A tremenda estreia da diretora e roteirista coreano-canadense Celine Song conta a comovente história de namorados de infância separados pelo destino e por milhares de quilômetros.
Esta estreia extremamente confiante da escritora e diretora coreano-canadense Celine Song é uma joia de arrepiar – uma história de encontros não tão breves entre almas infelizes, vividos ao longo de um período de 24 anos. Combinando o anseio doloroso de Amor à Flor da Pele, de Wong Kar-Wai, com a intimidade casual da trilogia Antes da Meia-Noite, de Richard Linklater, ele pinta um quadro de afeto não resolvido tão delicado quanto profundo, entrelaçando temas atemporais de destino e providência com aspectos mais divertidos. reflexões práticas sobre o acaso e a mudança de identidade. O resultado é, que tem um pé na Coreia do Sul e outro na América do Norte, às vezes parece um mashup impossível de Retour à Séoul, de Davy Chou, e Sintonia de Amor, de Nora Ephron, permeado por uma melancolia estóica que lembra as cenas finais de Era uma Vez em Tóquio de Yasujiro Ozu.
Abrimos em um bar de Nova York, onde um cliente invisível pergunta: “Quem você acha que eles são um para o outro?” A câmera de 35mm do diretor de fotografia Shabier Kirchner olha em plano geral para um trio de clientes – o sul-coreano Hae Sung (Teo Yoo), a migrante coreano-canadense Nora (Greta Lee) e o judeu americano Arthur (John Magaro) – e a voz sem rosto “não tem ideia”. ” como eles podem estar relacionados, seja como irmãos, colegas ou amantes.
A partir daqui voltamos 24 anos até Seul, onde as amigas de escola Na Young (nome original de Nora) e Hae Sung têm uma conexão competitiva. “Ele é viril”, ela declara, “provavelmente me casarei com ele”. Mas seus pais artísticos têm outros planos, emigrando para Toronto, separando assim os futuros namorados.
Doze anos depois, a dupla se reencontra virtualmente via Facebook e Skype, compartilhando conversas problemáticas conduzidas em fins opostos do dia, em lados opostos do mundo. Ele cumpriu o serviço militar e está estudando engenharia, enquanto ela se tornou dramaturga. Juntos, eles conversam sobre tudo e nada – o filme Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças; quão próximos eles eram quando crianças; como ele a confortaria quando ela chorasse. Agora em Nova Iorque, ela parou de chorar, em parte porque “ninguém se importava” e em parte porque já não é a pessoa que costumava ser, tendo-se reinventado num tempo diferente, numa cultura diferente.
Quando o conceito coreano de in-yun (uma conexão pessoal que transcende vidas) é explicitamente invocado e discutido, Vidas Passadas parece destinado a se tornar um romance tradicional “feito um para o outro” com um toque familiar de triângulo amoroso. No entanto, Song está mais interessada em explorar como as pessoas mudam mais separadas do que quando permanecem juntas – a identidade é definida tanto por onde estamos agora como por quem éramos antes. Não é por acaso que quando o título do filme aparece na tela, as duas palavras “Passado” e “Vidas” ficam separadas por um grande espaço. Juntas, essas palavras significam uma coisa; separados, eles implicam outro.
Um novo salto de 12 anos traz-nos de volta a essa barra, revisitando a cena de abertura de uma perspectiva diferente – ou, mais precisamente, de três perspectivas diferentes. “Éramos apenas bebês naquela época”, Nora disse a Hae Sung na sombra da ponte do Brooklyn. “Não somos mais bebês.” Mais tarde, com um toque diaspórico que é ao mesmo tempo humorístico e comovente, ela observa que Hae Sung é “tão coreano. Eu não me sinto tão coreana quando estou com ele. Mas também sou coreana…”
Há algo de impressionante na facilidade enganosa com que a primeira incursão cinematográfica de Song concilia o metafísico e o prosaico, evocando um mundo em que cada decisão tem poder transformador, e os conceitos de amor e amizade são ao mesmo tempo misteriosamente maleáveis, mas estranhamente inevitáveis. . Song pode ter sido anteriormente mais conhecida como dramaturga, mas com base nisso ela tem uma brilhante carreira no cinema pela frente.
Aplausos ao elenco principal, que faz um trabalho milagroso ao retratar o conflito interno e o êxtase com uma simples inclinação de cabeça ou um movimento sutil de ombro. A música sublimemente discreta de Christopher Bear e Daniel Rossen completa o quadro perfeito, situado em algum lugar entre os temas líricos do piano da trilha sonora de Drive My Car de Eiko Ishibashi e a estranheza arrebatadora do trabalho de Jon Brion em Punch-Drunk Love, repleto de tentativas de descoberta, possibilidades mágicas e (o mais importante) a pontada agridoce da verdade.
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