níveis; seu conteúdo, nos mostra, varia entre chaves, ossos e chifres de unicórnio. Enquanto isso, o gabinete de Del Toro também está repleto de alguns dos nomes mais marcantes do terror, incluindo Jennifer Kent de O Babadook, Ana Lily Amirpour de Garota Sombria Caminha pela Noite e David Prior de O Mensageiro do Último Dia. Mas cada um mantém sua oferta enraizada no estilo de conto de fadas retorcido de Guillermo, repleto de efeitos de revirar o estômago e moralidade mórbida. Este é um gabinete em que a arrogância leva você ao inferno e a crueldade.

A série começa com o Lote 36, dirigido pelo colaborador de longa data de Del Toro, Guillermo Navarro – que ganhou um Oscar como diretor de fotografia do melhor filme do diretor, O Labirinto do Fauno. Existem tópicos semelhantes de fascismo e fantasia no Lote 36, no qual Tim Blake Nelson interpreta um veterano militar lentamente sendo engolido por pontos de discussão da questão racial. Ele passa seus dias sendo perseguido por cobradores de dívidas e comprando o conteúdo de unidades de armazenamento abandonadas. Blake Nelson é fenomenal, interpretando toda a amargura e egoísmo de sua lavagem cerebral fascista, mas mantendo pequenas rachaduras de humanidade suficientes para permanecer atraente, mesmo quando ele inevitavelmente se depara com uma unidade de armazenamento com conteúdos verdadeiramente horríveis.

A série então mergulha em seu conto mais tenso, Ratos de Cemitério, de Vincenzo Natali. Adaptado de um conto de Henry Kuttner, a premissa é simples: um ladrão de túmulos desenterra um cadáver de rico, apenas para vê-lo arrastado por um bando de ratos. Implacável, ele persegue os vermes através de túneis escuros e retorcidos e descobre algo muito pior lá embaixo. A jornada pelos túneis é totalmente suja e estressante de parar o coração.

Momentos igualmente horríveis e de horror corporal macabro povoam o conto sombrio de A Autópsia, onde David Prior, acompanha um médico legista que encontra um cadáver que precisa de mais do que uma “causa da morte”.

Enquanto isso, Modelo de Pickman, de HP Lovecraft, está nas mãos do diretor de O Despertar do Mal, Keith Thomas, que abraça o potencial fantástico de Del Toro e o pavor cósmico de Lovecraft com um elenco liderado pelo sempre intrigante Crispin Glover.

Mas o mais fantástico de tudo é A Inspeção de Panos Cosmatos, diretor do filme de vingança de Nicolas Cage, Mandy – Sede de Vingança. A fábula dessa viagem de drogas que deu errado constrói uma figura demoníaca que parece arrancada do círculo de Del Toro.

Ao longo da série o tom muda, mas sempre mantém um pé na filmografia de Del Toro; o humor negro dos filmes de Hellboy está presente no pesadelo de transformação Por Fora, onde Stacey (Kate Micucci) interpreta uma taxidermista amadora que deseja se encaixar com suas colegas glamourosas do banco. Apesar dos protestos de seu marido (Martin Starr), ela não consegue resistir à tentação de Alo Glo, vendido em comerciais de televisão por um delicioso Dan Stevens. É um conto clássico de “cuidado com o que você deseja” feito com todo o brio que você esperaria de Del Toro e do diretor Amirpour.

O Murmúrio vê Jennifer Kent se reunir com sua estrela Essie Davis para um conto triste de um par de ornitólogos se retirando para uma casa isolada para pesquisar migrações de pássaros e se recuperar de uma perda terrível. A peça tem toda a tristeza gentil do trabalho de Kent e a tragédia do horror do orfanato de Del Toro, A Espinha do Diabo.

Tudo isso encapsula perfeitamente o que faz do Gabinete de Curiosidades um triunfo absoluto. Ele permite que os cineastas se inspirem no mestre sem esmagar seu próprio espírito, dando a Del Toro muitos contos deliciosamente desagradáveis ​​para apresentar ao espectador. Parece não haver melhor maneira de passar um Halloween do que essa garantia de que o estado de horror está em mãos seguras, embora sinistras.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Temos uma edição especial essa semana: é o Nos Fones de Ouvido do Pedroka – já que o assunto mais falando na Música essa semana é, o mais novo, e décimo álbum de estúdio da cantora pop Taylor Swift, Midnights. No último dia 21 de Outubro de 2022 o lançamento até tirou o Spotify do ar por alguns minutos, de tanto acesso.

Midnights é, como Taylor Swift explicou em um comunicado quando o álbum foi revelado, “as histórias de 13 noites sem dormir espalhadas pela minha vida”; uma coletânea de músicas “escritas no meio da noite”. O anúncio deste foi uma surpresa. Atualmente no meio da regravação de seus seis primeiros álbuns para retomar a propriedade de seus projetos anteriores – já tendo disponibilizado ‘Taylor Version’ de Fearless e Red – outro álbum original parecia distante, particularmente após o lançamento dos “irmãos” Folclore e Evermore em meio à pandemia.

Desde seu anúncio para este disco em agosto, os detalhes foram cuidadosamente guardados e alimentados por gotejamento. A série Midnights Mayhem with Me no TikTok, uma série de clipes curtos onde Swift revelou a lista de faixas do álbum música por música, também a viu divulgar que Lana Del Rey estaria aparecendo no álbum. As letras escolhidas foram compartilhadas em um outdoor de Nova York, enquanto Jack Antonoff e Zoë Kravitz foram anunciados como colaboradores do projeto; até mesmo uma tão esperada turnê pelo Reino Unido parece estar confirmada, a primeira desde 2018.

As raízes country que ela revisitou em seus álbuns regravados não estão em lugar algum aqui, e as influências folclóricas de seus projetos de bloqueio estão em grande parte ausentes. Em vez disso, ela gira essas novas histórias através do elegante synth-pop, em comum com 1989 ou Lover, mas a produção afiada desses álbuns é mais sutil desta vez. Se o mencionado acima é o álbum preso para pré-bebidas antes de sair, Midnights é o que toca no carro do carona, com as luzes da cidade passando quando a noite está acabando, e com você está em busca do depois.

Lavender Haze evoca o álbum de 2016 de The Weeknd, Starboy; batidas embaralhadas e vocais abafados apoiam as letras de Swift que criticam questionamentos intrusivos: “É uma noite ou uma esposa”. Anti-Hero, com seu refrão ofegante (Sou eu/Oi!/Eu sou o problema, sou eu) que retrata o tipo de reflexão noturna de que todos fomos vítimas, é tipicamente bem-humorada, e está sentada ao lado de Blank Space: “Tenho uma longa lista de ex-amantes/Eles vão te dizer que sou louca” que tem uma das frases mais afiadas e espirituosas de Swift.

A colaboração de Lana Del Rey em Snow On The Beach é o mais próximo que o álbum chega ao exuberante indie-folk de Folklore e Evermore, entrelaçando os vocais distintos de Del Rey com os de Swift. Outras eras também são referenciadas sonoramente. Vigilante Shit abraça os sons industriais de Reputation, com as batidas saltitantes evocando similarmente a estreia revolucionária de Billie Eilish, When We All Fall Asleep, Where Do We Go?.

E enquanto ela é conhecida por composições baseadas em narrativas, ‘Midnights’ poderia ver Swift em sua forma mais sincera, levando-nos através dos tipos de revelações que só vêm à luz – ou podem ser vocalizadas – nas primeiras horas da madrugada. No encerramento do álbum ‘Mastermind’s bridge, Swift se desnuda: “Ninguém queria brincar comigo quando criança/Então eu venho tramando como um criminoso desde então”, ela suspira sobre as cordas cinematográficas. Ela acrescenta: “Para fazê-los me amar e fazer parecer sem esforço / Esta é a primeira vez que sinto a necessidade de confessar”.

Anti-Hero é igualmente aberta: “Eu tenho essa coisa de ficar mais velha, mas nunca mais sábia”, acrescentando mais tarde: “Quando minha depressão funciona no turno da noite / Todas as pessoas que eu fiz fantasma ficam lá na sala”. Há uma nova confiança nas palavras, e Swift não tem vergonha de compartilhar todos os lados de si mesma.

A confiança também demonstra um nível alto de autoconfiança: “Acredito que ainda estou enfeitada/Quando entro na sala, ainda posso fazer todo o lugar brilhar”, ela afirma em Bejeweled.

Esse novo álbum é um momento de reconhecimento, talvez, ao lugar que Taylor Swift ocupa agora na história da música, mas também uma afirmação que pode se aplicar a esse Midnights. Depois de uma incursão em um mundo sonoro diferente, no retorno da cantora ao pop puro, ela ainda brilha.

5 microfoninhos!

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Disponível no Spotify e Deezer.

Mike Flanagan provou que é um mestre em horror que é mais do que apenas sustos com suas séries A Maldição da Residência Hill, A Maldição da Mansão Bly, ​​Missa da Meia-Noite e agora O Clube da Meia-Noite.

Baseado nos romances do autor de terror Christopher Pike (também produtor executivo), O Clube da Meia-Noite se passa na Califórnia dos anos 90 e segue estudantes universitários.

Ilonka (Iman Benson) é uma estudante que recebe um diagnóstico de câncer terminal quando parece que toda a sua vida está à sua frente. Depois de encontrar o Asilo Brightcliffe on-line, ela faz com que seu pai adotivo concorde em levá-la ao misterioso antigo hospício para um “teste” no “acampamento de câncer”. ” ela diz.

É dirigido por Mark (Zach Gilford) e Dr. Stanton (Heather Langekamp, ​​A Hora do Pesadelo) e está cheio de outros pacientes jovens doentes que se reúnem em volta da lareira tarde da noite para compartilhar vinho e trocar histórias assustadoras – enquanto ponderam sua própria proximidade assustadora do ceifador.

O hospício é, naturalmente, uma antiga mansão vitoriana desconexa.

Ilonka é cercada por personagens coloridos, mas nenhum deles é definido por suas doenças. Por exemplo, há Kevin (Igby Rigney), que conta uma história sobre um serial killer; Anya (Ruth Codd), colega de quarto espinhosa de Ilonka; e Amesh (Sauriyan Sapkota), que deseja que o hospício tenha “trote” como uma fraternidade universitária.

Brightcliffe tem um passado sórdido e está cheio de seus próprios acontecimentos enigmáticos: não é incomum que figuras fantasmagóricas sejam vislumbradas nos corredores, e há um culto que acredita que reside em um antigo local de cura.

A série de 10 episódios alterna entre Ilonka explorando esses mistérios e fazendo descobertas sobre o hospício, e os contos de seus amigos se desenrolando na tela como histórias dentro da história maior. Isso permite ao Clube da Meia-Noite algumas oportunidades divertidas de se relacionar – com atores desempenhando vários papéis como personagens nessas histórias assustadoras que eles contam – e fazer desvios estilísticos, como uma sequência em preto e branco.

Os outros shows de Flanagan têm um foco pesado nas emoções e traumas dos personagens, bem como um senso específico de lugar (geralmente em um local remoto insular), e O Clube da Meia-Noite não é diferente. O que o distingue, no entanto, é seu foco descarado em adolescentes, ao contrário de suas outras séries centradas principalmente em adultos ou famílias.

Alguns espectadores podem recusar isso, já que há apenas alguns adultos no programa, mas novos fãs mais jovens podem achar que esta série tem um apelo cruzado com Stranger Things.

Mas O Clube da Meia-Noite não é apenas a incursão de Flanagan no subgênero “adolescente terminal” (tornado popular por obras sentimentais como A Culpa é Das Estrelas”). É mais sombrio e estranho, com muito mais material para mastigar do que simplesmente dizer ao público: Isso não é triste?

Ilonka se recusa a aceitar seu destino; ela está realmente em Brightcliffe em busca de uma cura milagrosa que ela tem motivos para acreditar que pode residir dentro de suas paredes (já que ela tropeçou em um artigo sobre uma antiga residente fazendo uma recuperação milagrosa). Escusado será dizer que esta busca a leva por um caminho sinuoso.

O Clube da Meia-Noite, para aqueles que procuram horror com o coração e uma temporada de Halloween com mais em mente do que só sangue e sangue, vale a pena assistir.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Com o passar do tempo, o acordo de Ryan Murphy com a Netflix revelou quantos tópicos o fascinam – e quão rigidamente fixos no passado são suas maneiras de abordá-los.

Ele conseguiu ir além das franquias que começou no FX? Considere, por exemplo, seu recente sucesso Dahmer: Um Canibal Americano, o excesso de pontuação no título parece sugerir um desejo sublimado de chamá-lo do que é; outra parcela da vida real é “American Crime Story”. Já releitura dourada da vida de “Halston” foca na cultura de celebridade, com os adversários, talvez, sendo o designer e seu próprio ego. E agora, com sua nova série Bem-Vindos à Vizinhança, Murphy fez engenharia reversa de uma American Horror Story, pegando uma história verdadeira e encontrando dentro, ou além de suas nuances, alguns melodramas do game Murder House.

Adaptado da história de 2018 da revista New York de Reeves Wiedeman, Bem-Vindos à Vizinhança conta a história de Dean e Nora Brannock (Bobby Cannavale e Naomi Watts) e seus dois filhos, Ellie (Isabel Gravitt) e Carter (Luke David Blumm), cuja compra altamente equivocada de uma casa dos sonhos em uma aldeia de Nova Jersey é rapidamente complicada pela presença ambiente do mal.

Os vizinhos Pearl e Jasper (Mia Farrow e Terry Kinney), Mitch e Mo (Richard Kind e Margo Martindale) têm uma antipatia instantânea pelos Brannocks, tornando cada um deles suspeitos iniciais como o escritor de estranhas cartas envenenadas de um tal “Observador” sem nome, tentando para assustar a família a se mudar.

Como escrito por Wiedeman, a história é um pesadelo otimizado para a nova era; a família da vida real em seu centro (os Broadduses, em vez dos Brannocks) vivem em um purgatório de suspeitas, incapazes de confiar nas intenções de vizinhos que parecem benignos ou peculiares. Aqui, as pessoas que os Brannocks encontram muitas vezes se abrem a partir de uma posição de hostilidade extrema, eliminando muito da visão da história da revista sobre as maneiras pelas quais a raiva suburbana se disfarça de polidez.

À maneira típica de Murphy, há reviravoltas na trama – mortes e revivals, com o espectro do sobrenatural parecendo aumentar e diminuir. Depois de um tempo, a sensação de que tudo é possível passa a significar que nada nos surpreende. A grandeza do método Murphy colide com os elementos verdadeiramente interessantes da história do Watcher. A saber: o casal em seu centro, como está escrito, é um tanto vaidoso e descuidado em sua busca por um lar fora de seu alcance. Sua recusa em deixar uma casa assombrada por fantasmas ou pela maldade humana é colorida pelo fato de que mal podem se dar ao luxo de ficar lá, sem ter prejuízos.

O elenco se sai bem. Naomi Watts já foi convidada a fazer trabalho interessantes no gênero como em O Chamado e Violência Gratuita, mas é forte aqui também, embora subscrita (a tensão conjugal que ela sente é mais gestual do que o mostrado). Cannavale, quando a crescente mania de seu personagem sobre o que sua família está enfrentando ganha espaço para respirar, é excelente. Jennifer Coolidge, como Karen, a corretora de imóveis que vendeu sua casa aos Brannocks, e Noma Dumezweni, como Theodora, uma detetive que os ajuda, destacam-se como as pessoas que a família conhece que têm verdadeira riqueza e dimensão. Eventualmente, a maioria dos outros personagens do programa parecem tão planos e bidimensionais quanto o quadro no qual Dean acompanha sua investigação.

Bem-Vindos à Vizinhança demonstra que o trauma e a luxação que Dean, Nora, Ellie e Carter sentem, é quase difícil saber como lidar.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Como Millennium – Os Homens Que Não Amavam as Mulheres de Stieg Larsson, Garota Exemplar de Gillian Flynn e A Garota no Trem de Paula Hawkins, Uma Garota de Muita Sorte de Jessica Knoll é um thriller psicológico intitulado carinhosamente como “Girl” que se tornou um pop; uma sensação cultural e estava destinado à adaptação – no caso deste último, um filme da Netflix com Knoll escrevendo o roteiro, Mike Barker dirigindo e Mila Kunis entregando uma das performances mais impactantes de sua bela carreira cinematográfica.

Este é um esforço difícil e às vezes sombrio e complicado de assistir, com várias cenas brutalmente intensas que retratam estupro e violência armada (se esse tipo de material atinge você de uma forma que deixa um impacto duradouro, este não é o filme para você). Uma Garota de Muita Sorte se passa em 2015 (o ano em que o romance foi publicado), e a primeira vez que vemos Ani de Kunis, ela está comprando talheres de luxo em Manhattan com seu noivo Luke (Finn Wittrock) – e quando o vendedor condescendente pede à “pequena” Ani para segurar um par de facas em suas mãos para sentir o peso, ela olha para baixo e vê as facas cobertas de sangue, e Luke no chão.

Ani é atormentada por esses tipos de ilusões instantâneas e flashbacks, mesmo quando o mundo exterior pensa nela como a garota mais sortuda do mundo, com seu próximo casamento com o belo, rico e charmoso Luke, a perspectiva de um novo show dos sonhos como escritora do New York Times Magazine – e o fato de Ani ter sobrevivido a um tiroteio em massa em uma escola particular de elite em 1999.

Apesar de claramente ainda lidar com PTSD, Ani quer deixar o passado para trás. Mas isso é impossível de fazer, com seu colega de classe, o sobrevivente de tiroteio paralisado Dean Barton (Alex Barone), tornando-se um autor best-seller e figura política amplamente admirada que dedicou sua vida a fazer campanha por leis mais rígidas sobre armas. Dean afirmou que Ani era cúmplice dos atiradores (ela era amiga deles), e agora um documentarista está perseguindo Ani para que ela possa contar seu lado da história. Como aprendemos nas sequências de flashback com Chiara Aurelia como Ani adolescente, há mais na dinâmica entre Dean e Ani, que se depara com ignorar o passado e seguir em frente (o que seu noivo quer que ela faça) ou esclarecer as coisas, mesmo que isso possa resultar em danos emocionais colaterais em vários níveis.

Kunis é magnífica como Ani, que é inteligente e engraçada e nervosa e tão fortemente ferida e atormentada que tememos por seu futuro. O elenco de apoio, incluindo Jennifer Beals como editora de Ani, Scoot McNairy como uma figura do passado de Ani e Connie Britton como a mãe dominadora de Ani, é excelente. Enquanto o material às vezes se aproxima da exploração, a escrita de Knoll e a performance de Kunis garantem que este seja, em última análise, um conto de sobrevivência e perseverança – de uma vítima que se recusa a deixar que esse rótulo a defina.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Quando li alguns trechos de O Coração das Trevas, escrito por Joseph Conrad, envolvida na jornada de Marlow e do infame Sr. Kurtz. Apesar dos atos depravados de Kurtz, Marlow ainda o admirava por seu carisma e ambição, e sua capacidade de grandeza, que se tornou seu legado em vez da escuridão que o dominava. Conrad usa Kurtz como meio de mostrar como nem todo progresso é bom, que o que percebemos como evolução pode levar à loucura e ao horror.

Craig (Jaeden Martell) conhece Harrigan (Donald Sutherland) pela primeira vez quando ele é contratado para ir até sua casa para ler livros para ele três vezes por semana. O Sr. Harrigan apresenta Craig a muitos clássicos literários – um deles sendo Coração das Trevas – e suas sessões em conjunto envolvem conversas de acompanhamento sobre os temas e ideias desses livros.

Tendo perdido sua mãe ainda jovem, Craig começa a ansiar por essas sessões com o Sr. Harrigan, mesmo que ele receba apenas 5 dólares por hora. Essas cenas entre Martell e Sutherland são fascinantes para assistir. Eles fazem um ótimo trabalho ao aprofundar o relacionamento entre Craig e o Sr. Harrigan, e é fácil entender a admiração de Craig pelo homem, apesar dos horrores que ele cometeu ao acumular sua imensa fortuna.

Quando Craig começa o ensino médio, os celulares são a grande novidade – isso foi no início dos anos 2000 – onde ter um celular estava associado a status e popularidade. Quando o pai de Craig lhe dá um iPhone, e Craig tropeça em uma cortesia inesperada do Sr. Harrigan, ele decide comprar um para o homem agradecê-lo por tudo o que fez ao longo dos anos.

A tecnologia está inegavelmente ligada ao progresso. A criação da internet e de dispositivos que nos permitem acessar informações na ponta dos dedos deveria ser uma benção, mas como o tempo nos mostrou, também gerou uma quantidade razoável de horror. O aumento das notícias falsas, o uso das mídias sociais para espalhar ódio e ridicularizar os outros, o aumento da falta de privacidade à medida que os dispositivos que usamos se tornam um meio de espiar mais longe em nossas vidas. É uma realidade que o Sr. Harrigan prevê no momento em que Craig compra um celular para ele, mas ele ainda é incapaz de resistir ao seu crescente apego ao telefone, mexendo nele sempre que pode.

Este é o nosso destino moderno, conhecer os efeitos prejudiciais da tecnologia com a qual nos cercamos, mas incapazes de nos impedir de ficarmos presos a esses dispositivos, mesmo quando conhecemos melhor. A incapacidade de Craig de exercer autocontrole, mesmo sabendo das consequências do que está desencadeando, é a mesma escuridão que existe em cada coração humano.

O filme de John Lee Hancock explica o horror de nossa dependência da tecnologia de maneiras sutis, como o relacionamento de Craig com sua paixão da escola, Regina (Thalia Torio), que se desenrola inteiramente por meio de textos. Eles nunca falam um com o outro e optam por enviar mensagens de texto mesmo quando estão a um braço de distância. O relacionamento parece vazio, especialmente quando contrastado com as ricas conversas que Craig compartilhou com o Sr. Harrigan. Estamos esquecendo como nos comunicar e nos conectar verdadeiramente com as pessoas ao nosso redor.

O lançamento de O Telefone do Sr. Harrigan parece oportuno, especialmente porque nossa dependência da tecnologia cresceu exponencialmente desde a pandemia. Alguns espectadores podem se sentir desapontados, pois os elementos de terror não são explícitos e não há nada particularmente chocante. Você não vai desmaiar depois de assistir o filme, mas sentirá uma sensação de pavor invadir seu coração, enquanto você se senta e assiste as notificações aparecerem em seu telefone, sabendo que não tem o poder de resistir.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Quando Abracadabra foi lançado no verão de 1993, o filme de Halloween para toda a família desembarcou com um baque. Inexplicavelmente lançado em julho, e não no outono, o filme recebeu críticas mistas dos críticos e foi um fracasso de bilheteria. Nos anos seguintes, no entanto, Abracadabra encontrou uma base de fãs surpreendentemente grande graças às transmissões anuais de TV e, mais recentemente, um lugar no Disney +. Hoje, é um eterno favorito para os amantes do Halloween. Apesar dessa construção lenta, é surpreendente que tenha levado quase três décadas para que o filme, sobre três bruxas ressuscitadas buscando as almas das crianças, tenha uma sequência.

Esse momento, antecipado por tantos fãs, chegou na forma de Abracadabra 2, uma sequência solidamente divertida que entende seu público. Situado em 2022, a continuação não apenas salta por várias décadas, mas também se reimagina de uma maneira mais contemporânea, diversificando seu elenco e adotando a tecnologia. O filme, dirigido por Anne Fletcher e escrito por Jen D’Angelo, apresenta a Salem moderna, onde as adolescentes Becca (Whitney Peak), Izzy (Belissa Escobedo) e Cassie (Lilia Buckingham) realizam uma cerimônia anual de amizade na noite de Halloween. Este ano, porém, Cassie está fora do grupo graças ao seu namorado popular – que as amigas ODEIAM. Já Becca e Izzy estão armadas com uma vela potente dada por Gilbert (Sam Richardson), dono da Old Salem Magic Shoppe, que já foi o lar das misteriosas Irmãs Sanderson.

Claro, os fãs estarão imediatamente familiarizados com as irmãs, que estão de volta com cabelo e maquiagem idênticos 29 anos depois: Bette Midler como Winnie, Kathy Najimy como Mary e Sarah Jessica Parker como Sarah.

O trio, que vemos em um flashback divertido quando crianças no início do filme, é acidentalmente ressuscitado – novamente – por Becca e Izzy e sai em busca das almas das crianças para manter sua juventude. Eles também estão em busca do prefeito de Salem, interpretado por Tony Hale. Como é um filme infantil, as apostas são razoavelmente baixas e o perigo nunca é muito perigoso. Fletcher e D’Angelo prestam homenagem ao original trazendo de volta Billy Butcherson (Doug Jones), um zumbi que ajuda a deter as bruxas.

Como o primeiro filme, Abracadabra 2 é exagerado, cheio de energia e nunca se leva muito a sério. Em uma das melhores cenas, as Irmãs Sanderson se deparam com um concurso de fantasias onde todos os participantes se vestem como elas – incluindo um grupo de drag queens. Há um entendimento claro de todos os envolvidos de que isso deve ser leve e divertido. Ninguém abraça essa diretriz mais do que Midler, Najimy e Parker, que encarnam corajosamente os papéis mesmo quando as coisas ficam ridículas. Os novos membros do elenco também gostam do passeio, especialmente Richardson, que está imensamente entusiasmado, e Hannah Waddingham, que interpreta uma bruxa da Salem antiga. Embora o enredo seja básico, refazendo elementos do original, como muitas sequências fazem, ele funciona.

Os fãs de longa data de Abracadabra terão muitas expectativas para uma sequência, a maioria das quais provavelmente será atendida aqui. Os efeitos especiais são melhores, obviamente, mas a vibe permanece. Abracadabra 2 inegavelmente o levará ao espírito do Dia das Bruxas.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.

 

Um dos reis do drama criminal da televisão assumiu uma verdadeira história de terror americana com Dahmer – Um Canibal Americano. Criada por Ryan Murphy e Ian Brennan, esta minissérie de 10 episódios da Netflix tenta recontar os assassinatos de Jeffrey Dahmer do ponto de vista das vítimas.

A história

Glenda Cleveland (Niecy Nash) tenta assistir ao noticiário em seu apartamento, mas sua rotina noturna é interrompida por um zumbido metálico. Em vez de parecer confusa ou frustrada com o barulho, ela parece com medo. É um sinal sinistro do que está por vir.

Em 1991, um homem negro chamado Tracy Edwards correu seminu na rua e acenou para os policiais, alegando que alguém havia tentado matá-lo. Esse homem era Jeffrey Dahmer. Um ano depois, Dahmer foi condenado por vários assassinatos e recebeu 15 sentenças de prisão perpétua no estado de Wisconsin, bem como uma sentença de prisão perpétua em Ohio. Ele foi responsável por 17 assassinatos no total, alguns deles menores de idade e quase todos homens de cor.

Essa é a história arrepiante que está no centro de Dahmer – Um Canibal Americano. Mas em vez de nos dar outra recriação sangrenta de um notório serial killer, o monstro de Ryan Murphy e Ian Brennan está muito mais preocupado com as muitas vítimas de Dahmer. Esse foco é evidente desde o primeiro episódio.

Dahmer abre na noite da prisão de Jeffrey Dahmer (Evan Peters). No entanto, não é o rosto de Jeff que vemos primeiro, mas o de Glenda , sua vizinha. Ela o pega no corredor para reclamar dos cheiros fortes vindos do apartamento dele. Ele a desvia, explicando o fedor com desculpas de costeletas de porco ruins e peixe morto, antes de ir a um clube gay local. É aí que ele conhece Tracy Edwards (Shaun J. Brown), um homem que ele pretende fazer como sua última vítima.

Para a primeira metade do episódio, parece que tudo está pronto para seguir o caminho perturbador de Jeff. Ele repetidamente ameaça Tracy com uma faca, força-o a coisas traumáticas. Mas desta vez, tudo muda pra Dahmer. A série começa com o evento que acabaria com o reinado de terror de Dahmer.

Por causa de seu material de origem, qualquer pessoa que goste de dramas criminais achará esta série atraente. Mas do ponto de vista da direção, é mais parecido com Mindhunter. O primeiro episódio é composto de cenas longas que lentamente infundem cada momento com tensão crescente. Com este primeiro episódio dirigido por Carl Franklin, este não é o universo glamoroso pelo qual Murphy é conhecido. Dahmer se esforça por uma realidade desconfortável em todos os níveis, desde seu design de cenário cansado até a maneira monótona de falar de Peters.

Embora o nome de Dahmer esteja no título deste show – Um Canibal Americano não parece a história de Dahmer. Dessa forma, a série se destaca na lista aparentemente interminável de dramas criminais baseados em assassinos da vida real. O primeiro clique e a primeira linha de Dahmer pertencem a Glenda Cleveland. O retrato de Peters de Dahmer é desprovido de qualquer charme ou piadas inteligentes que esperamos dos serial killers da TV. Na verdade, as falas mais memoráveis ​​deste primeiro episódio pertencem a Cleveland de Nash ou a Tracy Edwards de Shaun J. Brown. A frase de Brown de “Você matou meu povo, filho da puta!” é especialmente assustadora. Em quase todos os níveis, A série prioriza as vozes e narrativas das vítimas de Dahmer sobre o próprio homem. É uma escolha criativa que torna a série infinitamente tensa, dando a esta história o peso que ela merece.

É também uma reestruturação narrativa que parece quase profunda. Durante anos, Dahmer foi retratado como um canibal enlouquecido que conseguiu escapar magicamente da polícia. A opinião de Um Canibal Americano sobre essa história parece mais alinhada com a verdade deste caso. Jeffrey Dahmer nunca foi um gênio do crime, e a maioria das pessoas ao seu redor sabia que ele estava fazendo algo errado. Mas como ele visava predominantemente homens de cor gays e era um homem branco, esses intermináveis ​​avisos foram ignorados. Monster arrasta Dahmer para baixo de seu pedestal como um dos grandes bicho-papão da América e, em vez disso, aponta o dedo para o racismo e a homofobia da polícia.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

Andor é a primeira série live-action de Star Wars do Disney+ a ser exibida antecipadamente para os críticos fora dos eventos especiais de estreia, o que parece significativo. Os espectadores só podem supor o porquê. Mas duas razões possíveis imediatamente vêm à mente depois de assistir aos quatro primeiros episódios. A primeira é que este show, pela primeira vez, não conta com grandes aparições. Até agora, você não verá um episódio terminando com, digamos, uma revelação repentina do Almirante Ackbar. A segunda é que o Disney + pode precisar da imprensa para explicar o quão diferente será esse conto Star Wars. Francamente, crianças pequenas podem ficar extremamente inquietas com a desolação de Andor e o drama baseado em diálogos, com relativamente poucas lutas de laser. E pelo menos nesses episódios iniciais, sem Stormtroopers ou sabres de luz.

O primeiro episódio parece mais um programa de TV Blade Runner do que Star Wars, com Cassian Andor (Diego Luna) andando pelas ruas encharcadas de chuva do distrito da luz vermelha do planeta comercial Morlana One, passando por prostitutas de todas as espécies. Ele está em uma missão para encontrar um membro da família perdido, mas dá errado, deixando pessoas mortas em seu rastro. Eles são “jogadores” menores, mas suas mortes atraem o interesse do vice-inspetor Karn (Kyle Soller), que é um pouco nerd obsessivo com essas coisas, apesar do desinteresse de seus superiores.

 

O ano é ABY5 – cinco anos antes da Batalha de Yavin – e esta é a primeira vez que um Star Wars canonizou esse sistema de história na tela. Para os personagens, isso significa pouco. Internamente, eles não saberiam que estão tão longe da primeira grande vitória rebelde vista em Rogue One. Para os fãs hardcore, é uma das muitas pequenas referências para juntar. Há também gritos para eventos em Mimban, Arvala 6, Scarif e outros locais familiares. A linha inferior do tempo é que é o auge do Império. Este é um período que não vimos muito, porque, francamente, é um grande infortúnio.

Os três episódios de abertura, que foram lançados no Disney + de uma só vez, cobrem essencialmente a origem de Cassian Andor. Esta parte da história se passa em grande parte no planeta Ferrix, que parece uma espécie de shopping center fascista. Também conhecemos aqui Bix (Adria Arjona), uma antiga aliada de Cassian e uma das poucas amizades que não desistiu dele. Ela tem uma loja que vende peças de naves espaciais, e também uma ligação com o contrabando. O fato de parecer uma versão realmente chuvosa do Galaxy’s Edge da Disneylândia não parece uma coincidência, especialmente quando um turista reclama do preço do estacionamento e da mera noção de que está sendo cobrado dinheiro apenas para comprar mais coisas.

Nos dias atuais, o ladrãozinho Andor, procurando uma rota de fuga dos cadáveres, é recrutado para a Rebelião maior. Enquanto isso, em flashbacks paralelos, a história de como ele deixou seu mundo natal, Kenari, se desenrola.

O quarto episódio é onde entra Mon Mothma (Genevieve O’Reilly), e fazemos um retorno bem-vindo a Coruscant, à medida que a narrativa diverge. O próprio Andor, enquanto isso, se vê parte de um grupo de sete em um mundo de posto avançado planejando um assalto. Ao contrário de Rogue One, os espectadores sabem que Cassian sobreviverá porque viram o final de sua história.

Mais leveza bem-vinda vem com o vilão Karn. Insistente em fazer tudo de acordo com as regras, mesmo quando seus superiores lhe dizem para parar, Karn se vê escalando e acabando em situações embaraçosas. Sua posição no final do quarto episódio cria um bom absurdo que ainda está de acordo com o tom sombrio do programa. Como o único antagonista, ele seria ridículo. Como um dos vários vilões estabelecidos, Karn é o perfeito e insuportável babaca de escritório que todas as corporações têm. Soller joga totalmente direto, como deveria.

Andor pode ter gasto muito dinheiro nos sets, mas não é um show sobre peças paradas. Conversas, intrigas e traições conduzem o enredo. Não está no mesmo nível de Game of Thrones, mas claramente aspira a isso.

Adicionando uma atmosfera crucial, o compositor Nicholas Britell (Moonlight, If Beale Street Could Talk) prova uma adição digna a um clube de elite de John Williams, Michael Giacchino e Ludwig Goransson. Ele se destaca na tarefa, desde os instrumentos de madeira que dão à infância de Andor uma vibe sul-americana até as batidas esparsas da primeira entrada do robô B2EMO. Lembrando o tema inicial de Rey em O Despertar da Força, o último tema – como muitos aqui – evoca uma melancolia e uma sensação de vazio no coração da vida cotidiana sob o totalitarismo.

Andor, agora uma visão guiada exclusivamente por Tony Gilroy, e com 24 episódios para terminar, está livre para se concentrar em ser uma história de espionagem pessimista. Às vezes parece um filme estrangeiro, feito por alguém de outra cultura dentro do universo de Star Wars. O fato de todos os flashbacks de Kenari apresentarem não-inglês sem legendas contribui para esse efeito. O que está claro por enquanto é que, no mínimo, Andor é uma grande virada em um estilo diferente de série de Star Wars.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Disney+.

Qual é a linha entre homenagem e derivação? Um filme pode se sustentar sozinho se a principal razão pela qual é tão divertido é porque lembra outros filmes que você amou?

Essa é a pergunta que paira sobre Justiceiras, filme adolescente da Netflix estrelado por Camila Mendes e Maya Hawke.

Dirigido por Jennifer Kaytin Robinson (Thor: Amor e Trovão) e co-escrito por ela e Celeste Ballard, Justiceiras se baseia nos muitos, muitos filmes adolescentes que vieram antes dele, principalmente dos anos 90. É um filme feito por alguém que claramente ama os filmes com os quais ela cresceu, e essa sensação de alegria de se jogar na mesma caixa de areia é evidente o tempo todo. É como se Robinson estivesse sussurrando: “Você acredita que eu consigo fazer isso?”. Esse entusiasmo é contagiante e é fácil de ser arrastado.

Da escalação de Sarah Michelle Gellar como diretora às referências de figurino de A Vida de Romy Schneider e Romy e Michele, Justiceiras é uma avalanche de bullying. Tem o tom do Um Crime Entre Amigas mais amargo ou da subestimada comédia de Galera do Mal, misturado com a paleta visual de Justiceiras e o mecanismo de enredo de Pacto Sinistro, de Alfred Hitchcock.

A história é centrada em Drea (Mendes), uma estudante incrivelmente bonita e incrivelmente popular em Miami. Ela pode ser de uma família pobre, mas ela conseguiu – ela é uma aluna de primeira, namorando o garoto mais privilegiado da escola e até apareceu em uma lista da Teen Vogue. Mas tudo desmorona quando uma fita de sexo dela e Max (Austin Abrams) vaza para toda a escola. Ela sabe que Max fez isso, mas como costuma ser o caso quando você está na interseção de economicamente desfavorecidos, uma mulher e uma minoria cultural, Drea é quem paga o preço.

No acampamento de tênis onde ela está trabalhando para o verão, ela conhece Eleanor (Hawke), uma estudante de transferência com uma história de aflição sobre ser forçada a sair do armário por uma amiga de escola chamada Carissa (Ava Capri).

Drea e Eleanor têm um momento de luz quando percebem que podem realizar os esquemas de vingança uma da outra – e assim mantém as mãos limpas e saboreiam essa doce, doce vingança. É um plano simples e elegante – e podemos agradecer àquela amante de intenção criminosa, Patricia Highsmith, por isso, já que é o livro dela que Hitchcock adaptou. Um ambiente de ensino médio também é o cenário perfeito para isso – um lugar de emoções intensas e descontroladas e uma tendência à vilania performática dos desenhos animados.

A história de Justiceiras é atrevida e divertida. Robinson acena com pompons suficientes para que o que é derivado pareça genuinamente amor. Como você argumenta com um filme em que há um jogo de croquet, à la Heathers, ou que tem um prédio chamado Horowitz Hall?

Se você ama aquela era de filmes adolescentes – e easter eggs apontando para eles – tanto quanto Robinson, Justiceiras pode ser inebriantemente divertido.

E não há nada que o encapsule tanto quanto sua trilha sonora. Entremeado pelo uso de artistas contemporâneos como Olivia Rodrigo, Billie Eilish e Phoebe Bridgers é um setlist de bangers dos anos 90.

A música é um atalho para evocar um tempo e uma vibração específicos, mas caramba se não for eficaz…

É, sem dúvida, um soco nostálgico, mas a cultura pop não existe no vácuo. Tudo o que é lançado está em conversa com o que veio antes e se Justiceiras pode efetivamente amar o passado para aumentar sua credibilidade, então todas as palmas para isso. Você não ficará entediado.

Justiceiras não será tão icônico quanto os filmes que ama e, provavelmente não estaremos falando sobre isso em uma década ou duas ou três como fazemos 10 Coisas Que Eu Odeio Em Você, Justiceiras ou Meninas Malvadas, mas no momento, há muita diversão aqui.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.