Autor: André Garcia

Os anos 80 e 90 foram uma era de ouro dos thrillers de ação de alta octanagem, e essa tradição continua com desenvoltura emocionante em Bagagem de Risco.

Após duas incursões em extravagâncias heróicas (Jungle Cruise, Adão Negro), o diretor Jaume Collet-Serra retorna ao tipo de terreno que cultivou com sucesso com Liam Neeson em Desconhecido e Sem Escalas através desta história rápida e inteligente de um agente de segurança de aeroporto (TSA) que se encontra chantageado por um vilão misterioso para deixar uma bagagem de mão passar pela segurança. Uma engenhoca de gênero mecânico que constantemente cria novas maneiras de manter seu protagonista em uma crise de vida ou morte. Esta oferta vertiginosa da Netflix confirma a vitalidade duradoura de sua fórmula escolhida – e, no processo, prova um inesperado e bem-vindo presente do streaming para o Natal.

Ethan (Taron Egerton) e sua namorada Nora (Sofia Carson) estão prestes a dar as boas-vindas ao primeiro filho. Apesar da empolgação de Ethan com a paternidade iminente, ele está preocupado por não estar pronto para o papel, visto que não passou no exame de admissão para se tornar policial e agora trabalha duro como um humilde agente da TSA de Los Angeles.

Ex-astro do atletismo do ensino médio, Ethan está fugindo de seu sonho ao se manter em um emprego que não gosta – uma situação que é óbvia para todos ao seu redor, incluindo seu chefe Phil (Dean Norris) e seu amigo e colega Jason (Sinqua Walls). Nora, que também trabalha no aeroporto, quer que Ethan dê outra chance às autoridades, o que ele não está disposto a fazer. Ainda assim, ele mostra iniciativa renovada no trabalho na véspera de Natal, convencendo Jason a ceder seu lugar no controle de segurança de bagagem para que Ethan possa demonstrar que está pronto para “acordar” e se comprometer.

Embora pareça um passo encorajador em direção à maturidade, acaba sendo inoportuno. Ao descobrir um fone de ouvido Bluetooth em uma caixa de bagagem, Ethan recebe uma mensagem dizendo-lhe para usá-lo e, quando ele obedece, é informado por um misterioso “passageiro” (Jason Bateman) que ele deve deixar a mala de um passageiro passar pela máquina de raios X sem incidente.

Conforme Ethan descobre, o vilão planejou chantagear Jason. Mesmo assim, o “passageiro” e seu cúmplice técnico- que está em uma van estacionada com o proprietário amarrado do veículo – facilmente mudam de assunto e obtêm informações tremendas sobre Ethan, que usam para pressioná-lo a obedecer. Ethan rapidamente deduz que está sendo vigiado.

O papel de Bateman é um vilão tagarela; sua vontade de conversar com Ethan sobre sua vida, suas falhas e seu futuro são um sintoma de sua crença arrogante de que ele tem tudo sob controle. Isso ele faz, pelo menos no início. No entanto, o roteiro afiado de Fixman logo lança vários problemas em seu esquema aparentemente infalível, começando com o fato de que Ethan está com os nervos em frangalhos. Como o “passageiro” – que afirma não ser um terrorista, mas sim um “facilitador” mercenário de conspirações terroristas – planeja fazer algo terrível, ele não aceitará um não como resposta, e a pressão imediata e perigosa que ele exerce sobre Ethan impulsiona o jovem a tomar medidas drásticas para evitar que as coisas se desfiem completamente.

Bagagem de Risco não divulga imediatamente o conteúdo da bagagem ameaçadora de Bateman nem seu propósito maior. Embora essas respostas eventualmente venham à tona, elas permanecem irrelevantes; O foco de Collet-Serra e Fixman está sempre na situação atual de Ethan e nos meios pelos quais ele escolhe entre opções ruins e piores. A emoção está na mecânica da narrativa, e o filme é um aparato habilmente executado, de modo que cada detalhe inicial é projetado para ter uma função narrativa importante, e até mesmo as reviravoltas mais duvidosas são tratadas com realismo e musculatura suficientes para passar despercebido do nosso detector de besteira. O diretor mantém o ritmo rápido e a atmosfera tensa, e seus visuais brilhantes e sua cinematografia arrebatadora e acelerada contribuem para a ansiedade propulsiva do material.

Enquanto Ethan lida com seu dilema de pesadelo, a policial local Elena Cole (Danielle Deadwyler) lentamente se torna consciente e se envolve no caso, e se ela parece só uma pedaço do enredo, ela é, no entanto, a destinatária da peça central mais vistosa e maluca do filme.

Bagagem de Risco toca como um riff de Duro de Matar 2, no qual o herói não é um policial sarcástico e super-herói que quebra regras, mas um preguiçoso zé ninguém que precisa de um chute na bunda, e Egerton exala a mistura certa de presoderrotismo inabalável e determinação atormentada para manter o filme unido.

Enquanto isso, Bateman canaliza a amoralidade de seu protagonista de Ozark para o “passageiro” frio, calmo e implacavelmente sociopata. Eles formam uma bela dupla de gato e rato, e Deadwyler fornece um apoio colorido e convincente.

Essa última novidade da Collet-Serra é a prova de que, de fato, às vezes os filmes de ação são feitos como antes, e com o mesmo grau de estilo, personalidade e impulso pulsante. Ele não ganhará nenhum prêmio nem quebrará nenhum recorde histórico, mas sua eficiência de bomba-relógio e eletricidade são precisamente as qualidades que faltam em muitos filmes modernos – e que fazem de Bagagem de Risco uma viagem divertida e ousada que vale a pena fazer.

5 pipocas pela emoção e suspense!

 

 

Disponível na Netflix.

Depois das visões comparativamente “normais” de A Favorita e Pobres Criaturas, Yorgos Lanthimos está de volta ao modo provocador. Trabalhando mais no estilo de seus filmes anteriores e mais surreais, como O Lagosta, Dente Canino e O Sacrifício do Cervo Sagrado, o mais recente do cineasta o reúne com Efthimis Filippou, o co-roteirista desses filmes, um estudo sobre as muitas facetas do controle: como afirmamos lutar contra ele, mas muitas vezes voltamos a ele, e com que frequência isso limita nossa capacidade de viver uma vida satisfatória.

Tipos de Gentileza transborda de ideias, dando ao projeto a sensação de três filmes que Lanthimos e Filippou não conseguiram concretizar em longa-metragem. Então, aparentemente, eles decidiram agrupá-los em uma antologia de quase três horas. Conversas sobre o que une os filmes tematicamente podem terminar em frustração. Ainda assim, a única coisa que inegavelmente os une é o domínio do tom de Lanthimos, fazendo outro filme que é alternadamente histérico e aterrorizante, mesmo quando coloca paredes contra a interpretação. A natureza antológica do projeto traz à mente a teoria de que se você tentar fazer dois (ou, neste caso, três) filmes, não estará fazendo um filme coeso. Mesmo assim, a audácia do projeto vence, e um elenco mais uma vez trazendo seu melhor jogo para um diretor que sabe trabalhar com conjuntos.

O primeiro dos três filmes dentro de um filme é divertido até no título: A Morte de R.M.F. Não demora muito para que alguém perceba que as iniciais de alguns personagens poderiam caber naquele monograma e comece a se perguntar a quem ele se refere, mesmo com a introdução de um personagem com elas no peito. Poderia ser ele, mas Lanthimos gosta de nos manter atentos, então não é por acaso que nosso protagonista se chama Robert Fletcher (Jesse Plemons), o lacaio corporativo que segue todas as ordens de seu chefe, Raymond (Willem Dafoe) que é “casado” com Vivian (Margaret Qualley). Como a maioria dos projetos de Lanthimos, o cineasta pega um conceito identificável e o leva a extremos teatrais para defender seu ponto de vista. Você acha que seu chefe está te controlando? Raymond diz a Robert o que fazer em quase todos os minutos de seu dia, incluindo quando comer e quando fazer amor com sua esposa Sarah (Hong Chau). Por causa do impacto que isso teria em seu fluxo de trabalho, ele está até forçando Robert a drogar sua esposa para abortar, para que eles permaneçam sem filhos. No entanto, a última ordem de Raymond – assassinar o homem com as iniciais R.M.F. – finalmente leva nosso protagonista ao limite.

Os problemas começam para Robert quando ele recua no assassinato em primeiro grau, embora Raymond insista que a vítima está disposta a passar por isso sozinha. Quando Robert se defende, sua vida desmorona, levando-o a se preocupar com a possibilidade de ter sido substituído na máquina corporativa e a tentar desesperadamente recuperar seu papel como uma engrenagem dentro dela. Plemons é excelente aqui, transmitindo uma espécie de desespero que vem de adultos que nunca tiveram realmente qualquer controle sobre suas vidas e como mudanças drásticas podem desanimar uma pessoa. Plemons fundamenta a visão de Lanthimos e Filippou em uma espiral emocional identificável, o que ajuda a tornar “A Morte de R.M.F. o mais eficaz dos três capítulos. É também aquele que fundamenta a linha temática: o controle e o que acontece quando o perdemos. Não é por acaso que Robert e Sarah ganharam de presente uma das raquetes de tênis quebradas de John McEnroe e um capacete surrado de Ayrton Senna: relíquias de momentos perdidos de controle.

O tema é expandido (e provavelmente um pouco confuso) no capítulo central, RMF está voando. Plemons retorna em um registro diferente como Daniel, um homem que primeiro parece estar se afogando em tristeza após o desaparecimento de sua esposa (Emma Stone), presumivelmente perdida no mar após um acidente de helicóptero. Sua obsessão em encontrá-la prejudica seu trabalho como policial e suas amizades. No entanto, ele não parece feliz quando ela retorna de repente, convencendo-se rapidamente de que a mulher à sua porta não é realmente a parceira desaparecida. Daniel continua pressionando-a para provar sua identidade e lealdade a ele, levando a um comportamento cada vez mais extremo e horrível. RMF está voando parece o menos tematicamente rico e narrativamente completo dos três filmes, mas Plemons entrega novamente.

Finalmente, há o rico RMF come um sanduíche, que os fãs do filme argumentarão que une tudo sob a bandeira da destruição da autonomia – o chefe controlador no primeiro, o impostor no segundo, e agora um culto que está tentando para reverter a morte no capítulo final. Emily (Stone) e Andrew (Plemons) trabalham para aquele culto dirigido pelo misterioso Omi (Dafoe) e seu parceiro Aka (Chau), tentando encontrar uma mulher desconhecida que possa ressuscitar os mortos. Quando Emily tropeça em uma pessoa que ela viu em seus sonhos chamada Rebecca (Margaret Qualley), ela fica obcecada em provar que ela é a única. Mesmo assim, ela é atraída de volta para a casa que deixou para trás, incluindo uma filha e um marido terrivelmente abusivo (Joe Alwyn). Novamente, os cultos envolvem controle por natureza, e é um playground para Lanthimos ficar tão estranho e perturbador como sempre.

Embora o texto de Tipos de Gentileza seja rico o suficiente para ser descompactado em reflexões e conversas em cafés, há uma sensação de que não houve uma consideração tão cuidadosa de como tudo se interliga como em alguns de seus melhores filmes. Plemons dando não apenas uma, mas pelo menos duas e talvez três das melhores performances do ano ajuda muito a manter Tipos de Gentileza unido. Ainda assim, me perguntei se não havia uma versão deste filme anterior a Lanthimos se tornar um mestre renomado e indicado ao Oscar que pudesse ter sido mais restrita, mais refinada pela natureza de ter uma liberdade criativa um pouco menos completa. Ele conquistou que ninguém tivesse controle sobre ele. E talvez isso seja bom.

Com o Oscar por seus dois últimos filmes e um provável retorno a esse tipo de cinema de prestígio no futuro, Tipos de Gentileza pode, em última análise, ser visto como uma diversão no que suspeito que será uma longa carreira de projetos aclamados.

4 pipocas

 

 

 

Disponível na Disney.

Como sociedade, uma das nossas maiores vergonhas coletivas é, ou deveria ser, a forma como tratamos a cantora.

Amy Winehouse. era um talento resplandecente que parecia surgir do nada das ruelas cockney de Londres, um retrocesso anacrônico aos cantores de jazz dos anos 1950/60. Ela conseguia dobrar e dobrar notas aparentemente sem levar em conta as escalas musicais, e causou uma impressão instantânea com seu penteado em forma de colmeia e delineador exagerado. Amy Winehouse também tinha problemas de abuso de substâncias e turbulências românticas entrelaçadas. Ela se tornou simultaneamente um ícone da cultura pop e uma piada, nos impressionando com uma nova música ou momento de destaque, depois aparecendo com dentes perdidos, novas tatuagens e sapatilhas surradas. Perseguida implacavelmente pelos paparazzi, ela se tornou alvo de capas de tablóides e farpas cômicas noturnas. As pessoas riam abertamente sobre como ela logo apareceria morta. Sou um daqueles que NUNCA riu.

Back to Black, a nova cinebiografia sobre Amy Winehouse, estrelada pela relativamente desconhecida Marisa Abela no papel-título, é um olhar poderoso e doloroso sobre uma alma perturbada cujo talento titânico era tanto sua dádiva quanto seu fardo.

O diretor Sam Taylor-Johnson e o roteirista Matt Greenhalgh, em sua abordagem sensível, mas sóbria, a essa jovem extraordinária, recusam-se a fazer o que fizemos quando Winehouse estava viva: tratá-la como um brinquedo de corda a ser girado para nossa diversão e depois derrubado. Esta cinebiografia foi endossada por seu espólio e inclui os direitos de todas as suas principais canções, incluindo a titular sobre amor e perda. Mas não é uma hagiografia rebuscada que encobre as lutas de saúde mental de Winehouse, o abuso de substâncias e os frequentes episódios de violência doméstica – como abusador, não apenas como vítima.

Tudo começa e termina com a atuação de Abela. Se ela não conseguiu nos convencer a se passar por Winehouse, em sua aparência e som distintos, todo o filme desmorona antes de começar. Felizmente, Abela é uma combinação surpreendentemente próxima, tanto antes quanto depois de Amy adotar o que se tornou seu visual característico. Ainda mais incrível, ela canta todas as músicas de Winehouse com sua própria voz, e eu te desafio a ouvir as gravações originais e dizer facilmente qual é qual. Assim como Winehouse parecia chegar de repente, grande como o dia, Abela se anuncia em uma performance profundamente vivida que nos dá uma visão completa do desespero interior de sua personagem.

A história concentra-se em três dos principais relacionamentos de Winehouse: com seu pai, Mitch (Eddie Marsan), que incutiu nela um profundo amor pelo jazz; com sua amada Nan (Lesley Manville), que foi seu apoio emocional e inspiração de estilo; e com Blake, seu antigo namorado e marido interpretado por Jack O’Conner.

Seu primeiro encontro com Blake é retratado com incrível magnetismo e carisma. Assim que eles aparecem juntos na tela, parece que estão conectados. Um encontro casual em um pub, depois que Winehouse já havia desfrutado de sua primeira fama, ganha ainda mais peso pelo fato de ele não saber quem ela é. Mas é Blake quem apresenta Amy, que já bebia com entusiasmo, às drogas pesadas. A maioria dos filmes desse tipo recorreria a retratá-lo como o bandido que tenta uma estrela em ascensão para prendê-la. Na verdade, ela é a perseguidora ardente, essencialmente jogando de lado a atual namorada de Blake como se fosse palha.Sempre que ele a afasta, ou mesmo tenta conseguir um pequeno espaço para si ao lado dessa pessoa mundialmente famosa, Amy ataca com agressividade – arranhões, socos, chutes. Blake aparece de vez em quando com novos roxos e vergões. Mas ele a perdoa repetidamente e retorna. É um retrato difícil de um lado da violência doméstica sobre o qual a maioria das pessoas nem sequer fala.

Nas últimas partes da história, Amy se torna uma prisioneira virtual em seu apartamento em Londres, com os cães da imprensa circulando continuamente como chacais. Torna-se um ciclo que se autoperpetua: eles atacam a imprensa, trazendo mais controvérsia e problemas com a lei, o que só atrai mais atenção venenosa. Apesar de tudo, Amy continua a criar músicas surpreendentes, com letras que muitas vezes comentam diretamente sobre suas provações e problemas. Ela é tão devotada a Blake e à ideia de eventualmente se tornar esposa e mãe, que não consegue separar sua autoimagem como cantora dessa visão acalentada.

Há quem diga que Back to Black é apenas mais um trabalho simpático e superficial para mais um artista que jogou sua vida fora por causa de desafios que parecem insubstanciais para as pessoas normais. As pessoas anseiam por fama e fortuna como uma droga, mas a Amy Winehouse vista aqui usou drogas para lidar com os efeitos colaterais mortais que surgem ao fazer o que ela mais queria: cantar e ser vista.

5 pipocas!

 

 

Disponível no Prime Video.

O diretor norueguês Benjamin Ree faz documentários convincentes sobre homens que descobriram maneiras incomuns de se expressar e, ao fazê-lo, conseguiram desafiar as suposições de um mundo moderno que é mais rápido do que nunca em julgar as pessoas com base em um único detalhe. Primeiro veio Magnus, o retrato de um excêntrico prodígio do xadrez que aprendeu a canalizar seu carisma através da genialidade de seu jogo. E isso foi seguido por O Pintor e o Ladrão, que conta a história de um criminoso ao longo da vida que passou a se ver sob uma nova luz depois de roubar uma obra de arte do Galleri Nobel de Oslo.

Agora chega A Extraordinária Vida de Ibelin, um tributo inteligente e sincero a alguém que Benjamin Ree conheceu quando criança – antes que a breve existência de Mats Steen fosse definida pela Distrofia Muscular de Duchenne que o privou da chance de encontrar amigos, cair no amor e, de outra forma, causar uma impressão duradoura nas pessoas fora de sua família imediata. Quando Steen, de 25 anos, morreu em 2014, porém, ninguém ficou mais surpreso do que seus pais ao descobrir toda a extensão do legado que seu filho conseguiu deixar para trás. É por isso que ele lhes deixou a senha de seu blog: para que seus pais pudessem postar notícias de sua morte e ver, pela enxurrada de respostas amorosas, que a vida de Mats era muito maior do que eles jamais ousaram imaginar. Era muito maior do que se pensava que seu corpo permitia. É exatamente isso o que vosso crítico entende muito bem, já que sou portador da mesma Distrofia Muscular de Duchenne e tenho a vontade de deixar lembranças positivas em todas a minha volta. Mats, eu e muitos outros também somos preocupados com a nossa marca deixada.

Robert e Trude Steen sabiam que seu filho havia passado mais de 20.000 horas jogando World of Warcraft durante os últimos e mais incapacitantes anos de sua vida (eles sempre o encorajaram a jogar, mesmo porque queriam que seus dias fossem preenchidos com toda a alegria que pudesse encontrar), mas eles não tinham ideia da profundidade dos relacionamentos que Mats estava formando no reino digital de Azeroth, nem nunca lhes ocorreu como esses relacionamentos poderiam se espalhar para a nossa realidade analógica. Foi só depois da morte de Mats que Robert e Trude passaram a apreciar o que o filho havia escrito em seu blog: O computador “não é uma tela, é uma porta de entrada para tudo o que seu coração deseja”.

E esse portal opera em ambas as direções. O que os Steens desejavam após a morte de Mats era uma compreensão mais profunda de quem era seu filho apesar a doença, e o que encontraram em seu disco rígido foram 42.000 páginas de texto no jogo que contavam efetivamente a história de como Mats passou os últimos 10 anos. anos de sua vida.

Nomeado em homenagem ao querido detetive particular que Mats encarnou sempre que pisou em Azeroth, e contando com animação pixelada que emula com precisão os gráficos daquele mundo do jogo (embora com modelos de personagens muito mais expressivos), A Extraordinária Vida de Ibelin recria os principais momentos dessa história com uma urgência emocional que lhes permite parecer episódios de um livro de memórias, em vez de trechos de antigas transmissões do Twitch. Atores parecidos foram contratados para dar vida ao diálogo, mas cada fala foi retirada literalmente dos dados dos bate-papos de texto de Mats.

Vemos Ibelin – um loiro corpulento e alegre que lembra um cruzamento desfiado entre Boromir e Gaston, mesmo exalando uma gentileza estranha a ambos os personagens – correr pelas florestas só porque pode, beber cerveja falsa com um de seus amigos anões , e se tornou famoso no servidor pela empatia que demonstrou com as outras pessoas de sua guilda. Nós até o vemos se apaixonar por uma ladino atrevida chamada Rumour, e interagir de forma significativa com a garota que a controla. Esta foi uma vida, insiste o filme; uma vida que era em muitos aspectos mais real para Mats do que aquele em que ele morava em casa, onde eram necessários até 11 assistentes em tempo integral para auxiliá-lo nas funções básicas e monitorar sua saúde (o que pode explicar como Ree conseguiu reunir tantas imagens de Mats jogando World of Warcraft em seu quarto).

É um argumento bonito e convincente também. Ree dedicou sua carreira a ilustrar a natureza infinitamente polifônica da comunicação humana, e foi apenas uma questão de tempo até que esse tema o levasse ao mundo digital. Na mesma linha, faz sentido que tenha levado Ree a este reino digital, já que The World of Warcraft – especial por sua ênfase na comunidade e na profundidade de sua base de usuários – é tão emocionalmente legível quanto qualquer hub online que existe. Embora centenas de ataques e outros enfeites certamente tenham sido deixados na sala de edição, A Extraordinária Vida de Ibelin evita qualquer “jogo” evidente em favor de observar seus personagens parados e emocionados, uma decisão que recompensa os vários desvios de ação ao vivo que exploram o impacto no mundo real da amizade virtual de Mats.

Uma subtrama sobre uma personagem chamada Reina tipifica os interesses do filme: ao saber que ela está lutando para se envolver com seu filho autista, Mikkel, Ibelin sugere que eles se conectem por meio de jogos. Livre das hipersensibilidades que podem isolá-lo no “mundo real”, Mikkel se sente confortável em abraçar sua mãe pela primeira vez (ou em ter seu avatar abraçando o avatar de sua mãe, pelo menos) e em expressar seu amor por ela de uma forma que ela sabe como recebê-lo. Quando a condição de Mats piora e Ibelin fica distante de sua guilda e ausente de Azeroth por longos períodos de tempo, e é Reina quem suspeita que isso possa ter algo a ver com seu corpo. Outra subtrama marcante é o relacionamento que ele constrói com Rumour, a Lisette, a primeira e única paixão dele por anos e que nunca ficou ciente disso.

São coisas comoventes, e os vídeos caseiros que Ree usa para contextualizar os longos segmentos animados – a maior parte deles inseridos no início e no final do filme são tão dolorosamente agridoces quanto você poderia esperar de imagens filmadas por pessoas que assumiram isso. seria o único arquivo da memória de seu filho. Não há um pai nesta Terra que não estremeça de simpatia por algumas dessas fitas, mesmo a mais feliz das quais forçou Robert e Trude a confrontar as evidências da deterioração de seu filho, e não há dúvida em nossas mentes que Mats significava muito para eles.

No entanto, como foi o caso de O Pintor e o Ladrão, A Extraordinária Vida de Ibelin encontra Ree amplamente exultante com as circunstâncias de sua história – por mais notáveis ​​que sejam – em detrimento de investigá-las em busca de verdades mais profundas. O filme está determinado a provar que as pessoas podem interagir significativamente com o mundo de várias maneiras, agora mais do que nunca, e atinge esse objetivo com clareza real e rara força emocional (a última cena é o tipo de soco no estômago que dói de tão bom).

Mas, ao fazer isso, Ree tende a ver Mats como seu próprio avatar; menos como uma pessoa por direito próprio do que como uma extensão da história que o cineasta o usa para contar. Embora isso não torne este documentário explorador ou insincero, especialmente porque os Steens sentem uma alegria palpável em celebrar seu filho, limita a curiosidade do filme no alter ego de Mats ao mesmo nível inicial de surpresa que seus pais sentiram. ao descobri-lo. Seus blogs e façanhas virtuais são amplamente usados ​​para estabelecer Mats como um garoto deficiente, inteligente, mas resignado, que encontrou uma saída milagrosa para sua humanidade reprimida, com momentos de maiores nuances ocorrendo de vez em quando.

O resto do filme é igualmente longo em graça e leve em detalhes, enquanto A Extraordinária Vida de Ibelin flerta com todos os tipos de ideias fascinantes (nenhuma mais relevante ou madura para ser explorada do que a noção arquivística de vidas digitais semeando legados digitais), mas explorar tais caminhos de uma forma mais explícita pode diluir o impacto emocional bruto de ver os mundos virtual e material de Mats colidirem em seu funeral. Felizmente, esse impacto deixa uma marca digna do tema do filme. O documentário de Ree antecipa um futuro em que muitos de nós lamentaremos pessoas que nunca “conhecemos” num sentido mais tradicional (e talvez já obsoleto), quer vivam nas nossas próprias casas ou em vários países de distância. E agora – para milhões de assinantes da Netflix em todo o mundo – Mats Steen será definitivamente um deles.

5 pipocas!

 

 

Disponível na Netflix.