Categoria: Na Poltrona do Cinema com Pedroka

É difícil pensar nos momentos antes de um desgosto e não prendê-los à presságios. A mente, muitas vezes, molda memórias em profecias. As cores são marcadas. As emoções se solidificam. É uma coisa difícil de falar, quanto mais de visualizar. É por isso que Aftersun, a estreia da cineasta escocesa Charlotte Wells, é tão surpreendente. Ela capturou o incapturável, encontrando palavras e imagens para descrever um sentimento que sempre parece estar além de nossa compreensão.

A única forma de entender a memória, de maneira significativa, talvez seja em termos pessoais. E aqui, Wells desviou algum elemento de autobiografia para uma história de sua própria elaboração precisa. Sophie (Frankie Corio), de onze anos, está de férias com seu pai, Calum (Paul Mescal), em um ponto dos anos 90, quando a Macarena estava em seu ápice cultural. Fica claro que Calum não está mais com a mãe de Sophie. Ele se mudou para a Inglaterra; eles ficaram na Escócia. Esta viagem à Turquia, que Calum mal pode pagar, é uma rara oportunidade para pai e filha ficarem juntos.

Exceto que não estamos assistindo a esses eventos como eram, mas como são lembrados – por uma Sophie mais velha (Celia Rowlson-Hall) sob as luzes estroboscópicas de uma boate ou rave ou, na verdade, os confins caóticos de seu próprio cérebro. Também a vemos reproduzir e repetir uma velha fita VHS da viagem, tentando identificar alguma verdade oculta que Aftersun, em um movimento de mestre, nunca revela. Mas esse tempo compartilhado entre Sophie e Calum marcou o fim de… alguma coisa. Isso nós sabemos.

A certa altura, você pode ver a impressão fantasmagórica de uma Sophie adulta no reflexo da tela da televisão. Que coisa terrível a assombra? A câmera de Wells nos leva gentilmente em direção aos sinais reveladores da autodescoberta. A viagem de Sophie, em sua superfície, sinalizava os dias minguantes da ingenuidade da infância. Seus dedos roçam os de um garoto em um fliperama. Ela espia, pelo buraco da fechadura do banheiro, os gestos de uma menina mais velha enquanto ela detalha para as amigas detalhes sexuais da noite anterior. As crianças se cruzam no caminho umas das outras, em piscinas e áreas de recreação, encontrando uma estranha solidariedade na natureza ritualística do pacote de férias.

Calum, aqui, captura comovente o desespero mudo. Já ela encolhe. Ela sorri pequeno. É a hesitação de uma criança que quer mostrar ao pai que o ama, mas não sabe bem como. Wells tira uma dolorosa ironia da maneira como Sophie está sempre documentando, tirando fotos Polaroid e filmando Calum enquanto ela o questiona. Quando ele diz a ela que não quer ser filmado, ela diz que vai “gravar em minha pequena câmera mental”. Mas todos os vídeos do mundo não podem lhe dar as respostas de que ela precisa. Tudo o que temos para nos apoiar são os comentários improvisados, mas cultos, de Calum para outros personagens.

Por mais que Aftersun possa ser descrito como gentil, contemplativo e até bonito, é também o tipo de filme que parece estar à beira de um precipício. O Calum de Mescal carrega o mesmo tipo de charme quebrado de seu Connell em Normal People, mas há momentos de súbito distanciamento que parecem especialmente comoventes. Se ao menos Sophie pudesse agarrar aquela cabeça dele e sacudi-la até que todos os segredos caíssem. O que foi, Calum? Onde sua alma foi ferida? Aftersun não nos avisa. Também não deixa Sophie saber. Deixa para trás um profundo sentimento de desejo e é uma das emoções mais poderosas que você encontrará em qualquer cinema este ano.

5 pipocas!

 

 

Disponível no MUBI.

Em um thriller psicológico construído sobre o relacionamento entre um psicoterapeuta e o cara no sofá, você pensaria que era óbvio a que o paciente se refere. E você estaria certo, mas também não.

Este é um thriller no qual a psicoterapia é tanto o cenário quanto o assunto – ou pelo menos um assunto – e, portanto, o paciente serve tanto como substantivo quanto como adjetivo. Ele se desenrola lentamente, assim como a terapia, e recompensa o espectador do paciente, mesmo que não haja garantia de que o próprio paciente será curado.

Criado por Joe Weisberg (criador de The Americans) e Joel Fields, O Paciente começa com um homem aparentemente preso em um pesadelo, acorrentado ao chão em uma sala com três portas, cada uma delas fora de alcance. Logo descobrimos que ele é o terapeuta Alan Strauss (Steve Carell) e, dada sua profissão e sua rica vida de sonhos, é fácil supor que seja seu subconsciente trabalhando.

Mas quando o primeiro episódio termina, percebemos que Alan realmente está sendo mantido prisioneiro, por um jovem chamado Gene (Domhnall Gleeson), que veio vê-lo esperando uma cura.

“Meu pai me batia muito, muito, quando eu era criança”, diz Gene em seu primeiro encontro. “E eu acho que isso me fodeu”.

Alguns meses depois, a terapia parou. Então Gene tenta um remédio próprio, sequestrando Alan e trancando-o em sua casa na floresta, onde ele pode estar de plantão para sessões de terapia 24 horas por dia, 7 dias por semana.

“Eu realmente não poderia dizer a verdade em seu escritório, mas aqui posso”, diz o sequestrador de Alan, que revela que seu nome verdadeiro é Sam. “Eu tenho uma compulsão, de matar pessoas”.

“Assassino em série sequestra terapeuta” é um discurso brilhantemente sucinto que poderia ter sido tocado para risos ou tensão. O Paciente opta pelo último, mas evita amplamente os tropos desgastados do gênero.

Enquanto Sam segue sua rotina diária como inspetor de restaurante, Alan tem muito tempo para contemplar seu futuro pouco promissor e seu passado decepcionante. Ele é assombrado pela memória de uma esposa, Beth (Laura Niemi), morta por um câncer, de um filho afastado, Ezra (Andrew Leeds), que virou um judeu ortodoxo e do peso esmagador da história (o Holocausto). Ele pondera por que os prisioneiros de Auschwitz pareciam tão resignados com seu destino, mesmo quando ele desliza inexoravelmente em direção ao dele.

A resposta, se houver, está na empatia, que é realmente a principal obsessão de O Paciente. Assassinos psicopatas – sejam eles vestidos com uniformes nazistas ou com roupas casuais de um trabalhador municipal – não têm nenhuma; a terapia que Alan pratica é toda sobre a busca por ela. Tudo muito admirável, mas o pensamento de que às vezes talvez resistir seja melhor do que remediar é impossível de ignorar, tanto para os espectadores quanto para o programa.

O Paciente exige paciência, mas as performances no coração deste claustrofóbico jogo de duas mãos a recompensam. O Alan de Carell é um homem de fala mansa cuja empatia quase infinita mascara uma arrogância e intransigência que causaram danos à sua própria família. O Sam de Gleeson é simplesmente uma criança de olhos mortos sem controle de impulso.

Vale a pena reservar um tempo no sofá para vê-los.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.

Este drama desesperadamente comovente ambientado nos Estados Unidos devastado por zumbis é uma mistura fenomenal de terror e emoção, com um elenco que não poderia ser mais perfeito.

E se não fosse um vírus semelhante à gripe que ameaçasse a existência da humanidade, mas um fungo parasita que usou o aumento das temperaturas para evoluir e trocar de hospedeiro, de formigas para humanos? Essa é a premissa aterrorizante de The Last of Us, outro drama de prestígio pós-apocalíptico em um cenário de TV que, por razões compreensíveis, está repleto de cenários de fim de jogo. Enquanto seu esqueleto zumbi traz comparações imediatas com The Walking Dead, seu coração pulsante está mais de acordo com Estação Onze do ano passado, com o qual compartilha um ritmo surpreendentemente estável e meditativo.

Muito foi feito sobre suas origens como um videogame, em parte porque o material de origem parecia oferecer a melhor chance de uma transição convincente do console para a tela. A série foi adaptada pelo criador do jogo, Neil Druckmann, e pelo showrunner de Chernobyl, Craig Mazin, uma combinação que sugeriu que poderia reverter a tendência dos videogames reformulados em outro formato.

Mas os jogos The Last of Us fornecem mais do que um projeto estilístico. Eles são angustiantes, emocionais e profundos, além de cheios de ação. Aqueles familiarizados com a franquia identificarão cenas, locais e até diálogos reconhecíveis. Esta adaptação não reinventa seu material de origem, mas por que o faria quando o material de origem era tão completo?

Aqueles que não estão familiarizados com o jogo, no entanto, devem se sentir confiantes para entrar neste mundo. A série começa apresentando o cenário do fungo parasita como hipotético, discutido por especialistas em um talk show na década de 1960, antes de passar para 2003, quando o pior cenário está destruindo a sociedade a cada segundo. Durante a primeira meia hora, mais ou menos, é um filme de desastre independente de lembrar os sucessos de bilheteria do fim dos anos 90, como Impacto Profundo, Armageddon e Os Doze Macacos. Em seguida, muda novamente, para 2023 e as consequências. O que resta da sociedade está nas mãos de um regime militar autoritário que luta contra grupos rebeldes classificados como terroristas e é sombrio como o inferno.

Pedro Pascal é Joel, um trabalhador da construção civil texano na casa dos 50 anos e um semi-intruso na zona de quarentena de Boston, onde faz trabalhos de manutenção sombrios e tem uma atividade secundária no mercado oculto. A vida é dura e implacável. Eventualmente, ele conhece Ellie (Bella Ramsey, outra expatriada de Game of Thrones), uma garota de 14 anos que ele deve transportar para o oeste através dos Estados Unidos devastados. Ela pode ser a salvadora que o mundo está procurando.

The Last of Us é violento e sentimental. Ele retrata um mundo no qual as pessoas estão fazendo o que podem para sobreviver, com vários graus de horror; às vezes, encontrar os infectados velozes e pendurados em fungos nem parece a pior coisa que poderia acontecer. Mais tarde na série, em um episódio aterrorizante, homens, não monstros, provam ser capazes de infligir crueldades que vão muito além do angustiante ataque de zumbis.

No entanto, consegue encontrar a humanidade nas ruínas – e isso faz valer a pena. Pascal é ótimo, mas Ramsey é fenomenal. Ela é engraçada, mal-humorada e afiada, mantendo uma fisicalidade adolescente ligeiramente desajeitada. Sua performance é tão autêntica e crível que nem parece uma performance. Observar o relacionamento da dupla se desenvolver e se aprofundar é desesperadamente comovente. O fato de conseguir resistir a uma abordagem sentimental e ainda assim encontrar tal alma é uma verdadeira conquista.

Suas histórias menores podem também atingem essas alturas e ampliam seu alcance além de enriquecer nossa compreensão. Melanie Lynskey aparece como Kathleen, uma líder rebelde em Kansas City, onde também encontramos um jovem fugitivo com seu irmão mais novo. Vemos como Ellie acabou onde está, em um episódio dolorido de nostalgia, e vemos tentativas de criar utopias em um ambiente distópico até os ossos. Em bolsos minúsculos, ousa ter esperança. Eu amei seu equilíbrio de horror e coração. The Last Of Us se enterra sob nossa pele e se recusa a sair.

5 pipocas!

 

 

Em exibição na HBO pela TV e disponível na HBO Max (streaming).

O Menu é uma história no Hawthorn, um renomado restaurante localizado em uma ilha isolada, onde apenas um punhado de clientes pode jantar a qualquer momento. Por US $ 1.200 (dólares) o prato, o chef Julian Slowik (Ralph Fiennes) pode se dar ao luxo de deixar suas excentricidades correrem soltas e não tem problemas em garantir que seus convidados saibam que ele está no comando e que as próximas horas de suas vidas culinárias dependem exclusivamente de suas mãos, e de seus talentosos subchefs.

O Chef Slowik escolheu a dedo os convidados desta noite, convidando cada um deles para uma refeição que será tão memorável que as pessoas vão falar sobre isso nas próximas décadas. Cada curso é uma pista. Cada sabor é uma peça de um quebra-cabeça. O chef Slowik pretende fazer o improvável, e sua equipe está preparada para seguir todas as suas ordens como se fossem membros de um culto religioso e nem todos cozinheiros talentosos por mérito próprio.

Não se engane, esta será uma noite diferente de qualquer outra que Hawthorn já conheceu.

O menu é tão delicioso quanto vil, tão saboroso quanto lascivo. O diretor Mark Mylod (Qual é o seu número?) e os escritores Seth Reiss e Will Tracy preparam uma magnífica sátira de terror. O filme deles é um banquete sensorial e emocional, e eu apreciei cada pedacinho suculento. As cenas finais são uma tempestade de esperteza depravada que nos deixa ofegante, rindo e torcendo quase na mesma medida.

Há muitas incógnitas em jogo, quase todas girando em torno de como e por que o Chef Slowik preparou o banquete malévolo para este grupo escolhido de convidados. Mas aquele com o qual ele não está envolvido – a chegada inesperada de Margot (Anya Taylor-Joy), a acompanhante de Tyler (Nicholas Hoult) – é o maior ponto de interrogação de todos. Mais especificamente, ela não é a acompanhante originalmente aprovada para acompanhar o esnobe foodie ao evento desta noite.

É a relação que floresce entre o determinado dono de restaurante e a jovem confiante que é o elemento mais fantasticamente revigorante do filme. É aparente imediatamente que algo ameaçador está acontecendo. Isso fica claro quando o Chef Slowik revela o quão derradeira esta refeição será para seus convidados. Mas Margot o irrita, e até que ele entenda quem ela é, por que ela está lá e onde ela se encaixa dentro da sala de jantar – cliente ou equipe – ele não será capaz de levar a noite a um final satisfatório com ela ali.

Fiennes é magnífico. Sua representação de um egomaníaco machucado e maltratado – não tanto mau quanto perdido – no final de sua corda mental é uma coisa de beleza arrepiante. Ele é acompanhado pela graciosamente reptiliana Taylor-Joy, e suas permutações emocionais são adequadamente fascinantes quando ela começa a compreender o perigo absurdo de sua situação. A batalha de inteligência e vontade resultante da dupla é habilmente gloriosa e, embora eu não tenha ficado chocado com os ingredientes que a equipe de filmagem utilizou para preparar seu clímax, isso não o tornou menos gostoso.

Há também uma grande subtrama envolvendo o gerente geral de Hawthorn e a colega mais confiável do chef Slowik, Elsa (Hong Chau), que é mais conveniente do que orgânica para a narrativa abrangente. A batalha real de Elsa e Margot é inspirada e inteligente, sendo a maior parte do roteiro de Reiss e Tracy, repleta de derramamento de sangue slasher que funcionou lindamente para mim.

O que eu amei é a energia no estilo Twilight Zone. Os convidados do Hawthorn – interpretados por nomes como Janet McTeer, Judith Light, John Leguizamo, Reed Birney e Paul Adelstein, apenas para citar alguns membros reconhecíveis do talentoso conjunto – são um grupo eclético. Poucos deles são tão maus ou terríveis, porém são tão materialistas que o que pode acontecer no final da noite é de alguma forma justificado.

Isso aprofunda a sátira e amplifica o suspense. Eles são todos ricos? Sim. Vivendo mais do que merecem e não se importando se pisaram algumas vezes demais nas costas daqueles que sentem que estão abaixo deles? Possivelmente. A linha entre servo e nobre desaparece lentamente com a entrega de cada prato na mesa de um convidado, o que apenas aumenta o quão deslumbrantemente desequilibrada essa loucura se mostra.

O Menu é uma delícia grotesca, servindo uma miscelânea de risadas, emoções, calafrios, lágrimas, choques e sorrisos à medida que as festividades da noite se aproximam de sua conclusão coberta de chocolate. Eu me deliciei com cada pedaço suculento e, por causa disso, mal posso esperar para voltar à mesa para uma segunda porção dessas iguarias ridiculamente tenras e horripilantes o mais rápido possível.

5 pipocas!

 

 

A partir do dia 18 no Star+.

A primeira coisa que você percebe ao assistir The Fabelmans, o filme semi-autobiográfico de Steven Spielberg sobre sua maioridade, é que ele tem feito filmes semi-autobiográficos durante a maior parte de sua carreira de meio século, estejamos conscientes disso ou não. Imagens que parecem referências a E.T. O Extraterrestre ou Contatos Imediatos de Terceiro Grau são, na verdade, memórias que já haviam sido recontextualizadas como espetáculo hollywoodiano. Spielberg pode ter mudado a indústria para sempre ao inaugurar a era dos sucessos de bilheteria, mas para ele ainda era um caminho para a produção de filmes pessoais, com histórias que sempre voltavam a famílias desfeitas, becos sem saída suburbanos e fantasias como uma saída para crianças solitárias. O cinema comercial nunca foi incompatível com a sua vida nem com os seus sonhos.

Essa é a razão pela qual The Fabelmans abre com o avatar de Spielberg, Sammy – interpretado quando criança por Mateo Zoryon Francis-DeFord e aos 16 anos por Gabriel LaBelle – sendo levado para seu primeiro filme, o drama de Cecil B. DeMille de 1952, O Maior Espetáculo da Terra, que dizem à criança medrosa será como ir ao circo. Através da magia do “grande plano da cara de olhos bem abertos”, onde a cena de reação vem antes de vermos o que está atraindo a reação, notamos que, no mínimo, Sammy está mais surpreso com sua primeira experiência na tela grande do que esperava – e mais paralisado também.

Embora seu pai Burt (Paul Dano), um engenheiro de computação pioneiro, tenha explicado a ciência da ilusão cinematográfica, a “persistência da visão” causada por 24 quadros estáticos passando por um projetor por segundo, a experiência é como Harry Houdini testemunhando seu primeiro truque de mágica.

Escrevendo com Tony Kushner, que trouxe tanta dimensão às histórias familiares de Lincoln e Amor, Sublime Amor, Spielberg transforma The Fabelmans em um ato de auto-mitologia que, no entanto, provoca velhas feridas. Eventos que um jovem Spielberg certamente não entendeu quando criança são revisitados com uma combinação de nostalgia e honestidade, e a sabedoria de um homem de 75 anos que percebe o quanto ele incorpora a expressão do poeta William Wordsworth de que a criança é o pai do homem. Tanto quanto pode, no entanto, Spielberg se mantém próximo da perspectiva de Sammy enquanto sua crescente obsessão por filmes – que seu pai encoraja como um hobby, mas descarta como uma busca de carreira – se cruza com uma vida doméstica que gradualmente, muitas vezes imperceptivelmente, perde a estabilidade.

Os pais de Fabelman, Burt e Mitzi (Michelle Williams), são um estudo fascinante de contrastes – um cientista quadrado e homem de família dedicado; a outra uma buscadora e uma artista – e seus filhos, Sammy e suas 3 irmãs, a cola que pode mantê-los juntos por tanto tempo.

Muitos personagens influentes entram e saem da vida de Sammy, mas nenhum é importante como Tio Bennie (Seth Rogen), que não é realmente seu tio, mas se tornou um membro de fato da família. Ele é considerado o melhor amigo e colega de trabalho de Burt, e se muda com eles de Nova Jersey para o Arizona quando o gênio da engenharia de Burt começa a ser reconhecido. Mas Sammy lentamente percebe que Bennie significa algo especial para sua mãe também. Sua câmera detecta antes dele.

À medida que Sammy envelhece, Spielberg segue o desenvolvimento de seu jovem eu como um maestro de 8 mm e 16 mm, desde recriações caseiras do acidente de trem em O Maior Espetáculo da Terra até um passeio escolar que se assemelha a um cruzamento entre Folias na Praia (1965) e Olimpíadas e Mocidade Olímpica Parte 1: Festa das Nações (1938). Ele é um aluno prodigioso dos truques do médium, em certo ponto até “esfaqueando” alfinetes em quadros individuais para imitar o flash de um tiro, mas sua ânsia de imitar clássicos de guerra ou faroeste não o isola totalmente do mundo real. Ele planta verdades em suas ilusões, ilusões em sua verdade. Sua câmera lhe dá uma visão de outras pessoas e elas também podem se ver em seus filmes.

The Fabelmans seriam satisfatórios o suficiente como apenas mais uma das muitas “cartas de amor ao cinema” que estão surgindo agora já que o futuro parece comprometido, porque poucos diretores podem montar imagens tão deslumbrantes quanto Steven Spielberg. E embora o filme não seja sem sentimento – uma marca registrada de Spielberg – também não é uma peça nostálgica alegre. Muito parecido com o Armageddon Time do início deste ano, Spielberg está olhando para os eventos que ele não conseguiu processar totalmente até ficar mais velho e entender as complexidades que governam os relacionamentos adultos – complexidades que eles protegem de seus filhos.

Spielberg escolheu o momento certo para revelar suas origens mais diretamente em um filme – em parte porque podemos ver as raízes da turbulência doméstica em Contatos Imediatos ou E.T., e em parte porque ele está em um estágio de sua carreira em que não temos que projetar nossas emoções de forma tão agressiva. Podemos simplesmente ver os três adultos principais em The Fabelmans por quem eles são – humanos bons, atenciosos e imperfeitos que merecem a compreensão de que uma criança ainda não está preparada para lhes dar. Isso não quer dizer que Spielberg acredita menos no fascínio fantástico dos filmes agora do que quando DeMille e Ford ainda comandavam sua imaginação. Mas agora, nos anos 2020, ele continua expandindo sua ideia do que pode caber em filmes comerciais, mesmo quando as possibilidades de filmes comerciais parecem estar diminuindo.

5 pipocas!

 

 

A partir de amanhã, dia 12, nos cinemas.

As árvores estéreis e os cumes nevados do Vale do Hudson no inverno raramente parecem tão proibitivos quanto em O Pálido Olho Azul, de Scott Cooper, um mistério que tem mais a ver com frieza do que com engenhosidade. Mas o gelo que você sente nos ossos pode realmente aumentar o suspense; Cooper entende claramente que os mistérios vivem ou morrem em sua atmosfera. Aqueles de nós para quem Sherlock Holmes serviu como uma porta de entrada para a literatura séria podem testemunhar isso: a vitoriana, os paralelepípedos e a luz do gás, todos foram tão essenciais quanto os próprios casos para nosso fascínio, talvez mais. E agora, aqui está uma contrapartida densa e nebulosa dessas histórias, ambientadas em West Point na década de 1830, que se mantém.

Baseado no romance de Louis Bayard de 2003, O Pálido Olho Azul segue um veterano detetive de Nova York, Augustus Landor (Christian Bale), vivendo sozinho na floresta, que é retirado da aposentadoria para investigar a terrível morte de um cadete da Academia Militar dos Estados Unidos, Leroy Fry (Matt Helm), que foi encontrado enforcado com o coração arrancado, e ninguém pôde decidir se foi suicídio ou assassinato ou por que aconteceu. Landor, grisalho e careta, tem uma relação de confronto tácita com a escola – ele mostra total desdém por todos ao seu redor – mas aceita o caso de qualquer maneira.

Ele então alista como seu ajudante um jovem cadete desajeitado, Edgar Allan Poe (Harry Melling), que lhe diz desde o início que o assassino que eles procuram deve ser um poeta. “O coração é um símbolo, ou não é nada”, explica Poe. “Remover o coração de um homem é traficar um símbolo. E quem melhor equipado para tal trabalho do que um poeta?”.

Profundo, né?

Poe fascina Landor, que passa a olhar com carinho para esse jovem estranho. Bale tem sido tão bom por tanto tempo em interpretar personagens distantes que é estimulante ver o calor em relação a outra pessoa descer sobre seu olhar. Landor perdeu sua esposa para uma doença, e sua filha, segundo nos disseram, recentemente fugiu de casa; ele veio para esta floresta para encontrar a felicidade com sua família e acabou sozinho e amargurado. Quando Poe visita a casa de Landor e admira livros que eram claramente de sua filha, começamos a entender por que o homem mais velho se abrandou com esse poeta-cadete desajustado: o jovem o lembra de sua filha perdida. E Poe, que diz que às vezes fala com sua mãe morta, poderia usar algum fundamento paterno dele.

Essa dinâmica pai-filho alimenta todo o filme e estabelece vários momentos-chave no clímax do filme. Isso, por sua vez, exige muito de Melling, e você nunca sabe aonde ele está indo com seu maravilhoso Poe. Olhos cavernosos dominando um rosto que, de outra forma, é só maçã do rosto e queixo. Ele traz a esse forasteiro uma confiança assombrada e assustadora. Ele alterna entre ondas de tristeza e grandiosidade, a marca de um romântico honesto. Você sente a tragédia dele terminando em um lugar como West Point – na vida real, Poe durou apenas alguns meses na escola. Você também sente, em seus maneirismos e fala, que este é um homem que deixará sua marca no mundo ou acabará morto em uma vala.

Em um nível puramente narrativo, O Pálido Olho Azul oferece desenvolvimentos relativamente padronizados: uma nota escondida aqui, uma ferida despercebida ali, um diário criptografado ali. Estamos lidando com um gênero fundamentalmente aconchegante, no entanto, a familiaridade é permitida e incentivada. Além disso, Cooper entende que clichês tratados com confiança podem ser eficazes. Então ele se inclina para eles. Por exemplo, há uma personagem condenado, Lea Marquis (Lucy Boynton) que não apenas tosse no início, como também tem uma convulsão total. A interpretação é entregue com desenvoltura pela ator.

Ajuda que o elenco de apoio seja empilhado com artistas que realizaram filmes perfeitos: Timothy Spall interpreta Thayer, o chefe de West Point; Toby Jones interpreta Daniel Marquis, o médico da escola; Gillian Anderson interpreta Julia Marquis, a esposa emocionalmente frágil do médico; Charlotte Gainsbourg interpreta Patsy, a garçonete da uma taverna e Robert Duvall interpreta Jean Pepe, o professor de ocultismo.

No final das contas, é tudo muito emocionante, não apenas por causa de Bale e Melling e da atmosfera inebriante, mas porque os crimes investigados são selvagens em um nível absolutamente existencial. Os assassinatos são monstruosos o suficiente para capturar a imaginação, e Cooper faz questão de nos estimular ao se debruçar sobre os cadáveres pastosos e inchados; nas grotescas feridas coaguladas; e nos dedos rígidos de rigor mortis sendo estalados em mesas de autópsia.

Isso também configura um desafio para o filme: como entregar uma solução que não só faça sentido, mas também honre a crueldade cativante dos crimes cometidos. E, surpreendentemente, o final do filme é uma surpresa genuína – totalmente inesperado, mas habilmente vendido por meio da distribuição inteligente de informações. Ao contrário de muitos mistérios que são projetados para serem insolúveis por um público (o que é uma abordagem válida; lembre-se, Arthur Conan Doyle também nunca nos deu todas as pistas necessárias), O Pálido Olho Azul nos mostra tudo o que precisamos para descobrir tudo. Fora que ainda consegue puxar o tapete debaixo de nós. Mesmo assim, o que finalmente ressoa é a relação central surpreendentemente comovente da imagem e seu cenário vívido.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

About Fate não é nada novo para o gênero, mas ainda é uma rom-com (comédia romântica) fofinha de Ano Novo, estrelada por Emma Roberts e Thomas Mann.

Margot Hayes (Emma Roberts) e Griffin Reed (Thomas Mann) pensaram que passariam a véspera de Ano Novo celebrando um noivado… com pessoas diferentes. Isso tá certo? Eles nunca foram feitos para ficarem juntos. E, no entanto, talvez seja o destino deles. Margot espera que Kip Prescott (Lewis Tan) a peça em casamento e vá ao casamento da irmã Carrie (Britt Robertson) na véspera de Ano Novo. Enquanto isso, Griffin está planejando pedir a influenciadora do Instagram Clementine (Madelaine Petsch) em casamento. Engraçado, ambos estão no Bennigan’s quando suas noites azedam.

Margot e Kip estão juntos há apenas três meses. Apesar disso, sua família nunca conheceu Kip, então ela aproveita uma oportunidade quando Griffin entra em sua vida por acidente. Não vou entrar em detalhes aqui, mas é um cenário incrivelmente engraçado. O resultado leva os dois à aventura de Ano Novo de suas vidas.

Eu sei o que você está pensando. Quando você vê um rom-com, você já viu todos eles. Sim, este filme joga como muitos tropos rom-com diferentes, mas é fofinho e divertido mesmo assim. O fato de este filme ser envolvente é o que ajuda a manter o público em alerta. Mesmo que tenhamos uma ideia de como isso vai acabar, você ainda tem suas dúvidas. Eles vão ou não vão? Ouça, essa não seria uma comédia romântica boa se não representasse os tropos de nossa década. Mas ainda assim, este é um filme que depende de nós comprarmos Emma Roberts e Thomas Mann como um casal. Se não pudermos acreditar nisso, seria uma subida difícil. Felizmente, eles têm uma química incrível e gostaria de ver mais filmes essa dupla.

Na maioria das comédias românticas, Griffin não seria o cara que fica com a garota no final. Inferno, Mann provavelmente seria substituído por um ator mais atraente porque é isso que a lei do cinema estabelece. Você e eu sabemos disso. É uma merda, mas muitos caras da casa ao lado ficam com a garota nesses filmes. Mas não acredite na minha palavra – Marius Vaysberg também não estava convencido disso no início, mesmo depois que Roberts sugeriu Mann para o papel. Isso é o que faz parte do apelo de assistir About Fate – mudar o status quo com uma lufada de ar fresco.

Aqui Tiffany Paulsen volta a trabalhar com a estrela de Amor com Data Marcada, Emma Roberts, para uma rom-com muito diferente. Paulsen escreve sobre os pontos fortes da atriz em uma aventura rom-com diferente. Da última vez, foi em Chicago. Desta vez, estamos na área de Boston, especificamente Norwood e Westwood. No entanto, os dois endereços principais, se o Google Maps for uma indicação, são fictícios. De qualquer forma, o cineasta Marius Vaysberg deve receber parte do crédito pela direção da dupla.

About Fate é uma rom-com que funciona por causa de seu afastamento do gênero usual e da química brilhante dos protagonistas Emma Roberts e Thomas Mann. E não há nada melhor pro Ano Novo do que acompanhar um novo amor nascer.

5 pipocas pra uma comédia romântica sim!

 

 

Disponível na Amazon Prime Video.

Mais uma vez, uma coleção de suspeitos estereotipados cuidadosamente trabalhados tenta evitar a prisão por variações cômicas de detetives clássicos. Logo no início um inspetor, Stoppard (Sam Rockwell), é enviado para investigar um assassinato no West End de Londres. Veja Como Eles Correm não é tão egoísta quanto a peça The Real Inspector Hound, mas é uma desconstrução deliciosa e descaradamente afetuosa de ChristieLand que não perde nem um segundo de suas boas-vindas.

O assassinato aconteceu no palco de A Ratoeira, de Agatha Christie – o do impetuoso cineasta americano Leo Kopernick (Adrien Brody), que nos diz em narração que é claro que o personagem mais desagradável é aquele a ser morto. Em uma piada típica do roteiro de Mark Chappell, um possível motivo parece ser a incômoda longevidade da peça. É 1953 e eles simplesmente não conseguem tirá-lo do teatro.

Todos são suspeitos ou vítimas em potencial.

Ajudando Stoppard, depressivo e frequentemente embriagado, está a hilariante e ansiosa Constable Stalker (Saoirse Ronan). Eles formam uma equipe complementar. Oferecendo uma rara oportunidade de atuar com seu próprio sotaque, Stalker rabisca furiosamente em seu caderno enquanto Stoppard encontra novas maneiras de tropeçar instavelmente nos pubs do Soho. Suas interações são em grande parte cômicas, mas o roteiro também aborda de forma convincente os traumas que tantos londrinos carregaram da guerra.

Estudantes de Christie e da vida inglesa de meados do século 20 em geral irão apreciar a fusão de personagens da vida real com compostos fictícios. Interpretando Richard Attenborough, Harris Dickinson trabalha um pouco do Leicester nativo daquele ator em sua entrega frutada. O desempenho de destaque é, no entanto, mais uma vez o de Saoirse Ronan. Ela já gerou risos em Lady Bird e (embora brevemente) O Grande Hotel Budapeste, mas aqui aproveita ao máximo a oportunidade de explorar totalmente o timing cômico no nível máximo.

O divertido e engraçado mistério de assassinato Veja Como Eles Correm é sobre aqueles pequenos ovos de páscoa, uma série de pistas espalhadas para os amantes do gênero notarem e arrulharem. Que esperto, você vai exclamar (silenciosamente), porque, convenhamos, fan service pode ser delicioso.

Há pouco senso de austeridade da era do racionamento tardio aqui. Todos os carros brilham como se estivessem fazendo testes para comerciais na televisão colorida ainda indisponível. O diálogo apresenta anacronismos notáveis ​​como “assassino em série” (quando se refere aos assassinatos de Rillington Place). Veja Como Eles Correm crepita com invenção e alto astral. O filme usa uma ampla comédia física para adicionar um pouco de diversão, enquanto algumas das técnicas de câmera, como planos simétricos, edição rápida e enquadramento encenado, evocam a forma de Wes Anderson.

Para Christie e os fãs de mistério da era de ouro, a natureza derivada de Veja Como Eles Correm é o seu apelo. O filme não está fazendo nada de novo, mas não está tentando, o objetivo é colorir dentro das mesmas linhas, mas talvez usar alguns tons diferentes.

Veja Como Eles Correm não é tão melhor quanto Entre Facas e Segredos nem tão absurdamente exagerado quanto Clue, mas sabe onde deve brincar – seja inteligente, mas não muito presunçoso, seja sábio, mas não muito filosófico, seja reverente, mas não muito velho.

É uma peça bem ritmada, intrigante e travessa que encantará os fãs de Christie sem desafiar a grande dama do reinado do mistério.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Star+.

Rian Johnson conseguiu o impossível. Ele deu sequência ao seu grande sucesso Entre Facas e Segredos com uma segunda parte que é tão divertida, tão inteligente e tão brilhante quanto a primeira.

Isso quase nunca acontece.

E, no entanto, Glass Onion: A Knives Out Mystery é o tipo de filme que faz você querer desistir de seu primogênito apenas para poder assisti-lo novamente. E de novo, e de novo, e de novo.

Dá vontade de examinar cada elemento para entender como Johnson construiu essa obra de arte e entretenimento perfeitamente formada, como ele implantou o legado de Agatha Christie aqui e como ele está construindo um novo por conta própria.

O que não quer dizer que Glass Onion deva ser apenas um exercício intelectual – embora ative aquelas pequenas células cinzentas – porque também pode ser só um filme alegre que vai colocar um sorriso em seu rosto enquanto você cacareja, gargalha e gargalha por pelo caminho de uma aventura desenfreadamente divertida.

Ele faz as duas coisas e você pode segurar as duas experiências na mesma mão ou simplesmente sentar e seguir em frente para o passeio inebriante.

Seguindo a tradição das histórias de Christie, Glass Onion pega o cavalheiro detetive Benoit Blanc (Daniel Craig) e o joga com seu sotaque sulista desarmante em outro mistério.

O que significa que, além de Craig, é todo um novo elenco de personagens com quem ele tem que lidar, começando com Miles Bron (Edward Norton), um bilionário da tecnologia com uma luxuosa ilha particular na Grécia. Miles convida seus amigos para uma extravagante reunião anual e planeja organizar uma festa de mistério de assassinato.

Entre os presentes estão o cientista Lionel (Leslie Odom Jr), a festeira e ex-modelo Birdie Jay (Kate Hudson), a governadora de Connecticut Claire (Kathryn Hahn), o ativista pelos direitos dos homens e YouTuber Duke (Dave Bautista), a ex-parceira de negócios de Miles, Andi (Janelle Monae), a assistente de Birdie, Peg (Jessica Henwick) e a namorada de Duke, Whiskey (Madelyn Cline).

 

Juntos ali e cada um com um motivo contra Miles, a ilha é uma fossa de ressentimentos e segredos guardados há muito tempo. É um verdadeiro obstáculo para Blanc – e para o público – e haverá muitas revelações, grandes e pequenas, antes da rolagem dos créditos.

Glass Onion é como as caixas de quebra-cabeça que Miles envia a seus amigos no início do filme. É um mistério de assassinato imaculadamente construído, intrincado e perfeitamente elaborado, onde cada elemento está fazendo exatamente o que deveria, e é apenas no final que você percebe como Johnson timidamente lhe passou todas as informações.

A essa altura, o mestre contador de histórias já o levou em uma jornada e lhe deu experiências tão divertidas quanto à comédia física ao estilo Monsieur Hulot de Blanc às muitas participações especiais inspiradas do filme. Existem piadas visuais e de diálogo que irão encantar e que invocam gritos de êxtase.

Também está em conversa direta com a cultura atual, de alto a baixo – a ridícula máscara de rede de pesca de Paris Hilton aparece, assim como as filosofias de disrupção dos tech bros.

Glass Onion é mais do que uma homenagem, é armar um gênero aconchegante que tem tropos bem estabelecidos e evoluí-lo, fazendo isso sem paródia. É brincalhão e pateta sem zombaria, e nunca toma o público por tolo. Ele quer que você o acompanhe, questione tudo e se divirta com o desfecho.

Isso é maior, mais ousado do que o primeiro Entre Facas e Segredos, e é igualmente emocionante. Sem falhas.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.

 

Le Pupille é um curta-metragem em italiano que gira em torno de um internato cristão e seus costumes ortodoxos. O filme é escrito e dirigido por Alice Rohrwacher e produzido pelos cineastas vencedores do Oscar Alfonso Cuarón, Carlo Cresto-Dina e Gabriela Rodriguez. E tem um tempo de execução total de trinta e nove minutos.

O elenco completo do filme inclui Alba Rohrwacher, Melissa Falasconi, Greta Zuccheri Montanari, Carmen Pommella, Lady Maru, Luciano Vergaro, Carlo Tarmati e Valeria Bruni Tedeschi. Além disso, Hélène Louvart atua como diretora de fotografia do filme, enquanto Carlotta Cristiani chefia o departamento de edição.

Le Pupille é uma fábula de amadurecimento centrada na inocência, ganância e fantasia que segue garotinhas rebeldes em um internato católico na véspera do Natal durante um tempo de guerra fictício. Imagina-se os caminhos se cruzando no colégio interno, e o Natal se aproximando nos pensamentos e ações das meninas órfãs deixadas sozinhas com quatro freiras em uma época de escassez. A história tem seu foco sobre desejos, puros e egoístas; sobre liberdade e devoção, sobre a anarquia que é capaz de florescer na mente das meninas dentro dos limites do rigoroso internato. Embora as meninas obedientes não possam se mover, seus alunos podem dançar a dança desenfreada da liberdade.

LEVES SPOILERS A SEGUIR COMO PRESENTE DE NATAL

O curta-metragem começa com vislumbres de um orfanato cristão ortodoxo em meio à guerra. E encontra uma série de órfãs rebeldes, aprendendo a lidar com os rígidos maneirismos do lugar. A princípio, o próprio cenário tira todas as dúvidas sobre liberdade e rotina e propaga a ideia de pouca inclusão.

A programação mundana das meninas do orfanato começa acordando na hora, arrumando suas camas e ouvindo os comentários da guerra enquanto permanecem completamente paradas. Além disso, elas são constantemente informadas sobre as virtudes do inferno e do céu, sendo este último um lugar de fogo e temperatura extrema. Isso, em particular, é feito para impedi-las das loucuras fantasiosas do mundo cotidiano.

No entanto, o enredo do curta-metragem se move rapidamente, quando uma das meninas (que mais tarde é descrita como a malvada pela freira), muda acidentalmente o canal do rádio. O erro inocente muda completamente o ambiente do grupo e as quebra em uma música de dança e emoções.

Há também uma parte específica em Le Pupille, onde as meninas são preparadas para as canções natalinas, e uma das visitantes traz para elas um bolo, feito de 70 ovos (em tempo de guerra). Toda a cena se desenrola de forma inesperada e cria uma espécie de confusão para as freiras, para controlar a visitante.

O que acontece a seguir nessas duas situações é um comentário atrevido sobre os costumes inibidores e sua irônica diligência. Seguido por um cômico e metaclímax, que termina com uma nota doce (literalmente). Em suma, este curta-metragem italiano é um relógio completo, que se destaca em mostrar as diferentes ideias de liberdade.

FIM DOS SPOILERS

O humor é outro elemento forte neste curta-metragem e é usado de forma bastante eficaz. Especialmente na cena em que todas as garotas são obrigadas a limpar a língua com sabão, logo após cantarem a letra da música proibidade do rádio. A coisa toda é hilária porém assustadora, mas transmite a mensagem dos costumes ortodoxos de maneira brilhante.

Le Pupille é um relógio incrível e te enche de emoções. Muitas vezes mistura a luta do mundo real com pitadas de magia ou travessuras. A intenção era ser alegre, ter uma história alegre – e ao mesmo tempo séria. A idéia era ver alegria nas imagens e na forma como contávasse a história. Até por motivo de curiosidade, te conto que Le Pupille foi filmado durante a pandemia, reunindo seus jovens atores após um período de isolamento sem precedentes. Sabendo disso acho que o mais lindo foi ter todas essas meninas juntas. De repente, elas poderiam estar juntas depois de tanto tempo. Por disso, há certos momentos que vão fazer você rir, se divertir e pensar profundamente em tudo ao mesmo tempo.

Rohrwacher diz que queria pegar o gênero de uma história de Natal, que tradicionalmente vem com uma moral ou lição no final, e virar um pouco de cabeça para baixo isso. Ou seja, fato é que a moral dessa história é um pouco bizarra, por um lado, há uma história de Natal e, por outro, muita fantasia e muita imaginação – a minha imaginação e a imaginação do espectador.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Disney+.