A 97ª edição do Oscar, que aconteceu no último domingo, 02 de Março, teve de tudo para ser quase perfeito e foi – mas faltou (já te conto o motivo). Todas as primeiras vezes aconteceram: Conan O’Brien foi o anfitrião, a Repúplica Dominicana ganhou pela 1ª vez com Zoë Saldaña na categoria Atriz Coadjuvante, um negro ganhou ganhou pela 1ª vez com Paul Tazewell por Wicked na categoria Figurino, a Letônia ganhou pela 1ª vez com Flow na categoria Melhor Animação, o Irã ganhou pela 1ª vez com Shirin Sohani e Hossein Molayemi por In the Shadow of the Cypress na categoria Melhor Animação em Curta-Metragem, Israel e a Palestina ganharam pela 1ª vez em conjunto com Yuval Abraham e Basel Adra na categoria Melhor Documentário e o Brasil ganhou pela 1ª vez com Ainda Estou Aqui na categoria Melhor Filme Internacional. Mas, no fim a Academia decepcionou todo mundo como tem decepcionado nos últimos anos.

Conan O’Brien começo muito bem na posição de anfitrião fazendo piadas apropriadas no timing certe, sem exagerar e aproveitou para alfinetar Karla Sofía Gascón de Emilia Pérez soltando “cuidado com o que vai tuitar, hein” e assim acredito que conquistou a vaga para o próximo ano. Zoë Saldaña botou Donald Trump no lugar ao dizer, em seu discurso caloroso, “eu sou uma filha orgulhosa de pais imigrantes trabalhadores com sonhos e dignidade”. Shirin Sohani e Hossein Molayemi, os iranianos de In the Shadow of the Cypress falaram, sem querer, das dificuldades de entrar nos Estados Unidos pelo “mal e velho” preconceito ao afirmar “nós só conseguimos entrar em Los Angeles há 3 horas por problemas no visto” e Yuval Abraham e Basel Adra demonstraram, em um dos momentos mais emocionantes, como os citados acima, que a indiferença e a Guerra pode acabar SIM, se em Israel-Palestina e em qualquer lugar, todos perceberem que a união faz a força.

Já a nossa vitória, que maravilha! Ainda Estou Aqui ganha o Oscar de melhor filme internacional, tornando-se o primeiro filme brasileiro a fazê-lo. O filme teve que superar uma escalação que incluía a história de crime real dinamarquesa A Garota da Agulha, o drama jurídico ambientado no Irã A Semente do Fruto Sagrado e o musical de gangster trans Emilia Pérez, que era o grande favorito para o prêmio. Salles já foi indicado nesta categoria por seu drama de 1998, Central do Brasil, mas foi preterido em favor da comédia italiana sobre o Holocausto, A Vida é Bela. Ainda Estou Aqui ganhou uma série de prêmios, incluindo melhor roteiro no festival de cinema de Veneza e o prêmio do público em Roterdã. Ainda Estou Aqui teoricamente se beneficiou das dificuldades enfrentadas por Emilia Pérez — quando as indicações ao Oscar foram anunciadas, o último filme liderou o campo, mas sua campanha de premiação foi abalada depois que postagens preconceituosas foram descobertas no feed de mídia social de Karla Sofía Gascón, junto com reclamações sobre a representação do México e sua história. Mas isso nunca importou porque a qualidade do nosso longa pode ser vista com os próprios olhos.

Só que na última hora, no apagar das luzes, nas categorias Melhor Atriz e Melhor Filme, jogaram tudo no ventilador. Mikey Madison por Anora e o filme, respectivamente, venceram mas…por qual motivo? O de sempre. A Substância explica uma parte. Temos Fernanda Torres e Demi Moore as duas mais prováveis de levar a estatueta, mais de 50 anos e Mikey Madison nos 20 e poucos. Já no caso de Torres: uma latina-americana vs uma americana, branquinha que só ela… Outra possível vencedora pra mim, Cynthia Erivo por Wicked, mais completa impossível, cantando-dançando-atuando, mas por acaso do destino, negra. Nem preciso explicar. Já em Melhor Filme mais bunda do que enredo, ENTÃO, o que os votantes da Academia preferem a todos os ótimos filmes? Anora.

Desculpem o desabafo.

Enfim, GANHAMOS, ZORRA!

Confira abaixo a lista completa dos vencedores.

Melhor Filme

Anora (VENCEDOR)
O Brutalista
Um Completo Desconhecido
Conclave
Duna – Parte 2
Emilia Pérez
Ainda Estou Aqui
Nickel Boys
A Substância
Wicked

Melhor Atriz

Fernanda Torres – Ainda Estou Aqui
Mikey Madison – Anora (VENCEDOR)
Demi Moore – A Substância
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Cynthia Erivo – Wicked

Melhor Filme Internacional

Ainda Estou Aqui – Brasil (VENCEDOR)
The Girl With The Needle – Dinamarca
Emília Perez – França
The Seed of the Sacred Fig – Alemanha
Flow – Letônia

Melhor Ator

Adrien Brody – O Brutalista (VENCEDOR)
Timothée Chalamet – Um Completo Desconhecido
Colman Domingo – Sing Sing
Ralph Fiennes – Conclave
Sebastian Stan – O Aprendiz

Melhor Direção

Sean Baker – Anora (VENCEDOR)
Brady Cobert – O Brutalista
James Mangold – Um Completo Desconhecido
Jacques Audiard – Emilia Pérez
Coralie Fargeat – A Substância

Ator Coadjuvante

Yura Borisov – Anora
Kieran Culkin – A Verdadeira Dor (VENCEDOR)
Edward Norton – Um Completo Desconhecido
Guy Pierce – O Brutalista
Jeremy Strong – O Aprendiz

Atriz Coadjuvante

Monica Barbaro – Um Completo Desconhecido
Ariana Grande – Wicked
Felicity Jones – O Brutalista
Isabella Rossellini – Conclave
Zoe Saldaña – Emilia Pérez (VENCEDOR)

Melhor Animação

Flow (VENCEDOR)
DivertidaMente 2
Memoir of a Snail
Wallace e Gromit: Vengeance Most Fowl
O Robô Selvagem

Melhor Animação em Curta-Metragem

Beautiful Men
In the Shadow of the Cypress (VENCEDOR)
Magic Candies
Wander to Wonder
Yuck!

Figurino

Um Completo Desconhecido
Conclave
Gladiador 2
Nosferatu
Wicked (VENCEDOR)

Roteiro original

Anora (VENCEDOR)
O Brutalista
A Verdadeira Dor
A Substância
September 5

Roteiro adaptado

Um Completo Desconhecido
Conclave (VENCEDOR)
Emilia Pérez
Nickel Boys
Sing Sing

Maquiagem e cabelo

Um homem diferente
Emilia Pérez
Nosferatu
A Substância (VENCEDOR)
Wicked

Melhor Edição

Anora (VENCEDOR)
O Brutalista
Conclave
Emilia Pérez
Wicked

Melhor Design de Produção

O Brutalista
Conclave
Duna: Parte 2
Nosferatu
Wicked (VENCEDOR)

Melhor Canção Original

El Mal – Emilia Pérez (VENCEDOR)
The Journey – The Six Triple Eight
Like a Bird – Sing Sing
Mi Camino – Emilia Pérez
Never Too Late – Elton John: Never Too Late

Melhor Documentário de Curta-Metragem

Death By Numbers
I am Ready, Warden
Incident
Instruments of a Beating Heart
The Only Girl in the Orchestra (VENCEDOR)

Melhor Documentário

Black Box Diaries
No Other Land (VENCEDOR)
Porcelain War
Soundtrack to A Coup D’Etat
Sugarcane

Melhor Som

Um Completo Desconhecido
Duna: Parte 2 (VENCEDOR)
Emilia Pérez
Wicked

Melhores Efeitos Visuais

Alien: Romulus
Better Man
Duna: Parte 2 (VENCEDOR)
O Reino do Planeta dos Macacos
Wicked

Melhor Curta-Metragem em Live-Action

A Lien
Anuja
I’m Not a Robot (VENCEDOR)
The Last Ranger
The Man Who Could Not Remain Silent

Melhor Fotografia

O Brutalista (VENCEDOR)
Duna: Parte 2
Emilia Pérez
Maria
Nosferatu

Trilha original

O Brutalista (VENCEDOR)
Conclave
Emilia Pérez
Wicked
O robô selvagem

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‘Uma pobre garota em um sótão, um monstro com um bom coração, um príncipe covarde e uma vilã em uma loja de doces.’ O fantástico drama policial verdadeiro de Magnus von Horn é apenas uma casa de biscoitos de gengibre ou um lobo em um xale, sem ser qualificado como uma história dos irmãos Grimm. E como a maçã da bruxa, ela contém veneno.

A cooptação desses personagens de contos de fadas pelo diretor sueco-polonês é um caminho engenhoso para eventos extremamente sombrios que ocorreram na Copenhague pós-Grande Guerra. Como o Labirinto do Fauno com um toque noir nórdico, esse toque de fantástico torna sua revelação chocante um pouco mais palatável. Ainda assim, sua jovem protagonista – a bonita, experiente e esforçada costureira Karoline (Vic Carmen Sonne de Godland) – se depara com um crime tão monstruoso que o diretor faz bem em encontrar uma maneira elegante de retratá-lo.

As circunstâncias iniciais de Karoline são terríveis: a guerra está chegando ao fim e seu marido, Peter (Besir Zeciri), está desaparecido há um ano, presumivelmente morto em combate. (Não está claro por quem ele tem lutado: outra cena deixa claro a neutralidade da Dinamarca durante a guerra.) Sem provas concretas da sua morte, Karoline não se qualifica para uma pensão militar. Então Jørgen (Joachim Fjelstrup), o dono de sua fábrica – e o príncipe covarde desta fábula – oferece a ela o tipo de ombro para se apoiar que resulta em gravidez. O retorno repentino de Peter, com uma mutilação facial escondida atrás de uma máscara, fornece o monstro de coração terno da história.

Abandonando Peter, depois abandonada por Jørgen e deixada sem um tostão, Karoline cai na órbita da confeiteira maternal Dagmar Overbye (Trine Dyrholm), que se oferece para encontrar um lar adotivo para seu bebê. A partir daí, ela desaparece em um novo tipo de inferno.

A excelente Vic Carmen Sonne ancora o filme com uma atuação cheia de desespero inquieto, irreverência alegre e moralidade frágil. Karoline não é uma pessoa má, apenas uma sobrevivente que bate na porta errada.

Filmado em preto e branco de baixo contraste, A Garota da Agulha ou The Girl With the Needle também é um trabalho visualmente impressionante. Ele tira um chapéu para M de Fritz Lang, bem como para seus colegas expressionistas alemães Robert Weine e FW Murnau (há também referência aos primeiros trabalhadores silenciosos dos irmãos Lumière deixando a fábrica Lumière para os trainspotters na plateia). Seus quadros de abertura, um borrão de rostos desencarnados dispostos em camadas para criar uma confusão de humanidade, apresentam uma visão de pesadelo de uma Europa do pós-guerra que é toda fraturada e caos espiritual.

Esta peça de época oferece um tipo muito diferente de odisseia feminina através de um mundo solitário e ameaçador. O resultado é angustiante, mas realmente impressionante. O que deu ao filme a grande indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional – e concorrente direto com Ainda Estou Aqui.

4 pipocas!

Disponível no canal por assinatura do MUBI dentro do Prime ou pra alugar por 14,99 ou comprar por 39,99.

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Star Wars sempre foi, em algum nível, para crianças. Isso não é condescendência nem crítica: George Lucas criou um conto de fadas fanfarrão ambientado no espaço, e seu manto foi assumido por sucessivas gerações de cineastas que o encontraram em uma idade de formação. Mas, com exceção de A Ameaça Fantasma, as histórias de Guerra nas Estrelas raramente são sobre crianças. Essa é a proposta de valor de Skeleton Crew, a mais recente série de TV de uma franquia que agora existe em grande parte na telinha. De certa forma, é também o mais fiel ao DNA da saga – ou pelo menos a uma linhagem particular dela.

Embora Star Wars não tenha entregue um blockbuster no multiplex desde 2019, a Lucasfilm manteve um fluxo constante de lançamentos no Disney+. Esses projetos têm qualidade variável, de Andor no topo de gama a Obi-Wan Kenobi na prateleira das lembranças por mérito, mas também tiveram o efeito de isolar certos elementos da gestalt de Guerra nas Estrelas. Um filme de quatro quadrantes deve agradar a todos, o que Star Wars sempre atraiu, por ser em parte fantasia, em parte épico militar, em parte romance e em parte sobre amadurecimento. As séries podem ser mais direcionadas, e têm sido: Andor é um drama político adulto, sem cheiro de sobrenatural; O Mandaloriano é um neo-ocidental; O Livro de Boba Feet é a Odisséia dos criminosos; Ahsoka é uma ode aos Jedi e The Acolyte, que foi cancelado após ir ao ar uma única temporada no início deste ano, focou puramente nos Jedi como místicos bruxos. A força de Star Wars em sua forma atual é que ele é uma grande tenda, contendo todos esses gêneros e tons com pouca contradição aparente.

Skeleton Crew, então, é uma aventura infantil puramente nostálgica – um caminho lógico para Star Wars seguir, dada sua própria história e o enorme sucesso de Stranger Things. Se Skeleton Crew às vezes pode mostrar sinais de engenharia reversa tão friamente racional, o charme de seu elenco e seu contagiante senso de admiração contribuem muito para vender o empreendimento. A mineração moderna, à qual os co-criadores Jon Watts e Christopher Ford (ambos de Homem-Aranha: De Volta ao Lar) não são estranhos, é um exercício para crianças adultas brincarem com brinquedos de segunda mão; há algo revigorante em ver esse processo literalizado em uma criança correndo loucamente em uma nave espacial.

Embora um rastreamento de texto e uma abertura fria estabeleçam que Skeleton Crew ocorre em meio a uma onda de pirataria espacial na era pós-Retorno dos Jedi, pré-O Despertar da Força da Nova República, Skeleton Crew nos coloca na perspectiva de Wim (Ravi Cabot-Conyers), um garoto que prefere brincar com sabres de luz imaginários com seu amigo Neel (Robert Timothy Smith, ostentando uma adorável cabeça de elefante) do que estudar para uma prova. Wim e seu pai viúvo, Wendle (Tunde Adebimpe), vivem em Attin, um planeta suspeitamente utópico que isola seus jovens cidadãos em planos de carreira para ajudar no “grande trabalho” de construção do Estado pós-Império – mas não permite que nenhuma nave estelar o faça. entrar ou sair do seu espaço aéreo rigorosamente guardado. É também o nosso primeiro vislumbre da versão Star Wars de um idílio suburbano, que é bastante divertido de se ver (é como imagino o futuro desde criança).

Essa reclusão explica por que Wim confunde uma nave encalhada com um templo Jedi perdido, e como ele acaba encalhado muito, muito longe de casa com Neel e dois aliados: a arrogante moleca Fern (Ryan Kiera Armstrong) e o gênio da tecnologia KB (Kyriana Kratter, ostentando um capacete estilo Ciclope). O entusiasmo de Wim é um ponto de entrada identificável; quem ainda não se interessou pela tradição Jedi naquela idade ou desejou poder fazer parte dela? Mas Armstrong interpreta Fern, mais inteligente e menos ingênua, como um pouco mais de dureza, embora todas as quatro crianças estejam perdidas quando o andróide com defeito da nave, SM-33 (Nick Frost) os leva direto para um covil de piratas.

Lá, eles encontram a maior estrela deste canto da galáxia: um certo Jude Law, cujo personagem se apresenta como um aparente usuário da Força chamado Jod Na Nawood. Como em Attin, há claramente mais coisas acontecendo com Jod do que ele aparenta, e é maravilhoso ver Law deixar sua máscara deslizar para a alegria caddish que marca um de seus trejeitos mais divertidos. Além disso, seu poder estelar coletivo é igualado atrás das câmeras: Watts comanda o piloto, enquanto David Lowery (The Green Knight), The Daniels (Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo) e Lee Isaac Chung (Twisters) assumem pelo menos um episódio cada.

Nos três episódios exibidos para a crítica, Skeleton Crew nunca transmite uma sensação de riscos galácticos ou perigo fatal – um alívio, dada a idade de seus protagonistas e os retornos decrescentes de sempre salvar o mundo. Nem há uma conexão explícita com histórias mais conhecidas de Star Wars, embora uma provavelmente surja mais tarde na temporada de oito episódios (ainda estou gemendo com a cena final de Yoda em The Acolyte, especialmente porque acabou terminando a série.) Há um limite para as ambições de um programa que segue seu manual do estilo Goonies e mantém as coisas tão leves; Skeleton Crew leva Star Wars a novos lugares apenas no sentido literal. Mas o programa é capaz de cumprir seu objetivo limitado e fazer um programa de Guerra nas Estrelas que está realmente enraizado na infância, em vez de evocar memórias próprias.

5 pipocas!

Disponível na Disney+.

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Aqui está A série de TV da temporada. Você assiste Disclaimer no Apple TV +, pensando que aconteceu algum tipo de milagre. E você tem, tamanho é o impacto permanente causado por Alfonso Cuarón, duas vezes vencedor do Oscar (Gravidade e Roma), ao dirigir um elenco de sonho em um thriller psicológico em 7 partes que transborda suspense, calor sexual e gravidade chocante.

O material de origem é um romance de estreia de Renée Knight, de 2015, que leva tempo construindo uma armadilha da qual você não vai querer escapar. Você pode pensar que está um passo à frente do roteiro escrito por Cuarón, que dirigiu todos os sete episódios. Mas você estaria errado. Cuarón nunca para de surpreender.

Cate Blanchett é a perfeição como Catherine Ravenscroft, uma documentarista que volta para casa, para o elegante apartamento de Londres que divide com seu pedante marido Robert (Sacha Baron Cohen). Tendo acabado de receber um prêmio de prestígio, Catherine está em alta.

Então ka-bum! O que é esse romance, “The Perfect Stranger”, que aparece misteriosamente ao lado de sua cama? Depois de ler algumas páginas, Catherine percebe que a história é sobre ela e o segredo vergonhoso que ela guarda há mais de 20 anos. E o aviso habitual foi alterado para: “Qualquer semelhança com pessoas vivas ou mortas NÃO é uma coincidência.”

Quando Catherine descobre que uma cópia do livro autopublicado também foi enviada para seu filho vendedor de eletrodomésticos, Nicholas (Kodi Smit-McPhee) – uma amarga decepção para seus pais esnobes – ela sai em busca do autor do livro que quer arruinar sua carreira.

A busca por respostas leva Catherine ao grisalho e amargurado professor aposentado Stephen Brigstock, interpretado por Kevin Kline, que é digno de um Emmy e se destaca como um idiota Dickensiano escondido atrás da máscara da velhice que o torna invisível.

Acontece que o livro foi realmente escrito pela falecida esposa de Stephen, Nancy (Lesley Manville superando sua magnificência habitual) como vingança contra Catherine por seduzir seu filho, Jonathan (Jonathan Partridge), que morreu acidentalmente tentando salvar o filho de Catherine do afogamento.

Fim da história? Nem de longe. A série é repleta de flashbacks não confiáveis ​​de pontos de vista alternativos que escondem a verdade com a mesma frequência que a revelam. Cuaron nos provoca com pistas que não levam a lugar nenhum, especialmente em flashbacks eróticos que mostram a jovem Catherine, interpretada com erotismo ardente pela sensacional Leila George cujas cenas com Partridge chamuscam a tela.

Mas nada em Disclaimer é o que parece. Sem spoilers, exceto para prestar atenção às primeiras palavras de Catherine ao receber seu prêmio: “Cuidado com a narrativa e a forma. Seu poder pode nos aproximar da verdade. Mas também podem ser uma arma com grande poder de manipulação.”

Eu direi. Disclaimer foi interpretado, escrito, dirigido e editado de forma deslumbrante como uma coleção de peças de um quebra-cabeça que só se interligam quando Cuarón está pronto para baixar o boom. E a beleza das imagens, captadas com olhar de poeta por Emmanuel Lubezki (Birdman ou A Inesperada Virtude da Ignorância) e Bruno Delbonnel (O Fabuloso Destino de Amélie Poulain), consegue deslumbrar e distrair com uma habilidade perversa que beira a magia negra.

OK, você pode mergulhar em Disclaimer já que a ousadia visionária de Cuarón criou um mundo no qual nos perdemos um poucos e mas no caminho, um mapa aparece para encontrarmos uma maneira de compreender o todo.

5 pipocas!

Disponível no Apple TV +.

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Depois de a Academia de Ciência e Artes Cinematográficas de Hollywood adiar 2 vezes o anúncio das indicações do Oscar 2025, por causa dos grandes incêndios que atingiram a região de Los Angeles, nos Estados Unidos, a lista finalmente saiu hoje, 23 de Janeiro e para nós, o Brasil, a coisa foi histórica e trouxe sorrisos aos rostos tupiniquins.

Pra você que acha o cinema brasileiro não nos leva a lugar nenhum artisticamente, pense melhor. Se você escolher bem o que ver – não sendo as comédias pastelões de você já sabe qual emissora produzindo ou os épicos religiosos de você sabe qual outra emissora, encontrará grandes obras que já receberam ótimas críticas no centro mundial do cinema que é Hollywood.

Mas falando em Oscar especificamente lembremos que, o Brasil já tinha sido indicado a prêmios do Oscar em 13 cerimônias, considerando filmes nacionais e coproduções com outros países. Foram várias categorias, mas nunca ganhamos uma estatueta. Na categoria Melhor Filme Internacional, o Brasil agora tem cinco indicações: “O pagador de promessas”, em 1963; “O quatrilho”, em 1996; “O que é isso, companheiro?”, em 1998; “Central do Brasil”, em 1999; e agora, regozijem-se ao saber, “Ainda estou aqui”, em 2025.

Sim, é exatamente o que você leu. “Ainda estou aqui” foi indicado à principal categoria do Oscar 2025, de Melhor Filme, nesta quinta-feira (23). É a primeira vez na história que um filme brasileiro disputa a maior categoria do Oscar. A produção também tem outras duas indicações: Filme Internacional e Melhor Atriz (Fernanda Torres).

Emília Pérez liderou as indicações com 13 nomeações, seguido por O Brutalista e Wicked, que receberam 10 cada. O Conclave e Um Completo Desconhecido também conquistaram um bom número de indicações, oito.

O Oscar 2025 acontece em 2 de março em Los Angeles, com apresentação de Conan O’Brien.

Melhor Ator Coadjuvante

Yura Borisov, por “Anora”
Kieran Culkin, “A Verdadeira Dor”
Edward Norton, “Um Completo Desconhecido”
Guy Pearce, de “O Brutalista”
Jeremy Strong, de “O Aprendiz”

Melhor Figurino

“Um Completo Desconhecido”
“Conclave“
“Gladiador II”
“Nosferatu”
“Wicked”

Melhor Cabelo e Maquiagem

“Um Homem Diferente”
“Emilia Pérez”
“Nosferatu”
“A Substância”

Melhor Trilha Sonora Original

“O Brutalista”
“Conclave”
“Emilia Pérez”
“Wicked”
“Robô Selvagem”

Melhor Curta-Metragem em Live-Action

“A Lien”
“Anuja”
“I’m Not a Robot”
“The Last Ranger”
“The Man Who Could Not Remain Silent”

Melhor Animação em Curta-Metragem

“Beautiful Men”
“In the Shadow of the Cypress”
“Magic Candies”
“Wander to Wonder”
“Yuck!”

Melhor Roteiro Original

“Anora”
“O Brutalista”
“A Verdadeira Dor”
“A Substância”
“September 5”

Melhor Roteiro Adaptado

“Um Completo Desconhecido”
“Conclave”
“Emilia Pérez”
“Nickel Boys”
“Sing Sing”

Melhor Atriz Coadjuvante

Monica Barbaro, por “Um Completo Desconhecido”
Ariana Grande, por “Wicked”
Felicity Jones, por “O Brutalista”
Isabella Rossellini, por “Conclave”
Zoe Saldaña, por “Emilia Pérez”

Melhor Canção Original

“El Mal”, de “Emilia Pérez”
“The Journey”, de “The Six Triple Eight”
“Like a Bird”, de “Sing Sing”
“Mi Camino”, de “Emilia Pérez”
“Never Too Late”, de “Elton John: Never Too Late”

Melhor Documentário

“Black Box Diaries”
“No Other Land”
“Porcelain War”
“Soundtrack to A Coup D’Etat”
“Sugarcane”

Melhor Documentário de Curta-Metragem

“Death By Numbers”
“I am Ready, Warden”
“Incident”
“Instruments of a Beating Heart”
“The Only Girl in the Orchestra”

Melhor Filme Internacional

“Ainda Estou Aqui”
“The Girl with the Needle”
“Emilia Pérez”
“The Seed of the Sacred Fig”
“Flow”

Melhor Animação

“Flow”
“DivertidaMente 2”
“Memoir of a Snail”
“Wallace e Gromit: Vengeance Most Fowl”
“O Robô Selvagem”

Melhor Design de Produção

“O Brutalista”
“Conclave”
“Duna: Parte 2”
“Nosferatu”
“Wicked”

Melhor Edição

“Anora”
“O Brutalista”
“Conclave”
“Emilia Pérez”
“Wicked”

Melhor Som

“Um Completo Desconhecido”
“Duna: Parte 2”
“Emilia Pérez”
“Wicked”

Melhores Efeitos Visuais

“Alien: Romulus”
“Better Man”
“Duna: Parte 2”
“O Reino do Planeta dos Macacos”
“Wicked”

Melhor Fotografia

“O Brutalista”
“Duna: Parte 2”
“Emilia Pérez”
“Maria”
“Nosferatu”

Melhor Ator

Adrien Brody, por “O Brutalista”
Timothée Chalamet, por “Um Completo Desconhecido”
Colman Domingo, por “Sing Sing”
Ralph Fiennes, por “Conclave”
Sebastian Stan, por “O Aprendiz”

Melhor Atriz

Cynthia Erivo, de “Wicked”
Karla Sofía Gascón, de Emilia Pérez
Mikey Madison, por “Anora”
Demi Moore, por “A Substância”
Fernanda Torres, por “Ainda Estou Aqui”

Melhor Direção

Sean Baker por “Anora”
Brady Cobert por “O Brutalista”
James Mangold por “Um Completo Desconhecido”
Jacques Audiard por “Emilia Pérez”
Coralie Fargeat por “A Substância”

Melhor Filme

“Anora”
“O Brutalista”
“Um Completo Desconhecido”
“Conclave“
“Duna: Parte 2”
“Emilia Pérez”
“Ainda Estou Aqui”
“Nickel Boys”
“A Substância”
“Wicked”

O post Indicados ao Oscar 2025: dessa vez a lista saiu apareceu primeiro em .

É impossível ler os romances Dune de Frank Herbert ou assistir a qualquer uma de suas adaptações cinematográficas e não se sentir encantado e aterrorizado pela Bene Gesserit. A irmandade misteriosa e superpoderosa é uma força sempre presente e sinistra que paira sobre o Império em ambos os episódios, manipulando silenciosamente a galáxia a partir de suas sombras mais escuras em sua busca para garantir um herdeiro masculino cuidadosamente criado por todos os meios necessários. No entanto, na emocionante nova série prequela da HBO, Duna – A Profecia, é revelado que a autoridade da ordem nem sempre foi tão garantida.

Ambientado 10.000 anos antes dos romances de ficção científica originais de Herbert, Duna – A Profecia é baseado na prequela de 2012 de seu filho Brian Herbert e Kevin J. Anderson, Irmandade de Duna, e conta a história de origem da Bene Gesserit em todos os seus aspectos sangrentos, sexy e, pelo menos, ás vezes, uma glória absolutamente assustadora. O drama segue duas irmãs Harkonnen – Valya (Emily Watson) e Tula (Olivia Williams) – enquanto elas administram uma escola para jovens superdotados e tentam evitar um acerto de contas há muito profetizado que poderia muito bem destruir a humanidade… ou, pior ainda, seus planos de décadas.

Veja, as Bene Gesserit pretendem garantir uma irmã no trono casando sua futura aluna, a princesa Ynez (Sarah-Sofie Boussnina), filha e futuro líder da família governante, a Casa Corrino, com um menino da Casa Rico. Tudo está acontecendo sem problemas até a chegada de Desmond Hart (Travis Fimmel), um soldado desgastado pela batalha que retornou de vários períodos em Arrakis com poderes sem precedentes e um verdadeiro machado para atacar a Bene Gesserit. Enquanto Desmond e Valya disputam o controle do Imperador Javicco (Mark Strong), Tula e as irmãs restantes devem usar seus talentos para aprender mais sobre o dia do juízo final que se aproxima rapidamente e, de alguma forma, relacionado ao verme da areia.

Em meio a toda essa conversa sobre planetas, Harkonnens e herdeiros, é importante notar que os espectadores não precisam tecnicamente ter lido nenhum dos livros dos Herberts ou mesmo visto os filmes de Denis Villeneuve ou David Lynch para desfrutar de Profecia. A série fornece contexto de seu mundo épico quando necessário, mas tem distância suficiente dos romances originais de Duna para se destacar como sua própria série de fantasia de ficção científica, com as Casas e a Bene Gesserit servindo cada uma como suas próprias facções que não têm medo de massacrar, trair e usar táticas políticas clandestinas para garantir a sua sobrevivência. No entanto, o conhecimento do mundo épico dos Herberts certamente fornecerá contexto extra para os espectadores e tornará as cenas de prática de espada com holograma e a localização de alguns dos parentes mais velhos da Casa Harkonnen, Corrino e Atreides muito mais emocionantes.

Apesar de ter tantos poderes para estabelecer, Profecia rapidamente ganha força por meio de sua narrativa não linear, que leva os espectadores de volta no tempo para testemunhar os primeiros dias de Valya (Jessica Barden) e Tula (Emma Canning) como filhas da desgraçada Casa Harkonnen por um momento e depois os coloca na vanguarda de uma história angustiante. ritual de agonia com especiarias no próximo. A showrunner, escritora e produtora executiva Alison Schapker mantém cada um dos episódios de uma hora de duração em um ritmo controlado e metódico, explorando o significado da irmandade – tanto como membros da Bene Gesserit quanto o vínculo entre Valya e Tula – enquanto fornece apenas o suficiente pistas para seu mistério e lançando uma bomba ocasional. (Confie em nós: ninguém na Profecia está seguro.)

A série é ancorada por atuações magistrais de suas irmãs centrais. A dupla ganha vida como líderes da Bene Gesserit, interpretados por Watson e Williams, e em flashbacks como irmãs mais novas por Jessica Barden e Emma Canning, cada um revelando um aspecto único de seu vínculo em constante mudança. Como Madre Superiora Valya, Watson é ousada e inabalável enquanto corta implacavelmente as pessoas para completar seus objetivos, enquanto a versão de Barden usa sua angústia e ressentimento desenfreados pela desonra de sua família para trazer à tona A Voz que moldará a Bene Gesserit nos próximos anos. No entanto, apesar de toda a natureza teimosa de Valya, é gratificante ver o rosto de Watson se contorcer em uma emoção recém-descoberta – medo – quando o Imperador começa a ficar do lado de Desmond e o destino da Bene Gesserit de repente fica em terreno rochoso.

Por outro lado, a Reverenda Madre Tula de Williams serve como o proverbial coração do show – uma tutora atenciosa com uma queda por uma jovem acólita chamada Lila (Chloe Lea), a quem ela criou. Embora ela possa parecer a irmã “mais gentil”, tanto Williams quanto Canning provam que Tula também não é fácil e fará de tudo para proteger sua família e obter a aprovação de sua irmã. Quando Valya a deixa para defender o forte, ela se apoia no treinamento de sua irmã, e os experimentos descobrem mais sobre o acerto de contas antes que ele possa prejudicar outro de seus alunos.

No entanto, ao isolar as irmãs em suas buscas individuais, Duna – A Profecia às vezes pode ter vontade de assistir a dois programas separados que estão ligados apenas pelo nome Bene Gesserit, com cortes frequentes para acompanhar seus últimos desenvolvimentos, apenas prolongando ainda mais. seu tempo separados. Embora ainda haja tempo para elas se reunirem (apenas quatro episódios estavam disponíveis no momento da análise), separar Valya e Tula por um período tão longo – e sem contato – priva criticamente a dupla e os espectadores de seu maior poder: a irmandade. Elas não são as únicos deixadas em segundo plano: uma coleção de personagens – como a princesa Ynez, seu irmão Constantine (Josh Heuston) e a mais nova classe de irmãs Bene Gesserit como Emmeline (Aoife Hinds) e Theodosia (Jade Anouka) são amplamente subutilizados ao longo da série, com pouco espaço para crescer até agora.

Em vez disso, Profecia está no seu melhor quando todos os seus personagens moralmente cinzentos estão tramando juntos e uns contra os outros para alcançar seus objetivos. Traga as brincadeiras movidas a especiarias para extorquir informações, as decisões médicas eticamente questionáveis, os assassinatos chocantes e as traições românticas! Cada personagem também tem suas razões para sua lealdade, permitindo que os espectadores lutem para decidir de que lado estão em um mundo onde não há heróis ou vilões bem definidos. Até mesmo o adversário de Valya, Desmond Hart, é um curinga encantadoramente sem remorso, com um olhar enlouquecido e uma história emocional que o deixou sofrendo de cicatrizes físicas e mentais (que, se não forem explicadas mais detalhadamente em Profecia, tem o potencial para um grande spin off).

Embora Villeneuve não tenha estado envolvido na produção de Profecia, a influência dele e do co-roteirista de Duna, Jon Spaihts (este último atua como produtor executivo) ainda é profundamente sentida no programa. Várias de suas cenas impressionantes evocam os mesmos visuais atmosféricos e melancólicos retratados em Duna e Duna Parte Dois, justapondo os tons quentes e nebulosos do planeta Salusa Secundus em tons de terra com a região montanhosa implacável de Wallach IX, onde residem as Bene Gesserit. Um banquete visual: cada episódio é repleto de efeitos visuais impressionantes que dão vida a máquinas pensantes e trajes lindos que mostram seu poderoso elenco envolto em vestidos pretos da Bene Gesserit, sobretudos jateados e vestidos de noiva vermelho rubi.

Mas, independentemente de quem sair vivo, uma coisa é certa: Duna – A Profecia é uma incursão sólida nos confins do universo Duna. Que a Bene Gesserit reine por muito tempo.

5 pipocas!

Disponível na Max.

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Nossa Terrinha Tupiniquim disputou, no último domingo, o sonhado Globo de Ouro nas categorias de melhor filme estrangeiro e melhor atriz (drama), com um filme de Walter Salles (outra vez depois de 26 anos com o mesmo diretor: pasmem), e Fernanda. Se liguem na coincidência incrivelmente louca, onde a frase pode fazer sentido tanto para o ano de 2025, com Ainda Estou Aqui – troca só a categoria que agora se chama Melhor Filme em Língua Não Inglesa, e Fernanda Torres, quanto para 1999, quando Central do Brasil e Fernanda Montenegro conseguiram feito semelhante. E lá em 1999, caso não se lembre, Fernanda Montenegro e Central do Brasil acabaram por ganhar esse almejado troféu, e de quebra levaram uma possibilidade, que virou realidade, de serem indicados ao Oscar. Naquela vitória, no auge dos 69 anos de Fernanda, é difícil não lembrar de cenas da nossa diva da interpretação conversando com Meryl Streep, que era só sua CONCORRENTE (só isso, galera, só isso), ou do incrível e histórico abraço de Steven Spielberg nela, além é claaaaaaaaaaaro, do notável e iconico “V da vitória”, feito de longe por Gregory Peck em sua direção. E poxa, junto a todas essas lindas memórias AINDA vencer o prêmio de melhor atriz da Associação de Críticos de Los Angeles, outra entidade respeitadíssima em Hollywood.

Dessa vez em 2025, o resultado, foi um pouquinho diferente. E te conto já já, segura aí. Antes, como foi a cerimónia e bastidores?

A comediante Nikki Glaser foi a primeira mulher a apresentar sozinha o Globo de Ouro. Glaser foi anunciado em agosto como apresentador após uma apresentação durante o programa “The Roast of Tom Brady” do Comedy Central. Glaser disse ao “CBS Mornings” que o ex-apresentador do Globo de Ouro Ricky Gervais ligou para ela e lhe deu alguns conselhos. “O conselho dele foi: ‘Seja você mesmo. Você não é um deles. Não tente sair por aí agindo como se fosse uma celebridade só porque foi convidado'”, disse ela. Os prêmios mais interessantes, além do nosso incrível momento, é claro, foram O Brutalista ganhando o prêmio de melhor filme de drama e levou para casa prêmios de atuação e direção, enquanto Emilia Pérez ganhou o prêmio de melhor filme na categoria musical ou comédia. Nas categorias de televisão, Hacks ganhou o prêmio de melhor comédia e Xógum: A Gloriosa Saga do Japão conquistou o prêmio de melhor drama. Dois artistas vencedores do Globo de Ouro serão reconhecidos com prêmios especiais: Viola Davis será homenageada com o Prêmio Cecil B. DeMille e Ted Danson será homenageado com o Prêmio Carol Burnett.

E enfim, a melhor coisa da noite, fez o Brasil se emocionar com a novidade gigante: a vitória inesperada da noite de Fernanda Torres que, ganhou o prêmio de melhor atriz por Ainda Estou Aqui, Fernanda Torres disputava com Nicole Kidman por Babygirl, Angelina Jolie por Maria Callas, Kate Winslet por Lee, Tilda Swinton por O Quarto ao Lado e Pamela Anderson por The Last Showgirl. E de quebra estamoa com grandes chances de vencer o o prêmio de melhor atriz da Associação de Críticos de Los Angeles que foi adiado para 26 de Janeiro. Portanto, nos resta somente esperar a chance de sermos indicados ao Oscar na lista definitiva que vai ser divulgada dia 17 de Janeiro.

Enfim, BORA TORCEEEEEEEEEEEEERRRR! Fernando Torres tá marcada, Brasiiiiiiiiiiiiiiiiilllll!!!!!!!!!

5 pipocas!

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No que pode ter sido um dos romances de férias mais surpreendentes da última década, Uma Segunda Chance para Amar (2020) é um recheio cativante para o público nesta temporada, que certamente aquecerá até os corações mais frios. Cheia de alegria natalina, performances sinceras e músicas animadas, é difícil de resistir história de amor festiva inspirada em Wham!: o clássico de mesmo nome é um conto terno que vai muito além do reino habitual das comédias românticas de Natal.

Embora alguns possam esperar uma história do tipo Lifetime ou Hallmark Channel que inundou a televisão nos últimos anos, o filme dirigido por Paul Feig certamente se destaca com seu próprio estilo e narrativa liderada pela sempre contagiante e alegre Emilia Clarke.

Recém-saída de seu papel ardente em Game of Thrones, Emilia Clarke ilumina cada cena com puro carisma como a azarada Kate, uma aspirante a cantora e atriz que recentemente enfrentou uma crise de saúde – especificamente o transplante de um importante, e desde então tem sido inclinada a perpetuamente tomar más decisões. Mas, por acaso, a funcionária de uma loja de decorações de Natal, de 26 anos, conhece o peculiar e alegre Tom (Henry Golding), um mensageiro de bicicleta e voluntário em um abrigo para sem-teto, cuja presença contínua dá à sua vida um significado totalmente novo – ou seja, até que as coisas eventualmente se mostrem boas demais para ser verdade.

Sinceramente engraçado e brincalhão, com uma infinidade de momentos de ternura iluminando cada canto dos quadros do filme, Uma Segunda Chance para Amar é um filme de férias luminoso que parece mais moderno em seu tom do que sentimental, permitindo alguns diálogos muito genuínos que tocarão seu coração.

Embora qualquer coisa mais relacionada ao enredo pudesse entrar em território de spoiler, o filme, co-escrito pela co-estrela de Clarke e mãe na tela, Emma Thompson, oferece uma reviravolta que é muito mais sutil do que o público poderia esperar. Embora Uma Segunda Chance para Amar se atenha a alguns dos tropos anteriores do gênero, ele supera a norma através de uma infinidade de camadas e performances credíveis que são genuínas e escassas nos filmes de férias habituais produzidos.

De todas as atuações, não há dúvida de que Clarke é uma bola de fogo fácil de cuidar. Embora sua personagem possa ser uma mistura peculiar de charme e cinismo, a ex-Mãe dos Dragões consegue isso com uma atuação sincera e poderosa que o deixará totalmente investido e curioso. Clarke também compartilha uma química doce e fácil com Golding, já que o sarcasmo de seu personagem é mais proveitoso com seu otimismo, dando vida a alguns momentos sinceros entre os dois. A dupla é complementada de forma impressionante por Thompson como a mãe imigrante superprotetora de Kate, Petra e a co-estrela de Podres de Ricos de Golding, Michelle Yeoh, que interpreta a chefe de Kate na loja de decorações de Natal, Santa, aberta durante todo o ano. As duas lendas animam o filme sem esforço e conseguem completar os momentos difíceis do filme que refletem um realismo sincero nas circunstâncias encontradas.

Escusado será dizer que entre o fascínio do filme está a atração nostálgica do clássico do Wham! com George Michael dos anos 1980, Last Christmas, que, de forma muito vaga, deriva seu título e história da premissa da música, entrelaçando muito do magnetismo do falecido cantor.

Oferecendo uma infinidade de acessórios essenciais para filmes de férias, Uma Segunda Chance para Amar ‘poderia se tornar um clássico entre os amados filmes festivos modernos, como Simplesmente Amor ou O Amor Não Tira Férias, com sua premissa doce e comovente. Com uma conclusão comovente e uma mensagem que equilibra cada momento capturado perfeitamente, Uma Segunda Chance para Amar consegue tudo com um elenco querido, um cenário londrino maravilhosamente chamativo e rende risadas e lágrimas – muitas das quais até ocorrem na mesma cena. Calorosa e encantadora, a colaboração de Feig e Thompson é uma brincadeira divertida que consegue puro escapismo por uma joia rara de férias, deixando você sentindo o melhor tipo de sentimentos calorosos e confusos de um Natal em família.

3 e meia pipocas!

Disponível na Netflix até 15 de Janeiro e no Prime Video.

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August Wilson escreveu uma peça para cada uma das décadas do século 20, todas ambientadas em Pittsburgh e explorando temas de raça, família e traumas geracionais e a lição aqui não é sobre alguém aprendendo a tocar piano. É a luta entre os irmãos da família Charles que representam 2 visões opostas sobre história, herança e obrigação. John David Washington e Danielle Deadwyler apresentam atuações incríveis como Boy Willie e Berniece (seu nome possivelmente é uma referência a uma personagem de O Membro do Casamento).

Boy Willie, descrito por Wilson como “ousado e impulsivo, falante e um tanto grosseiro na fala e nas maneiras”, chega à casa em Pittsburgh compartilhada por Berniece, sua filha e seu tio Doaker (Samuel L. Jackson). Ele não é convidado, não é anunciado, é inesperado e indesejado. Ele e seu amigo Lymon (Ray Fisher) dirigiram um caminhão cheio de melancias de sua comunidade rural no Mississippi. O plano de Boy Willie é vender as melancias para conseguir dinheiro para comprar um imóvel. É mais do que uma chance de ser seu próprio patrão. A propriedade já foi propriedade da família Sutter, que escravizou seus ancestrais. O patriarca Sutter acaba de morrer ao cair em seu poço.

A família Sutter também já foi proprietária de um piano que ganhou em troca de escravos, separando mãe e filho da família Charles do marido e pai, um carpinteiro talentoso, considerado valioso demais para ser vendido. Ele gravou a história de sua família no piano, e uma geração posterior o roubou dos Sutters. Agora está na sala da casa de Berniece. O conflito do filme é entre Berniece, que não toca piano, mas se recusa a vendê-lo pelo que representa sobre a dor, a habilidade e a coragem de sua família. Boy Willie está determinado a vendê-lo para construir um futuro que, em sua mente, também honre a história da família. Se roubar o piano foi um triunfo sobre a escravidão e o abuso, possuir a propriedade Sutter é ainda mais.

Washington é um artista fascinante e seu Boy Willie é elétrico, carismático e perigoso. Deadwyler tem um papel mais tranquilo, especialmente na primeira metade do filme, mas tem a chance de mostrar a determinação ardente de Berniece. Wilson, sempre um mestre na criação de personagens complexos e cativantes, tem dois dos seus melhores nos dois irmãos. Uma história convencional faria a viúva Berniece encontrar um final feliz com o pregador que a ama (Cory Hawkins, excelente como sempre). Mas as peças de Wilson abordam grandes questões existenciais e ele não hesitou em ir a extremos para demonstrar a intensidade das lutas de seus personagens. Quanto a história da sua família os apoia? Quanto isso pesa para eles? O que você faz quando a resposta é ambas?

Os pais devem saber que este filme tem uma linguagem forte, incluindo muitos usos de palavrões. Personagens bebem e fumam. Há referências à triste morte de um marido e pai e aos abusos e privações da escravidão e da intolerância. A história também inclui alguns eventos sobrenaturais/de terror com imagens perturbadoras.

Discussão familiar: Quem está certo, Berniece ou Boy Willie? O que eles poderiam ter dito para explicar melhor o que sentiam? Sua família tem uma herança preciosa mas, quem se importa mais com ela?

5 pipocas!

Disponível na Netflix.

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Os anos 80 e 90 foram uma era de ouro dos thrillers de ação de alta octanagem, e essa tradição continua com desenvoltura emocionante em Bagagem de Risco.

Após duas incursões em extravagâncias heróicas (Jungle Cruise, Adão Negro), o diretor Jaume Collet-Serra retorna ao tipo de terreno que cultivou com sucesso com Liam Neeson em Desconhecido e Sem Escalas através desta história rápida e inteligente de um agente de segurança de aeroporto (TSA) que se encontra chantageado por um vilão misterioso para deixar uma bagagem de mão passar pela segurança. Uma engenhoca de gênero mecânico que constantemente cria novas maneiras de manter seu protagonista em uma crise de vida ou morte. Esta oferta vertiginosa da Netflix confirma a vitalidade duradoura de sua fórmula escolhida – e, no processo, prova um inesperado e bem-vindo presente do streaming para o Natal.

Ethan (Taron Egerton) e sua namorada Nora (Sofia Carson) estão prestes a dar as boas-vindas ao primeiro filho. Apesar da empolgação de Ethan com a paternidade iminente, ele está preocupado por não estar pronto para o papel, visto que não passou no exame de admissão para se tornar policial e agora trabalha duro como um humilde agente da TSA de Los Angeles.

Ex-astro do atletismo do ensino médio, Ethan está fugindo de seu sonho ao se manter em um emprego que não gosta – uma situação que é óbvia para todos ao seu redor, incluindo seu chefe Phil (Dean Norris) e seu amigo e colega Jason (Sinqua Walls). Nora, que também trabalha no aeroporto, quer que Ethan dê outra chance às autoridades, o que ele não está disposto a fazer. Ainda assim, ele mostra iniciativa renovada no trabalho na véspera de Natal, convencendo Jason a ceder seu lugar no controle de segurança de bagagem para que Ethan possa demonstrar que está pronto para “acordar” e se comprometer.

Embora pareça um passo encorajador em direção à maturidade, acaba sendo inoportuno. Ao descobrir um fone de ouvido Bluetooth em uma caixa de bagagem, Ethan recebe uma mensagem dizendo-lhe para usá-lo e, quando ele obedece, é informado por um misterioso “passageiro” (Jason Bateman) que ele deve deixar a mala de um passageiro passar pela máquina de raios X sem incidente.

Conforme Ethan descobre, o vilão planejou chantagear Jason. Mesmo assim, o “passageiro” e seu cúmplice técnico- que está em uma van estacionada com o proprietário amarrado do veículo – facilmente mudam de assunto e obtêm informações tremendas sobre Ethan, que usam para pressioná-lo a obedecer. Ethan rapidamente deduz que está sendo vigiado.

O papel de Bateman é um vilão tagarela; sua vontade de conversar com Ethan sobre sua vida, suas falhas e seu futuro são um sintoma de sua crença arrogante de que ele tem tudo sob controle. Isso ele faz, pelo menos no início. No entanto, o roteiro afiado de Fixman logo lança vários problemas em seu esquema aparentemente infalível, começando com o fato de que Ethan está com os nervos em frangalhos. Como o “passageiro” – que afirma não ser um terrorista, mas sim um “facilitador” mercenário de conspirações terroristas – planeja fazer algo terrível, ele não aceitará um não como resposta, e a pressão imediata e perigosa que ele exerce sobre Ethan impulsiona o jovem a tomar medidas drásticas para evitar que as coisas se desfiem completamente.

Bagagem de Risco não divulga imediatamente o conteúdo da bagagem ameaçadora de Bateman nem seu propósito maior. Embora essas respostas eventualmente venham à tona, elas permanecem irrelevantes; O foco de Collet-Serra e Fixman está sempre na situação atual de Ethan e nos meios pelos quais ele escolhe entre opções ruins e piores. A emoção está na mecânica da narrativa, e o filme é um aparato habilmente executado, de modo que cada detalhe inicial é projetado para ter uma função narrativa importante, e até mesmo as reviravoltas mais duvidosas são tratadas com realismo e musculatura suficientes para passar despercebido do nosso detector de besteira. O diretor mantém o ritmo rápido e a atmosfera tensa, e seus visuais brilhantes e sua cinematografia arrebatadora e acelerada contribuem para a ansiedade propulsiva do material.

Enquanto Ethan lida com seu dilema de pesadelo, a policial local Elena Cole (Danielle Deadwyler) lentamente se torna consciente e se envolve no caso, e se ela parece só uma pedaço do enredo, ela é, no entanto, a destinatária da peça central mais vistosa e maluca do filme.

Bagagem de Risco toca como um riff de Duro de Matar 2, no qual o herói não é um policial sarcástico e super-herói que quebra regras, mas um preguiçoso zé ninguém que precisa de um chute na bunda, e Egerton exala a mistura certa de presoderrotismo inabalável e determinação atormentada para manter o filme unido.

Enquanto isso, Bateman canaliza a amoralidade de seu protagonista de Ozark para o “passageiro” frio, calmo e implacavelmente sociopata. Eles formam uma bela dupla de gato e rato, e Deadwyler fornece um apoio colorido e convincente.

Essa última novidade da Collet-Serra é a prova de que, de fato, às vezes os filmes de ação são feitos como antes, e com o mesmo grau de estilo, personalidade e impulso pulsante. Ele não ganhará nenhum prêmio nem quebrará nenhum recorde histórico, mas sua eficiência de bomba-relógio e eletricidade são precisamente as qualidades que faltam em muitos filmes modernos – e que fazem de Bagagem de Risco uma viagem divertida e ousada que vale a pena fazer.

5 pipocas pela emoção e suspense!

Disponível na Netflix.

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